Music is my girlfriend

UMA TOTORO

2012-01-28T13:04:00.006+01:00

UMA TOTORO (2012)

Llevaba días con ganas de hablar de este dúo de Buenos Aires (Argentina) porque desde que uno de sus miembros me envío su álbum de debut he estado disfrutando sin parar sus cinco gemas instrumentales. Han sido una muy grata sorpresa y además he de añadir que a la hora de facilitarme este post han sido un lujo de personas, con rápida respuesta y dándome opción de llegar a su material de inmediato cuando les hacía una petición (información, imágenes del grupo, portadas, etc.). Dicho esto y centrándome en su música que es lo que aquí se trata, con toda la objetividad del mundo os digo que este es un hallazgo que me ha entusiasmado en ese sentido. No sé si me ha cogido en un momento en el que necesitaba como el comer, empaparme de sonidos más carnosos y recuperar la esencia de bandas como El Columpio Asesino, Two Lord Swordsmen, Shellac, Manta Ray o Bark Psychosis, Ui, Four Tet o Trans Am, o lo que es lo mismo, todas esas bandas allegadas al post-rock y el rock de talante electrónico (sin la pretensión descarada de pertenecer a esa rama), que innovan desde la electricidad más corrosiva sin desprenderse de una accesibilidad férrea a golpe de distorsión bien empleada.

Tal vez la belleza de su propuesta radica en que igual que yo recupero para mi memoria a esas formaciones, otros (o ellos mismos) tendrán en la cabeza otras, con lo cual queda claro que beben de una fuente inagotable, pero al mismo tiempo dan un toque personal, un brillo honesto que dota a estas piezas de desarrollos largos de una sensación terrenal que crea además una cierta adicción. Guitarras espitosas, destellos luminosos, bajo afilado y una base computarizada en algunas ocasiones que se me antoja sublime porque aporta al resultado final la dosis necesaria de excitación enérgica.

Se abre este primer paso homónimo con la genial "Olympic foca", una pieza de comienzo dócil con esa línea tan próxima a los estadounidenses Explosions In The Sky, con ese extracto de onomatopeya acuática mamífera y que a medida que transcurre su recorrido va incorporando un ritmo infalible transformado en leve atmósfera ruidosa, haciendo justicia a la definición 'Noisedance' con la que ellos mismos describen su discurso, "Pacman acid dance", seductora, implacable, algo más oscura, la cual imagino ideal para acompañar escenas nocturnas de un thriller noventero del estilo de lo que en estos días podemos ver en la cartelera con 'Drive' y sus sensacional banda sonora, vamos, que la imagino de fondo a esa persecución por las calles de Los Ángeles con Ryan Gosling al volante y me resulta idónea, "El último pivot lituano", que por mi afinidad al noble deporte de la canasta, fue la primera que me llamó la atención, una pista que se inicia con una breve introducción hablada (o más bien voceada) en alguna lengua de la Europa del Este (¿?), quién sabe si quizás del mismo amo de los tableros al que se cita en el título (según me dijo Fran, el mítico Zygrunas Ilgauskas) y que desprende todo un elenco de estilos, pasando del punk rock garagero con ese punteado tremendo al shoegaze o el noise de No Age, imponiendo su fuerza en el núcleo, entrando la guitarra en colisión furtiva, "El único animal que brilla", retrocediendo sobre sus pasos para, al amparo del cantar de los pájaros, permanecer en calma unos instantes al son de la batería y el bajo crudo que pide timídamente entrar manteniendo el pulso con discreción, y "Barcos violetas", mi favorita del lote, a la que incluyen letra, logrando que la voz sea un instrumento más, quedando en segundo plano pero sumando al global, con un tono apesadumbrado que acto seguido fundamenta su potencial en el drama para hacer de sus estribillo un perfecto enlace entre los universos de Sigur Rós y Radiohead.

Francisco Fourcade e Abrahin López son los artífices de todos esto, intercambiando papeles según la canción, alternando instrumentos y encargándose además del diseño de la cubierta, la producción y la mezcla de cada tema aplicando la buena consigna del 'hazlo tú mismo'. A mi me han encantado, espero que tengáis las misma sensación que yo y ojalá ese gran país siga dando tan buenas bandas noveles, para que así las podamos ver dentro de nuestras fronteras actuando en vivo. Ah! y además son simpatizantes culés, que más se puede pedir!. Aquí os dejo los temas y un par de interesantes videos.

http://www.youtube.com/watch?v=qtZtP_vYUJ4

http://www.youtube.com/watch?v=zIa9lGxKvKo&feature=related

LIAM FINN

2012-01-22T17:03:00.005+01:00

I'LL BE LIGHTNING (2008)

Vuelta al redil después de unos días de reflexión, tras verme obligado a hacer significativos cambios y darle vueltas a las alternativas debido la psicosis legislativa. De momento el blog quedará como está, desprovisto de añadidos al final de cada escrito. Me planteo la posibilidad de poner un vídeo de una canción en cada entrada pero esperaré un tiempo prudencial para descubrir a ciencia cierta que eso está permitido sin que haya consecuencias. Lo que si tengo claro es que no voy a arriesgar ni lo más mínimo con los matarifes cibernéticos. Me sabe mal por los que entrabáis aquí simple y llanamente para llevaros algo al oído sin necesidad de tener que leer mis ladrillos. Doy por hecho que está humilde morada mía, va a perder por ello casi todo su encanto ( si es que tiene alguno), pero es lo que hay supongo. Espero sin embargo, que los 'habituales' sigáis disfrutando de mis torpes opiniones sobre estos magnos artistas que cada día nos hacen la vida más plancentera y que sigamos manteniendo esta comunicación que tan feliz me hace.

Dicho esto, vamos al lío! hoy traigo un disco fabuloso, toda una sorpresa. Como viene siendo habitual en los últimos tiempos, 'la pobre granaina', mi querida socia melómana (quién si no?), me dio a conocer la obra de este joven (28 años) artista de Melbourne (Australia), cuyo sonido de decanta hacía terrenos dominados por el indie-rock y el dream pop. Críado en Auckland (Nueva Zelanda), su nombre salió a la palestra con la siempre pesada losa de ser 'hijo de', pues su padre es Neil Finn, líder de los carismáticos Crowded House. Se puede pensar que el hecho de ser elegido como telenero en giras de bandas tan emblemáticas como Wilco, Pearl Jam o The Black Keys, puede deberse a esta peculiaridad, pero el caso es que su sonido y sus composiciones son magnificas y brillan por si solas, teniendo como recompensa una acogida que deja al margen la anécdota de su procedencia familiar. Por eso, lejos de pensar que eso sería un reclamo fácil para que tuviera una promoción exagerada y poco fiel a su talento, todo los contrario. El bueno de Liam, es un tipo corriente que nunca ha aprovechado esa condición para abrirse camino en la industria musical, del mismo modo que hizo, por poner un ejemplo, el cineasta Duncan Jones (hijo de David Bowie, que ni tan siquiera utiliza el apellido artístico de su ilustre padre).

Su primer incursión discográfica fue en la banda sonora de la película 'I am Sam', donde interpretaba junto a su progenitor, una versión del clásico de The Beatles "Two of us". Poco después un tema suyo volvió a aparecer en otra película, en este caso 'Rain' y ya no fue hasta la edición de este genial debut titulado 'I'll be litghtning' que diera señales de vida, pero de que forma las dio, oiga.

Esta puesta de largo fue todo un hallazgo con temas tan suculentos como el inicial "Better to be", una delicia con la distorsión modulada para lograr un sonido crudo pero esponjoso y genuino, y unos cambios de registro vocales e instrumentales preciosos, con mucha influencia de su ídolo Elliott Smith y el movimiento brit-pop, de hecho el álbum narra sus vivencias adolescentes en Londres (Inglaterra), la cuna de todo aquello, "Second chance", un corte que se va acelerando sobre una ligera base electrónica, con su voz en falsete, edulcorada y grácil, más el añadido de una leve tela orquestada de sedosa textura, "Gather to the chapel", preciosa, solo se me ocurre esa definición, una pieza cargada de emoción que también encajaría en el ideario de Merz, una coralidad abrumadora y una belleza transparente que la convierten en la mejor del lote, "Lead ballón", como si el Jeremy Enigk de los primeros Sunny Day Real Estate se juntara con Supergrass y cambiara de tercio, excitante, divertido en la fusión de sus imaginarios, "Energy spirit", que como su propio nombre indica, resulta trepidante, muy afín al hilo musical de las road movie de almas nómadas, "Remember when", la finalidad acústica haciendo mella como en todo cantautor actual que se precie, unos acordes nítidos y envueltos en magia de esa que hace brotar lo mejor que esconde el interior de los buenos comunicadores, "Wise man", épica, pasión, elegancia, unidas en sentimiento, con unos juegos vocales que saben a gloria a encanto etéreo de espacios abiertos con la mirada puesta en el cielo, "This place is killing time", donde se acerca a The New Pornographers, Spoon y Rooney con la cantidad justa de energía, y "Shadow of your man", una despedida suave a piano que deja permanente el grato sabor de boca.

Liam Fin que prácticamente se lo guisa y se lo come, porque toca todos los instrumentos que podemos escuchar durante el minutaje, estuvo acompañado en el estudio por su padre Liam Finn, que toca el bajo en el primer tema del disco, Matt Eccles a la batería, único cacharro con el que no se atreve aún el genio oceánico, y Connan Hosford, que presta su voz y toca el autoharpa en la apertura.

FRANÇOIZ BREUT

2012-01-17T16:12:00.002+01:00

VINGT À TRENTE MILLE JOURS (2000)

A mi modo de ver las cosas dentro de la música, este fue uno de los discos más elegantes, finos y bellos de cuantos se publicaron en el año que abría el nuevo milenio. Un diamante en bruto, uno de esos álbumes que al escucharse abren un horizonte abrumador para nuestros oídos. Esta mañana lo he recuperado casi por azar, ya que he movido un pequeño mueble sin querer debido a mi torpeza matinal, esa que me hace chocarme con todo hasta que por fin logro abrir los ojos del todo (muy malos los madrugones, ya se sabe) y se ha caído ese cd, precisamente. He visto la portada con el rostro de esta brava mujer nacida en Cherbourg (Francia) y he esbozado una sonrisa que se ha transformado en rápida orden para que me lo pusiera en el reproductor tras mucho tiempo sin hacerlo. Ahí se ve cuando un disco es excelente, cuando en el olvido no ha perdido ni un ápice de lozanía, de calidad, que lo distingas y recuerdes intacto. 'Vingt a trente mille jours' es un álbum evocador, conciliador, que te lleva a donde quieras estar en cuerpo y alma, con sus pragmáticas orquestaciones, sin íntimas historias y su armonía pop.

Apadrinada en su día por su entonces pareja sentimental Dominque Ané (más conocido artísticamente como Dominique A), Françoiz Breut hizo sus primeros pinitos contribuyendo en tres canciones del afamado compositor francés, pertenecientes al álbum 'Si je connais Harry' a principios de los noventa. Poco después fue el mismo el que produjo, escribió e hizo los arreglos de su debut homónimo en larga duración. Allí podían percibirse ya sus dotes para liderar la nueva hornada de la chanson francesa en un trabajo lleno de encanto y espontaneidad, pero su consagración y salto de calidad no llegó hasta este segundo paso, en el que confirmaba su valía personal, de hecho, al cabo de un corto espacio de tiempo, rompió su relación con su mentor y maduró su sonido partiendo de este embrión con los sensacionales 'Une saison volée' y 'À l'aveuglette' (el cual también posteé en su día por aquí).

Diversas colaboraciones con otros músicos de indiscutible nivel como sus paisanos Yann Tiersen, Louise Attaque o los inquietos Calexico, y su reputación subió como la espuma. También su asentamiento temperamental con la publicación exitosa de sus libros, erigiéndose en una gran ilustradora y el hecho de que fijara su residencia en Bruselas (Bélgica), centraron su carrera alejando esa presión mediática a la que se vio sometida por su fuerte irrupción en el panorama musical del país vecino, dando una perspectiva de si misma reposada, discreta e interesante, ofreciendo un sonido acogedor en el global de su discografía.

Centrándonos en la obra de la que quiero hablar, he de decir que estas catorce canciones que la conforman son deliciosas, una autentico tratado indie-pop que navega por el pop de cámara, la chanson (como no) e incluso el rock de talante sobrio, con sus dosis justas de misterio y fragilidad, profundidad y sentimiento. Cantado casi de forma íntegra en su idioma materno, cada pieza supone un viaje imaginario al bienestar, desde la reflexión, la fantasía o la esperanza, según se precie. Llegué a este disco tras ver unos minutos de un directo suyo dentro del marco del BAM (el festival gratuito que se celebra cada año en las calles de Barcelona durante las fiestas de la Merçe) de aquel año. Muy mal me supo enterarme tarde de que había pasado por aquí, ya que lo vi por televisión en un reportaje-resumen del evento y a día de hoy soy consciente de las pocas posibilidades de verla en directo que existen, pues parece que su fama en nuestras fronteras se ha diluido desde aquellos días. En fin, que me vuelvo a desviar del tema, recomiendo con fervor poner los cinco sentidos en canciones tan estimulantes como la inicial "Derrière le grand flitre", con esa melosidad oscurantista que le caracteriza en sus primeros compases y que va creciendo a medida que avanza firme, honesta en un deambular instrumental magnifico que añade elementos a mansalva con la disparidad de su registro vocal, tan tierno como sereno, y con ese final de brillante sección de cuerda que enlaza con la mejor pieza no solo del disco si no de toda su trayectoria "Si tu disais", esa formidable proeza que roza la perfección con violines, violonchelos y violas dibujando un paisaje de carreteras secundarias, ruedas en movimiento y asfalto reluciente sobre cielo soleado, una de las mas hermosas composiciones que he oído nunca, luego "L'affaire d'un jour", monumental, en un onda más similar a lo que hace PJ Harvey, pero con un leve filtro acústico y un ritmo próximo al blues o incluso al slowcore, una maravilla que cierra una trilogía de inicio que es puro lujo, "Portsmouth", siguiendo la estela de la pauta marcada, acariciando las atmósferas para presentarlas endebles, vulnerables, desnudas si cabe, un tema que podría haber creado la atractiva Françoise Hardy hace treinta años de haber contado con las nuevas tecnologías de producción, homenajeando a posteori su coquetería con "L'origin du monde", otro tema a la medida de la gran voz gala del pasado siglo, un tema rítmico, divertido y bailable, "Vingt a trente mille jours", corte que da título al disco que se encamina a terrenos jazzísticos de temple ecléctico, "Silhoutte minusculene", donde se decanta de nuevo por el misticismo acercándose tímidamente a la jörk más orgánica, "Sans souci", revisión del viejo tema de la cantante de jazz californiana Peggy Lee, una excepción en cuanto a modo de manifestarse lengüisticamente, pues aquí comunica en inglés un opaco texto con sonoridad afín al universo Tom Waits, "L'heure bleue", donde flirtea con la indietrónica de Ms John Soda y susurra como los ángeles, la más movida "Il n'y a pas d'hommes dans les coulisses", con esas guitarras cristalinas que se asemejan en su línea a las que utilizan Chris Isaak en la práctica totalidad de sus discos y Nancy Sinatra en sus lanzamientos más recientes, y "Je ne veux pas quitter", la unión de los ingredientes en una ensalada de virtud, con orquestación, tono acústico y dulzura pop.

Un grandísimo álbum para el que Françoise Breut (su verdadero nombre, que como veis varía poco del artístico) contó con la infalible ayuda de los antes mentados Dominique Ané, Yann Tiersen, Gaëtan Chataigner, Sacha Toorop, Pierre Bondu, Philippe Katerine, Jean-Loup Dabadie, Luc Rambaud y los reputados compositores de bandas sonoras Jérôme Minière y Philippe Sarde.

EEF BARZELAY

2012-01-13T13:09:00.002+01:00

LOSE BIG (2008)

Se conoce que Eef Barzelay, ya sea en solitario o con sus Clem Snide, suele liarla bastante en directo, que se transforma en un autentico showman y que habla por los codos con el público dando rienda suelta a su irónico sentido del humor. Eso por lo que me han contado (Viktor y Viola, afortunados ellos), suele irritar a algunos y hacer las delicias de otros, como también pasa con el todavía más popular Micah P.Hinson. Yo no he tenido aún la gran suerte de presenciar uno de sus recitales sobre las tablas, pero puedo decir que sus discos sin embargo no tienen impuesta esa diversidad de criterios. Cuanto menos, bajo mi humilde punto de vista son una maravilla y dejan una sensación la mar de placentera. No obstante la unión de ambos mundos mentales del artista de Tel Aviv (Israel) afincado en Boston (Massachussets) y criado en Teaneck (New Jersey) dentro del seno de una familia judía, se unen en las letras de álbumes tan redondos como 'Lose big', su más emblemática obra al margen de su banda madre y la tercera y última en formato físico (en realidad tiene siete, pero las cuatro últimas han visto la luz solo a través de la red, en descarga directa, una de ellas en formato Ep. Además cabe decir que de sus tres trabajos oficiales, el segundo es una banda sonora, concretamente de la película indie 'Rocket science', la cual se alzó con el galardón a mejor director en el prestigioso festival de Sundance el año de su proyección).

Es esta una colección de canciones emocionantes que sin alejarse en demasía de los postulados de su proyecto principal si que aportan una visión distinta, más personal y apasionada si cabe, de esa mezcla de rock alternativo, alt-country y pop que les identifica. Diez temas y dos de propina (osease bonus tracks) que se cruzan entre cálidas guitarras, bellos acordes, dulces melodías y empáticas historias, en algún lugar entre Centro-Matic y los primeros Fountains Of Wayne. Barzelay crea un submundo íntimo presidido por el surrealismo con textos que hablan desde los planes futuros de una chica que se gana las abichuelas bailando en vídeos de artitas hip-hop que sueña con graduarse en medicina, el amor sumergible entre dos buzos o hasta de esguinces de tobillo. Todo un divertimento degustar sus letras y notar como en el fondo de ese humor hay mucha elegancia y seriedad.

Se abre 'Perder mucho' (título significativo a pesar de ser una apuesta segura) con su espléndida voz lloriquear sobre unos riffs distorsionados que dan las gotas de emoción adecuadas al que para mí es el mejor corte del lote, Could be worse", luminoso y apesadumbrado a partes iguales, con un estribillo sensacional, la simpática declaración de principios que supone "The girls don't care", donde explica que las chicas solo quieren una dulce melodía, alejarse de las complicaciones y el dolor de los victimistas y abrazar la pasión sin la necesidad de enamorarse debido a su autosuficiencia (o algo así), una canción cubierta de un ritmo contagioso, sensible a la par que directo, bien diferenciado en la excitación instrumental final, que bien podría pasar por su "I love the unknown" particular, "Take me", abrazando las coordenadas del folk desde su librillo de estilo más fiel, con una línea de guitarra formidable y entonando como un viejo trovador en un adorable registro vocal, "How dare they", que encajaría en la banda sonora de cualquier película reciente de Woody Allen pero también en el discurso más sombrío de Calexico o DeVotchka, "Apocalyptic friend", su dosis ligera de épica, narrando su visión sobre el fin del mundo con una coralidad que nos trae a la memoria a Band Of Horses y My Morning Jacket, la dócil "Numerology", con cierto deje setentero, una pieza magnifica que bien podría haber formado parte del 'Chutes too narrow' de mis queridos The Shins, el relato embriagador y desnudo de un estafador que ha perdido el alma oscura para abrir los brazos a la compasión, la enternecedora "Make another tree", estremecedora en su finura, canalizadora de sentimientos interiores, la homónima "Lose big", recuperando el nervio y el pulso rockero, esbozando la lucha de un músico entre el matrimonio y su pasión por la música (¿él, quizás?), "Song for Batya", una elegía hermosa y frágil de agudeza lírica y sonoridad moderada, y ese para de temas extra que os comentaba al principio, ya anteriormente grabados, uno "Me no", perteneciente a la banda sonora de 'Rocket science' y otro "I love the unknown", adaptación fiel del viejo tema incluido en el 'Your favorite music" de Clem Snide. Ideal despedida para un álbum perfecto.

Eef Barzelay estuvo acompañado en el estudio por Jay Cooper, Jared Reynolds (habitual bajista de Ben Folds que también ha trabajado en disco de Allison Moorer, Hayes Carll, Phil Lee, Todd Snider, Amanda Palmer o Chris Richards) y Joe Costa (batería en ruta y estudio de Ben Folds, además de ex-miembro de 39 Strips y Flick).

JOHN DOE + SLIM CESSNA'S AUTO CLUB - LA [2] (BARCELONA) 10/01/12

2012-01-11T16:01:00.001+01:00

KEEPER (2011)

Quizás porque tenía una barbaridad de ganas de volver a ver a los de Denver (Colorado) y me atraía mucho la idea de hacerlo en un sala de mayor cabida, tal vez por haberme creado unas expectativas demasiado grandes sin reparar en que los había visto hace poco más de nueve meses, puede ser que porque hoy tengo el día raro, pero no voy a poner al que en teoría era el plato de fuerte de la noche por las nubes como acostumbro a hacer. Con esto no quiero decir que el concierto me desagradara, pero si que me dejó un poco descolocado. No sé como explicar la sensación real que tuve, el caso es que lo disfruté pero creo que se me quedó algo descafeinado en comparación con el que tuve la fortuna de presenciar en Marzo en la sala Sidecar. Probablemente sea clave el haber perdido el factor sorpresa, porque acudir a un directo de esta gente es una experiencia incomparable que te deja perplejo por su desenvoltura en vivo, su energía, su despiporre redneck, ese show que justifica cualquier pago y que te apetezca volver a degustar un directo de ellos sin pensarlo. Por eso, quiero pensar que la razón de mi medio disgusto es que nos tocó la china de ser la primera cita española, que ellos no estaban tan motivados como aquel día por lo que fuera y que para confirmarlo se olvidaron de alargar más la actuación de esos escasos cincuenta y seis minutos sin bises y apenas temas viejos. No me malinterprete nadie, pues el bolo fue magnifico, pero sorprendentemente me acabó gustando más ese excelente artista llamado John Doe, que con su veteranía y simpatía llenó el recinto de calor humano.

El otrora líder de X donde compartía labores de alma mater con su por aquel entonces esposa, la inigualable Exene Cervenka (que le dejó por el actor Viggo Mortensen, curiosidad donde las haya), derrochó carácter y calidad a partes iguales. Desde su condición de dinosaurio de las tablas a sus casi sesenta castañas y bajo la atenta mirada de sus 'discípulos' Jay Munly y Slim Cessna's (el barbudo vocalista reconoce que es su ídolo a la que puede públicamente), defendió en su mayor parte las canciones de su último trabajo de estudio, el formidable 'Keeper', un disco basado en un bravo alt-country de tintes rockeros.

Escritos estos párrafos anteriores durante la jornada de ayer, tuve que interrumpirlos por sentirme indispuesto, pero como no hay mal que por bien no venga y lo que voy a plasmar hoy es bien distinto a lo que pensaba ayer (aunque mantengo algunas cosas) me siento de nuevo a seguir comentando la jugada empezando casi, casi desde cero pero sin querer borrar lo anterior, así que lo conservo si no os importa y os cuento que... con la inmejorable compañía de mis amigos Luther 'The Quiet Man' Folks y Viktor quedamos un poco antes del show para tomar algo y engañar al estómago con unas patatas fritas pre-congeladas con el aliño de mayonesa y ketchup, para de este modo no echar de menos la rutina de cenar a una hora habitual. Pude hablar un minuto con el vocalista de Tachenko, Sergio Vinadé que hizo de 'pipa' esa noche y al que me hizo ilusión saludar desde mi condición de paisano y cliente esporádico de aquel entrañable bar que fue 'El fantasma de los ojos azules' en la capital zaragozana, y también pudimos ver al gigante Cessna departir relajadamente con un par de guiris en la puerta de la hamburgueseria de la esquina (después le abirdé a la salida del concierto con mi deleznable inglés para que me firmara la entrada, como buen freaky). Nos encontramos con Joaquim y Jovellix, y mi sonrisa, tras un charrada amigable entre los cuatro ya lucía de oreja a oreja, así que con esa sensación de predisposición entramos a la sala recién comenzado el recital (nunca mejor dicho) del genio de Decatur (Illinois). Ocasional actor (le vimos en 'Gran bola de fuego' haciendo de primo y después padre legítimo de Jerry Lee Lewis, 'Boggie nights', donde interpretaba al ex-marido de una estrella del porno bien caracterizada a su vez por la espléndida Julianne Moore, 'Road house, recibiendo maporros de Patrick Swayze, que manda narices, y en 'Vanishing point', junto a el bueno de Mortenssen, toma morbo!) y líder de imprescindible bandas como los antes mencionados X, The Flesh Eaters y The Kinitters, donde en más de treinta años de carrera ha navegado por el punk, el rock, el country, el folk y el rockabilly a partes iguales, sabiendo mezclar todo el espíritu de esos géneros en su obra en solitario.

Vino a presentar su más reciente trabajo en un año en el que se ha mostrado prolífico y rejuvenecido sacando además al mercado un estupendo álbum compartido con la genial countrysinger Jill Sobule (que si no estoy en un lamentable error visual, le acompañó esta noche en los teclados y la pedal-steel) y se subió al escenario con una magnifica banda en la que destacaba la extraordinaria Cindy Wasserman que le secundó a las voces con acierto. En un loable intento de comunicarse en nuestro idioma tras preguntar si había muchos anglosajones entre el público, se dirigió a nosotros y fue desgranando con suma potencia y elegancia a partes iguales todo su repertorio. Cayeron, que yo recuerde, "Don't forget how much i love you", radiante, con la banda gustándose, "Never enough", mi favorita de la noche, con la voz reverberada y la guitarra imponiendo su fiereza, recuperando parte de esa actitud punk ochentera que un día alumbró la oscuridad de Los Angeles (California) cuando el lideraba a los fantásticos X, pioneros de aquella escena, "Little tiger", o "Pequeño tigre", como dijo el con buen humor, una pieza suave para dar tregua y conquistar al personal, "Hadsome devil", sobria, envolvente, ese desfase rockero llamado "Jump into my arms", una joya de pies inquietos y esa preciosidad del disco con Sobule, "Darling underdog", que aún tengo grabada en la memoria como si la acabara de escuchar hace cinco minutos. Excelente.

Tras un breve receso para comentar un poco nuestras impresiones junto a la barra, rápido a buscar un buen hueco para ver a Munly Munly y Slim junto a sus secuaces (de nuevo como en su última visita, Reverend Dwight Pentacost, John Rumley, Chad Johnson y Robert Frebrache) y a partir de ahí, retiro lo dicho ayer, mil imágenes para el recuerdo. Una tras otra fueron pasando las mejores canciones de su último álbum 'Untitled', carnaza redneck estética y musical, con bailes, retos vocales a lo predicador-pecador, redención, posesión, furia, humor y nervio. Bajaron a codearse entre la plebe (impagable la cara de mi colega Viktor cuando Slim se paró a cantar delante de él con sus más de dos metros de longitud), se abrazaron, sudaron sus camisas de riguroso negro, enlazaron los temas sin dar pie a la recuperación e hicieron tronar las guitarras y los banjos como buenos oriundos de la América profunda.

En resumen, para que analizar un concierto de estos tipos si lo que cuenta en ellos es dejarse llevar, rendirse ante lo que ofrecen, a mi juicio uno de los mejores directos del momento, y olvidarse de todo para contagiarse de su mensaje irónico. Basta con no perder la oportunidad de acercarse a verles si actúan en vuestra ciudad y gozar de la fiesta a la que incitan con atrocidades lisérgicas como "The unballed ballad of the new folksinger", "Thy will be done", "Not doubt about it", "Children of the Lord", "Do you know thee enemy?", "A smashing indictment of character", cuyo comienzo sirvió para coger un pelín de aire para automáticamente después hacer corear como locos, "My last black scraft", con Munly entregado a la causa susurrando su parte, y en fin, para que alargar más esto...solo me queda decir que a pesar de que salí quejándome de que decidieran darnos solo una parte de su repertorio y dar carpetazo antes de alcanzar la hora de duración, que me faltaran temas de sus dos primeros discos (especialmente "Hold on"), que no soporto que no se incluyan bises y que además la gente trague sin rechistar...Slim Cessna's rules!!

3ER ANIVERSARIO DE MUSIC IS MY GIRLFRIEND CON RAREZAS DE WILCO

2012-01-08T14:51:00.001+01:00

EP'S, RARITIES, COVERS AND B-SIDES (2012)

Estoy de celebración, pues tal día como hoy hace tres años, comencé esta pequeña aventura de compartir mis simplonas impresiones sobre la música a través de este blog que tantos buenos momentos de entretenimiento me ha dado. En un principio mi idea era ir posteando discos para que algunos amigos de mi entorno pudieran escucharlos, y paradojas de la vida, prácticamente ninguno de ellos lo hace con asiduidad, y en cambio si que poco a poco fueron entrando gentes de otros blogs o anónimos que acabaron firmando al final de sus comentarios (algo que me encanta porque significa que pasaron un rato ameno entrando aquí y quisieron volver).

Van tres años en los que he tratado de acercar discos que me han entusiasmado a lo largo de mi vida y al final he estirado más la manta de lo que esperaba y ya he creado casi ochocientas entradas sobre unos setecientos y pico grupos, pero eso es lo de menos, pues aunque suene a tópico lo mejor ha sido toda la gente que he tenido el placer de conocer por aquí, alguno en personas otros simplemente dentro de esta pantalla de ordenador, pero no por ello menos cercanos que el resto.

De todos ellos solo puedo hablar maravillas, y aunque tal vez suene algo tontorrón, dora píldoras o gratuito, puedo decir que les tengo como un referente de las sensatez, ya que siempre que pasan por aquí es para dejar una impronta noble, llena de humildad y pasión, del mismo modo que (los que lo tienen) lo hacen en sus blogs, así que de ese modo he pensado que como considero que todas bitácoras que tengo añadidas en la barra de blogs que sigo son monumentales, en vez de hacerme un pretencioso auto-homenaje, me apetece mucho más alabarlos y citarlos en esta entrada especial, ya que sin las horas que he pasado leyéndolos, no habría tenido muchas ganas de continuar con el mío.

Desde mi impagable amiga Viola, que tuvo el dudoso honor (gran detalle para mí) de inaugurar los comentarios de 'Music Is My Girlfriend' a ese anónimo que me llamó 'apestoso' un día que critiqué a Guns 'N' Roses (nunca volvió, con lo cual creo que se quedó a gusto al menos marchándose satisfecho), en la única vez que se me ocurrió decir algo malo de alguna banda, cada presencia me ha hecho sonreír. Y es que qué habría sido de este pequeño espacio sin la mala leche mezclada con humor alpargatero de mi mejor colega desde hace ya casi veinte años, el Sr. Tremendo Folks, del que llegué a postear un disco de su, a mi juicio brillante proyecto, The Quiet Man, el gracejo de Burrino, al que sin haberlo visto en mi vida siento que es un amigo de esos que conservas de la infancia y siempre quieres saber de él, el carácter de Silencekid, del que puedo decir lo mismo que he dicho del gran burgalés, pero añadiendo además que también como él, me deja con la sensación de que podría hablar de cualquier tema con él y lo pasaría en grande, fueran electrodomésticos, cine, literatura o pistolas de agua, las memorables vivencias de Bboyz, una de las mejores personas que he conocido ni conoceré jamás, la asiduidad de Joaquim siempre sentenciado con su inmensa sabiduría, mi tocayo Carlos, que tiene el Don de dar con las palabras adecuadas para que me anime en días oscuros, el gran Victor, inmejorable compañía de conciertos y enciclopedia musical andante, con quién tuve la suerte de compartir la llegada de los astronautas de la Nasa al Primavera Sound, la maestría de Outdoor Miner, al que por desgracia (más culpa mía que suya o mejor dicho, solo mía) he perdido la pista, la cotidianeidad entusiasta y gran trato de Atticus, la pasión de Elparbo, el espíritu 'redneck' (en el buen sentido) de Quayon Hayel, oh! que gusto compartir con alguien devoción por el country oscuro, los balsámicos tutes futbolísticos que me brinda Johnny Dibud, que todo no es música para los buenos aficionados al balompié, la espontaneidad y sinceridad envidiable de JM Hulme, inmejorablemente acompañado por ese par de hermosuelas que responde a los nombres de Vanessa y Julia, la simpatía de Estanis, con todos mis respetos para los demás el mejor escritor de la blogosfera en esa lista en la que yo, sin duda, estoy el último (sois todos unos cracks y de verdad que no es alarde de modestia por mi parte), Jotamaza, con ese ente de la nostalgia noventera, bendita afinidad que tenemos, macho, los suculentos escritos de Sulo Resmes que no dejan títere con cabeza cuando hace falta sacar la mala baba ni dan tregua a una cara seria cuando destapa su magnifico sentido del humor, Jn, melómano de colorido paladar, que nunca me echa en cara que sea tan melón de pasar por su blog e irme sin decirle lo mucho que me gustan sus descubrimientos (unos cuantos te debo, tío), Marilia, que saca tiempo de debajo de las piedras entre obra y obra (una eminencia del teatro, doy fe) para pasar por aquí y comentar con suma bondad, la destreza de Lapor para hacernos cómplices de su exquisito gusto aún cuando no sabemos si el tema nos va a gustar al ver el título, pero oye! luego es empezar a leer y dejarse enredar por su impetuosa energía es un lujo, Emejota, que desde las calurosas e idílicas Islas Canarias recupera clásicos imprescindibles con magna precisión, el desenfado de Uri, que logra hacernos pensar que si dentro de la red se pudiera uno plantar una tienda de campaña y quedarse a pasar la noche sería formidable hacerlo en su 'casita cibernética', y por encima de tod@s mi querida Sra.Esmiz, a la que quiero con locura porque simplemente es lo mejor del universo en todos los sentidos y la extensión de la palabra. Sin ella esto habría estado algo muerto en los últimos tiempos, pues ha sido la principal responsable de todos los cambios y álbumes que he ido publicando (como mucho podría exceptuar media docena). Y no solo ellos, sino también Jesús, Miguel, Savoy Truffle, Midori, Mr.Self destruct, Joserrra Rodrigo, Chals...que han pasado por aquí en los últimos tiempos y que estoy convencido que no pudiendo decir mucho de ellos porque no hemos tenido tiempo de profundizar, dentro de unos meses pensaré en lo estupendo que sería echar unas cervezas con ellos. Tampoco quiero olvidarme de Lucas y Alex, que me animaron y enseñaron a crear esto, ni a los que he perdido el contacto y que espero que no fuera por nada grave que les pasara a nivel personal, tal como Anchoa, Pai, Silentway, Carre, Lars, Skar PD, Jovellix, poco importa si aparecieron solo en un comentario...solo espero no haberme olvidado de nadie y si es así que me disculpe, pues acabo de venir de jugar un partido de baloncesto con mi equipo, los Karl Malone De La Isla, y supongo que enteréis que habiendo sido mi debut, esté espeso mentalmente y pa'l arrastre físicamente.

Con esta excusa y para no alargarme más, resumo lo que de verdad ha de ser interesante en este post al margen de lo dicho, la curiosidad que he preparado para este insignificante acontecimiento. Tras mucho pensar en que hacer he descartado las alternativas (rarezas de The Decemberists, José González o un disco viejuno) para dejarme de paparruchas y apostar por un grupo que más o menos nos gusta a todos. Wilco además tenían canciones inéditas para parar un tren, así que de todas ellas he recopilado sesenta y nueve. Hay un poco de todo. Piezas en directo, versiones, temas extraídos de sus Ep's, colaboraciones, alguna que otra revisión sobre temas propios...en fin, espero que os guste y que esta aventura siga siendo tan placentera como ha venido siendo hasta ahora. Gracias!

REEF

2012-01-06T19:15:00.001+01:00

GLOW (1997)

Ya se desvanecen las últimas horas del día de reyes y por lo tanto de etapa navideña, mañana (bueno, técnicamente esto es un decir, pues la mayoría gozaremos aún del fin de semana) comenzará del todo la vuelta a la rutina y la larga espera de días de ocio consecutivos, sensación más angustiosa si cabe por la creciente amenaza de suprimir los puentes trasladando los festivos a lunes para engañarnos como a bobos con la pantomima esa de que hay que competir con el resto de Europa para luchar contra la crisis. Independientemente de esas problemáticas futuras, lo mejor es degustar las pocas horas que quedan de esta siempre idílica jornada en la que muchos habréis recibido suculentos regalos de vuestros más allegados, otros carbón y otros al igual que me ha pasado a mi de nuevo, la clásica prenda con la que la familia te recompensa, ya sea un pijama o unos gallumbos de talla pequeña para que te ofendas pensando que te tienen por un tipo de atributos reducidos (nada más lejos de la realidad en mi caso, que estoy muy contento con lo mío). Ante tal tesitura es casi imposible no echar la vista atrás y rememorar los tiempos en los que te obsequiaban con algo que no esperabas, aunque fuera un detalle mínimo comprado a ciegas, como un caso que recordaba hoy, una vieja fecha tal como esta en la que mi hermano me regaló un disco al tun-tun, adquirido en una tienda de música cualquiera, rebuscando en las novedades más vendidas dentro del entonces manido rock alternativo.

De ese modo llegó a mis manos el segundo álbum de Reef, una banda de Glastonbury (Inglaterra) de la que no había escuchado más que el sencillo de adelanto del disco y que según el tendero iban a ser el no va a más en el futuro del rock. El bueno de mi hermano Ernesto, que no tenía ni idea de esos sonidos ye-ye con los que disfrutaba tanto el 'pequeño', se lo llevó tan feliz, pues sabía que me gustaría, y el caso es que solo por ese hecho, por ver la cara de alegría con la que me lo entregó a primera hora de la mañana tal día como hoy hace ya casi quince años, lo escuché hasta la extenuación a pesar del chasco que me supuso averiguar que el famoso tema de apertura estaba años luz por encima del resto del minutaje.

Curiosidades de la vida, cada año viene a mi memoria ese episodio y me pongo 'Glow' para sonreír pensando en los buenos efectos que produce la música, que un disco te puede parecer flojo en primera instancia y ganarse tu corazón con el paso del tiempo por meros valores sentimentales o simple insistencia.

Vaya por delante que este no es en absoluto un mal disco, pero "Place your hands", era un tema tan redondo, tan soberbio que eclipsaba a los demás cortes. De ellos ya no se acuerda casi nadie, pero muchos lo harán de aquel innegable himno generacional que les situó en lo alto del panorama de la época y les permitió girar con bandas y artistas del cálibre de The Rolling Stones, Soundgarden o Paul Weller, al volver a oírlo unos segundos. Cuanto menos nos haría esbozar una amplia sonrisa nostálgica a todos los que disfrutamos como enanos en la gloriosa era de los 90's. Quizás las otras diez pistas nos despisten por su sonoridad diametralmente opuesta, mucho más lejana a ese sabor sureño emparentado con los primeros The Black Crowes, Blind Melon, los más clásicos Primal Scream, o sus propias satánicas majestades, para acercarse a ser un perfecto acompañamiento a los venerados álbumes de Pearl Jam, Terrorvision, Stone Temple Pilots, Candlebox, The Wildhearts o (con un pistón menos de carga) Rage Against The Machine, que poblaban las estanterías de gran parte de los adolescentes inconformistas del momento.

Metidos en el saco del blues-rock moderno, el indie-rock y el brit-pop, me costó de digerir tanta diferencia de estilos, pero al final acabé encontrando su encanto a canciones como "I would have left you", donde la influencia de la aclamada formación liderada por Zack De La Rocha y Tom Morello es casi descarada a pesar de fusionarse a ratos con un cierto deje grunge que podría haberse desarrollado a tiro de piedra de los profundos bosques de Seattle (Washington) si hubieran decidido cruzar el charco a la hora de grabar (incluso me atrevería a decir que es un adelanto de lo que después harían los músicos de RATM con Chris Cornell, bajo el nombre de Audioslave), "Summer's in bloom", aguerrida y potente, crujiendo la base rítmica en un destello ecléctico radiante, "Latly stomping", elementos funky, vacile seductor y riffs trotones que beben de los Red Hot Chilli Peppers melódicos que asombraron al mundo con 'Blood sugar sex magik', "Consideration", balada de envoltorio melancólico muy en la línea de lo que tan bien sabían hacer Satchel, bien rematada además por unos preciosos coros gospel, "Higher vibration", oscura, sobria, su pago al hard-rock de alma soul, más que nada porque al igual que en el primer corte, su vocalista Gary Stringer, saca a relucir todo su potencial registro, "Yer old", veloz, contundente, elástica y penetrante, ideal para desfasar imaginando como debe sonar en directo, y "Lullaby", que trata de acabar como empieza, con una buena dosis de rock sin fisuras que indique su respeto por los clásicos.

Buen disco, puede que sin más, tal vez simplemente pasable si no se tiene un aprecio por él motivado por algo especial con lo que relacionarlo, pero da igual, no puedo dejar pasar la ocasión de decir que merece la pena si queremos pasar un rato agradable que no nos permita permanecer inmóviles. Reef, que publicaron cuatro discos hasta su teórica disolución durante el primer año del siglo veintiuno (digo que no está claro ese dato porque en Agosto de este año que hemos agotado hace escasos días, actuaron en la final de la Community Shield entre los dos principales equipos de fútbol de la ciudad de Manchester, el United y el City) eran y son (se supone) Gary Stringer, Kewyn House, Jack Bessant y Dominic Greensmith.

TITO & TARANTULA

2012-01-04T13:22:00.001+01:00

TARANTISM (1997)

Vuelta a la senda tras estos días de listas y posts especiales (aunque aún faltan un par, que dentro de nada este pequeño espacio cumple tres años) y lo mejor es dejarse de pamplinas para apostar por música de guitarras seductoras, esas que también manejan estos oriundos de Los Angeles (California) para hacerlas crujir o relucir según el caso, a los que un buen día descubrieron para el gran público ese dúo incomparable de cineastas que forman Robert Rodríguez y Quentin Tarantino. Lo hicieron como muchos recordaréis para la banda sonora de la película 'Abierto hasta el amanecer' ('Dusk till dawn' en su versión original) en la que se les guardó un papel interpretando a la banda que tocaba en el prostíbulo donde se desarrolla el grueso de dicha historia cinematográfica. Su irrupción en el panorama musical bajo el amparo de esa gran producción fue fundamental, obviamente, ya que de ese modo se aseguraron sonar para millones de personas aunque fuera dentro de una pantalla ubicada en una sala cualquiera al compás de las palomitas de maíz y el ruido de las pajillas con las que sorben los refrescos gigantes los espectadores. Curiosos comienzos, pero solo de la parte que el gran público conoce, porque antes de ese boom espectacular que sufrió su magna apuesta por el blues-rock de tintes latinos hubo mucho más...

Tito Larriva, indiscutible alma mater de esta aventura es un tipo con mucha tela que cortar y con un recorrido cautivador. Se trasladó con su familia de su Ciudad Juárez (Mexico) natal a Fairbanks (Alaska), para poco después buscar paisajes más cálidos mudándose a El Paso (Texas), donde estudió violín y flauta e hizo sus primeros pinitos dentro de una orquesta local. Al cabo de unos años fue a estudiar a la prestigiosa universidad de Yale en New Haven (Connecticut) y definitivamente se afincó al acabar de cursar estudios en la ciudad considerada la meca del celuloide para formar The Plugz, un trío punk-rock con influencias de Flesh-Eaters y The Impalas, que cosechó cierta reputación en los circuitos musicales de la ciudad. Un par de discos de buena acogida y al disolver el grupo, pasó a fundar The Cruzados, otra buena banda del género con la que dio a luz tres álbumes de estudio llamando la atención del antes mentado Robert Rodriguez que les encargó la banda sonora de su ópera prima 'Mariachi' (al final todo quedó en agua de borrajas y al cabo de los años el grupo aportó dos temas en un homenaje a la trilogía de dicho título, en un recopilatorio llamado 'Mexico and mariachis). Tras todo ese devenir, unos años inactivo dedicando su tiempo a otras cosas y ya a mediados de los 90's nace Tito & Tarantula.

De ahí al estrellato en cuatro días, de nuevo con la ayuda de un entonces recién consagrado Rodriguez, que esta vez sí, cuenta con ellos para incluir varias piezas en 'Desperado'. Cuando su nombre estaba en boca de medio planeta (relativamente, claro. Es solo una manera de hablar) sin tiempo para respirar el otro medio se percata de su existencia viéndoles defender esas gloriosas canciones en la famosa escena del erótico baile de Salma Hayek y la pelea final con Harvey Keitel y George Clooney de protagonistas, en la reputada cinta que os comentaba al inicio de esta entrada.

Habrá quién piense que estos tipos tuvieron la suerte de cara, que al igual que en su día pensamos que a tal o cual banda se le apareció la virgen en forma de anuncio televisivo y se comió el mundo gracias a ello, a estos les pasó exactamente lo mismo y quizás no sean para tanto, pero lo cierto es que el paso del tiempo ha confirmado que pensar eso es un completo error, pues hay mucho oficio detrás y muchos años de carretera y local de ensayo, pero es que además, al margen de esos tópicos tan manidos que se utilizan para defender algo que te gusta, he de decir que la propuesta de Tito & Tarantula es francamente buena. Estimula, atrae los sentidos, se manifiesta accesible y robusto según la situación y ante todo resulta ecléctica, nada cerrada, respetando su raíz bluesera pero abriendo brechas en distintas direcciones estilísticas.

Cinco trabajos a cual mejor avalan su impecable trayectoria tan firme y sobrada de calidad que hace olvidar el como empezó todo, pero no obstante me apetece reivindicar aquel debut que contenía las pistas que les dieron el espaldarazo propicio para poner su nombre esculpido en letras grandes dentro de la historia del rock más reciente. 'Tarantism', nombre muy relacionado con la temática del álbum, es su lanzamiento cumbre y aquí encontramos varios temas de los que se incluyeron en ambas películas como por ejemplo la sublime "After dark", elegante, sensual y atmosférica, una maravilla que para mí representa su mejor composición, arrastrando la nota y la melodía, un tema viejo que en su día creó Larriva para sus The Cruzados y que todos recordaremos por ser el hilo musical de la danza de la por aquel entonces venerada actriz mexicana, "Smiling Karen", que le da un cambio de tono para retozar en guitarras punzantes de onda hard-rockera como un cerdo lo hace en su cochiquera, potencia a raudales y un estribillo aguerrido que les dirige a otros lugares donde la fuerza tiene su legado a base de solos poderosos, "Slippin' & slidin'", furiosa y profunda en su ejecución, recordando por momentos a Bachman Truner Overdrive o incluso a los primeros AC/DC con Bon Scott al frente, "Strange face", algo más mística, con esa entrada de bajo carnoso y esas guitarras de puro sabor bluesero, "Angry cockroaches", sin ningún género de dudas su tema más emblemática en lo que se refiere a la parroquia rockera, un boggie boggie trepidante y abrasivo con un texto tan simple como efectivo cantado en castellano, "Back to the house", vuelta al reposo con un corte excelso en virtuosismo que bien podrían haber firmado los geniales The Blasters o incluso ZZ Top con Gary Moore a las seis cuerdas y el vocalista de The Commitments al frente, "Jupiter", otro arrebato eléctrico de chispeante ritmo y proceso accesible, más encaminado al rock convencional moderno que a cualquier otro referente de antaño, con el añadido de una mandolina que le da hasta un cierto punto folkie (pero en la línea de lo que hacían R.E.M.), y aquí lo dejo porque al final voy a comentar el disco íntegro. Solo decir que el resto mantiene el nivel con creces.

Una estupenda colección de canciones que grabaron Tito Larriva, Peter Atanasoff, Nick Vincent, Lynn Bertles y Jennifer Condos, con la ayuda de gente tan dotada como Charlie Quintana (batería de Social Distorsion y ex-compañero de Larriva en The Cruzados), Tony Marsico (también en The Cruzados), el propio director Robert Rodríguez, Waddy Wachtel (incansable músico de estudio que ha prestado sus servicios a largo plazo a gente como Keith Richards, Warren Zevon, Stevie Nicks, Linda Rondstadt o James Taylor entre otros muchos), el premiado cantautor, productor y letrista Charlie Midnight, Mark Goldenberg, Debra Dobkin, Carlos Quiaco, Adrian Esparza y Mike Thompson.

CINCUENTA GRANDES DISCOS INTERNACIONALES DEL 2011

2011-12-31T13:07:00.001+01:00

Es curioso, pero tenía unas ganas enormes de publicar esta entrada. Mi conexión desde ayer es infame, se supone que me la han restablecido con normalidad a primera hora, aunque llevo un rato que falla más que una escopeta de ferias, pero me alegra poder dejar una larga lista de recomendaciones que he decidido agrandar más de lo que lo he hecho otros años a causa de que he tenido una temporada bastante prolífica en cuanto a novedades y que sin embargo no he dedicado apenas nada de espacio a ellas en esta humilde bitácora. De este modo me quito la espina compartiendo con todos vosotros los nombres de los discos que me me han entusiasmado y robado el alma en este, a mi modo de ver las cosas, sobresaliente 2011.

Un ejercicio repleto de buenos trabajos discográficos de distintos estilos, con la presencia de los más reputados artistas y formaciones que han cumplido a un nivel que no desmerece a sus anteriores obras más aclamadas. Grupos noveles que han sorprendido a propios y extraños por su frescura, combos que no han traspasado la barrera de la discreción incomprensiblemente, puede que porque no haya lugar para todos en el podio del reconocimiento, genios que con su último asalto han dejado claro que su evolución y crecimiento compositivo no tiene límites y también, porque no decirlo, alguna decepción con la que por una vez me voy a tirar de cabeza a la piscina citándola, pues bajo mi siempre criticable punto de vista, The Strokes, Okkervil River, My Morning Jacket, Coldplay, Glasvegas, Radiohead, Björk, Tv On The Radio o Kaiser Chiefs, por citar solo unos pocos ejemplos (tampoco es cuestión de que vaya yo ahora de experto sin tener ni pajolera idea de nada), lejos de reinventarse, se han quedado a medias, en el sentido de que no han conseguido hacer de sus discos algo redondo.

Y bueno, como esta vez no quiero escribir un post mastodóntico que de pereza leer, solo deciros que finalmente son cincuenta por la sencilla razón de que ha sido una cosecha estupenda, que me parece un número redondo y muy bonito y que si tengo que decir cuales han sido mis favoritos tendré remordimiento de conciencia a los dos días, pero que en comentarios ya os diré más o menos mis cinco predilectos que han rayado a la misma altura a la hora de complacer a este pobre tontorrón que os está dando la murga. Los he puesto por orden alfabético para no perder las buenas costumbres de respeto por unos músicos que me han regalado horas y horas de placer auditivo durante este curso. La lista se queda en algo menos de los cincuenta anunciados porque añado aquí los restantes por haber protagonizado ya entradas a lo largo del año y por lo tanto haber hablado sobre esos discos con antelación. Esos han sido los últimos plásticos de Elbow, Bonnie 'Prince' Billy, The Dodos, Fleet Foxes y Slim Cessna's Auto Club. Total cuarenta y cinco serán los que veréis ahí abajo a los que sumar estos cinco para redondear.

No obstante aunque insisto en que no quiero mojarme a la hora de decir cual ha sido mi álbum preferido, las mismas manos inocentes que eligieron el que publiqué ayer, casualidades de la vida, han escogido el que probablemente lo sea contra todo pronóstico, o al menos si cabe, el que más me anima comentar en individual de una forma resumida, pues he visto que ha pasado totalmente desapercibido y es una delicia absoluta. El sexteto de Reykjavik (Islandia) Of Monster And Men, ha debutado con un monumental debut de indie-folk honesto y optimista a medio camino de Arcade Fire, Fanfarlo y Edward Sharpe & The Magnetic Zeros. No puedo decir que sea lo mejor de lo mejor de estos trescientos sesenta y cinco días, pero si puedo decir que es el que más ganas tengo de compartir y no solo por el valor sentimental de venir de donde viene.
No os lo perdáis, es una maravilla de esas que llevas todo el día en la cabeza si te apetece sonreír sin más compañía que la brisa musical que acaricia cuerpo y alma.

Mis más profundos agradecimientos a todos los que me habéis descubierto alguno de estos discos y a los que me los habéis pasado personalmente, y en especial a ti peque, que más de la mitad de lo que hay aquí proviene de tu buen ojo a la hora de acertar mi gusto :)
En fin, sin más preámbulos aquí dejo mis caprichos anuales plasmados y el enlace a ese precioso 'My head is and animal'. Que tengáis tod@s una fulgurante entrada de año!!

A CLASSIC EDUCATION:Call it blazing
ALEXANDER:Alexander
AMOS LEE:Mission bell
BEIRUT:The rip tide
BEN OTTEWELL:Shapes & shadows
BISON:Quill
BOBBY LONG:A winter tale
BOMBAY BICYCLE CLUB:A different kind of fix
BON IVER:Bon iver
BRIGHT EYES:The people's key
CASCADEUR:The human octopus
CENTRO-MATIC:Candidate waltz
DEER TICK:Divine providence
DESTROYER:Kaputt
DEVOTCHKA:100 lovers
DREAMERS OF THE GHETTO:Enemy-lover
ELEANOR FRIEDBERGER:Last summer
ELLIOT BROOD:Days into years
EXPLOSIONS IN THE SKY:Take care, take care, take care
FEIST:Metals
FOSTER THE PEOPLE:Torches
FRISKA VILJOR:The beginning of the beggining of the end
IRON AND WINE:Kiss each other reach
J MASCIS:Several shades of why
JASON ISBELL & THE 400 UNIT:Here we rest
LOW:C'mon
MOGWAI:Hardcore will never die, but you will
O' DEATH:Outside
OF MONSTER AND MEN:My head is an animal
OLD CALF:Borrow a horse
OTHER LIVES:Tamer animals
PJ HARVEY:Let England shake
SMITH WESTERNS:Dye it blonde
THE BLACK KEYS:El camino
THE DECEMBERISTS:Long live the king
THE DRUMS:Portamento
THE HEAD AND THE HEART:The head and heart
THE MIDDLE EAST:I want that you are, always happy
THE PAINS OF BEING PURE AT HEART:Belong
THURSTON MOORE:Demolished thoughts
WE ARE AUGUSTINES:Rise ye sunken ships
WILCO:The whole love
WU LYF:Go tell fire to the mountain
YUCK:Yuck
YUKSEK:Living on the edge of time

QUINCE GRANDES DISCOS NACIONALES DEL 2011

2011-12-30T13:58:00.001+01:00

Llegados los dos últimos días del año, sigo la entretenida costumbre de hacer un par de pequeñas listas con lo que más destacaría de la temporada tanto nacional como internacional, como ya hice en los dos ejercicios anteriores. Como sabéis algunos, siempre me gusta esperar a estas dos últimas fechas del calendario porque así da tiempo de abarcar todo lo posible en escuchas. Hoy como es habitual, quiero poner la de los álbumes estatales, pues la lista no es muy extensa debido a que desde hace un tiempo consumo mucha más música extranjera, no por nada en especial, solo que quizás hay más material y se tiene un acceso menos complicado a él, así que con esas condiciones, la retahíla de mañana será muy amplia a diferencia de esta.

He de aclarar que en realidad veréis catorce en vez de los quince que anuncio en el título, pero cuento también el último trabajo de Christina Rosenvinge 'La joven Dolores', que no incluyo en el listado de abajo porque ya publiqué una entrada a razón del concierto que ofreció en mi querida ciudad de L'Hospitalet de Llobregat. No he dedicado muchos posts a nuevos trabajos ni de aquí ni de fuera por las razones que ya he comentado algunas veces respecto a las novedades.

Decir también que todos los que aparecen son grupos de mi agrado, que sus labores me han acompañado a lo largo de estos días y que una vez más no voy a poner orden porque considero injusto hasta para uno mismo el hacerlo. El motivo no es otro que el hecho de que no sé puede valorar algo por encima de otra cosa, que cada cual en su estilo convence y sienta bien y que evidentemente todos tenemos nuestro gusto y todo el derecho del mundo a expresarlo, pero a mí no me gusta hacer eso, pues la opinión suele variar y es mejor halagar todo por igual, en su justa medida.

A excepción de lo que he hecho en otros cursos voy a hacer un pequeño comentario de cada cual en esta misma línea antes de poner la selección y sin perder la tradición, dejaré uno de los discos elegido por unas 'manos inocentes' (mis más, queridas y sabias por cierto) al final del escrito.
La mallorquina con sangre andaluza y macedonia, Maika Makovski y su genial 'Desaparecer', son a petición expresa, los protagonistas del enlace. Lo nuevo de esta mujer de armas tomar, vuelve a dar un paso más en su convincente concepción del rock con carácter y suavidad a partes iguales, despojándose de la losa de la comparación anglosajona odiosa con Feist o PJ Harvey para sonar personal como nunca y ofrecer temas tan golosos como "Only innocence is capable of pure evil" o profundizar en el trip-hop o incluso en Tom Waits con "We're alive" o "Body". Amén de esta heroína, mis razones con los demás son simples y básicas, fáciles de resumir con pocas palabras...Remate por dar a luz una joya que me apasiona especialmente por "Lo que tiene de romántico", por ser un tipo noble y regalarnos canciones hechas con el alma, y por lograr un sonido genuino que no sé si será "Típico de California", pero sabe a gloria de raíz americana desde el corazón de la península, los debuts de Odio París, Reina Republicana y Disco Las Palmeras! por conseguir transmitir experiencia de puros veteranos, Nacho Vegas, Sr.Chinarro, Fernando Alfaro, Maga y El Columpio Asesino por la increíble virtud de superarse con los años, Nudozurdo, Copiloto y Bigott por ser desde ya unos nuevos clásicos patrios, y Nacho Umbert por saber encoger el corazón con sus historias cotidianas. Me dejaré algunos, seguro que si, y estos próximos días me sabrá mal haberme olvidado por hacer el registro corto, pero como se dice popularmente 'no están todos los que son, pero si son todos los que están'. Todos altamente recomendables. Sin más preámbulos ahí va mi humilde equipo de cracks por orden alfabético...

BIGOTT:The orinal soundtrack
COPILOTO:El inicio, el desencanto y el círculo de confianza
DISCO LAS PALMERAS!:Nihil obstal
EL COLUMPIO ASESINO:Diamantes
FERNANDO ALFARO:La vida es extraña y rara
MAGA:Satie contra Godzilla
MAIKA MAKOVSKI:Desaparecer
NACHO UMBERT & LA COMPAÑÍA:No os creáis ni la mitad
NACHO VEGAS:La zona sucia
NUDOZURDO:Tara motor hembra
ODIO PARÍS:Odio parís
REINA REPUBLICANA:Reina republicana
REMATE:Superluv
SR. CHINARRO:Presidente

EXCLUSIVA POR ESTAS FECHAS TAN SEÑALADAS: ADELANTO DEL DISCO DE DESPEDIDA DE RADIOHEAD, SU BANDA SONORA PARA LA NUEVA COMEDIA DE LARS VON TRIER

2011-12-28T12:16:00.001+01:00

(FREE BALLET TWO TWO) ST.VITUS DANCE (2012)

Era de prever después de las críticas al que fue último lanzamiento de la banda de Abingdon (Inglaterra), 'King of limbs', la disolución como banda del famoso quinteto, pero nadie esperaba esta unión con el ilustre cineasta danés y menos en esta curiosa colaboración. El rey del drama se ha pasado a la comedia y en vistas del sambenito de serios que tanto él como Radiohead han llevado a cuestas durante toda su carrera, les propuso un proyecto sin igual al coincidir con ellos en un concurso de chistes celebrado en Norkkopping (Suecia), país que como todos sabéis es la cuna de la alegría y el humor. Que mejor escenario que ese para que al bueno de Lars se le encendiera la bombilla en un momento en el que corría el whisky como el agua y Thom estaba subido sobre la mesa zapateando en una autoparodia de si mismo tras aceptar la petición del director de que representara su baile espasmódico del videoclip "Lotus flower". En ese preciso instante miró a la banda y los imaginó como unos idóneos actores ocasionales para para protagonizar ya no solo la banda sonora de su próximo film, sino para protagonizarla. Así pues dijo en voz alta...' a ver cachondos, dejad de empinar el codo y tocarle el culete a la camarera, dejad de lanzaros la comida y hacer gárgaras con el alpiste, y tú en particular Phil, deja de hacerte trenzas en el pelo', se hizo el silencio, pues se conoce que Lars Von Trier es un hombre que si hace falta le pide una cita a la muerte, la pasa a buscar a casa con retraso, la lleva al baile, la emborracha, se aprovecha de sus virtudes físicas, al acabar la faena se marcha con la excusa de ir a por tabaco, no vuelve y no la llama nunca más, y de repente dijo 'sois los elegidos para llevar al limbo 'St.Vitus' mi próxima obra maestra. Cuatro copichuelas más y aquello estaba firmado y visto para sentencia.

Hoy puedo decir que tengo la primicia de la filtración de ese disco, pues me lo ha pasado mi buen amigo Eidur, un muchacho de Reykjavik que conozco de mis años mozos en Islandia pescando salmones y tomando el sol en playas nudistas (pero frecuentadas solo por mujeres eh! que conste) que se da la curiosidad que tuvo un affaire con Björk antes de que le creciera la barba (a él) y ésta se lo paso a modo de venganza por los malos ratos que pasó bajo la dirección de Von Trier en el rodaje de 'Dancer in the dark', para que lo colgara algún conocido suyo en la red y la gente lo pirateé siendo un fracaso de ventas.

Mucho se habló en ese cita entre la banda y la estrella cinematógrafica, con la tristeza de que el grupo había decidido días antes retirarse ante la ausencia de beneficio económico en sus conciertos (normal con los precios tan bajos que ponen, ni les da para comer) y la decepción de sus seguidores ante su cambio de rumbo que les ha dado la espalda por completo, corriendo como alma que lleva el diablo al centro comercial mas cercano para comprarse el nuevo disco acústico de David Bisbal, ávidos de riesgo y experimentación (como arriesga el almeriense, que osado!). Del mismo modo que Thom Yorke, que está desquiciado de la música y quiere probar en el cine, confirmó que quería ser chica Almodóvar, Phil Selway ha declarado su intención de presentarse a los castings para ser chica Bond en cuanto consiga reunir dinero para la depilación láser y logre encajar una peluca a medida en su considerable melondro, los hermanos Greenwood han anunciado ya en su twitter común que quieren dedicarse a su verdadera vocación, el humor inteligente emulando a sus admirados 'Los Morancos' (no miréis con esa cara, recordar que es lógico que les conozcan sabiendo la clase del dúo andaluz y que toda la descendencia de los Greenwood, como bien indica su nombre genuinamente hispano, proviene de la pequeña localidad de Guarromán, en la provincia de Huelva) y Ed O'Brien quiere trabajar en algo rutinario alejado de los focos como bien puede ser la fábrica de patitos de goma para ducha en la que su padre ejerce de oficial de primera.

Pero eso no es lo que nos ocupa, me vuelvo a ir por los cerros de Úbeda como siempre, y se me olvida hablar sobre el repertorio de esta banda sonora que pondrá sonido a una película que trata las torpes aventuras de un grupo de bailarines travestidos que comparten piso en el Soho de New York, en un claro homenaje a los ídolos del percusor del movimiento Dogma, como son los hermanos Farrelly (conocidos por películas como 'Dos tontos muy tontos' y 'Vaya par de idiotas'), Ben Stiller y Adam Sandler en su faceta como directores, Kevin Smith (el hombre tras la cámara en 'Jay y Bob el silencioso contraatacan de nuevo) y, como no, Russ Meyer. Como dato sorpresa en lo que respecta al metraje y más concretamente al elenco del largometraje, decir que el actor español Andrés Pajares hace un breve cameo interpretando al beodo rector de la universidad en la que estudian los protagonistas de la historia (papel que clava sin despeinarse).

Sin más dilación os invito a escuchar la gloriosa banda sonora que da un giro al estilo del grupo (se rumorea que en la rueda de prensa que darán para hacer oficial su retirada y puesta en circulación del álbum de despedida, confesarán que nunca les gustó la electrónica ni el rock, que lo suyo era el cha cha cha, la polka standard y el pop racial romanticón de Milli Vanilli) para decantarse por múltiples géneros a cual más accesible e inquieto, pues prima la música de baile de bodas y comuniones sobremanera. Sin más dejaros atrapar por la magia y el optimismo ranchero de temas como "Go to be kidding joke has left me this year", "I'm losing powers", "Before it was more funny", "That there is no God who I believe but I do not intend", "Look i am stupid", "That well me happened it only", At least the cover will make you grace", "Me river the Janeiro" y un corte cantado íntegramente en danés "Har en sjov dag, uskyldige". Un discazo! a disfrutarlo con salud.

En fin...ya sé que sois muy vivos y bla, bla ,bla, pero la verdad es que esta vez no he estado muy inspirado, jeje. Evidentemente como imagináis, esta payasada de post ha sido en homenaje al 'Día de los Inocentes'. No había rumiado muy bien que hacer y al final me he decantado por hacer la bromita sobre uno de los grupos más emblemáticos de la actualidad como son Radiohead. Sería algo francamente marciano verles actuar en una película de humor, ellos que son la antítesis de la alegría de la huerta y más que esa historia la dirigiera Lars Von Trier, el tipo más seco, polémico y rudo de la historia del cine (quizás), pero vamos, aún con todo habría muchos detractores de ambos que aplaudirían el cambio ni que fuera por ver el podrido artefacto que saldría de ahí.
Me da pena ver como este día se va ninguneando poco a poco y por eso me gusta celebrarlo con pequeñas tonterías como esta u otras más canallas y despreciables como las que les ha tocado aguantar hoy a mi familía y amigos más allegados (mejor ni os las cuento). No sé si hay muchos blogs musicales que hagan estas cosas, pero que queréis que os diga, yo soy un freak absoluto :D
He borrado ya el enlace, que en esta ocasión escondía un 'greatest hits' de las bandas sonoras de las películas que protagonizaron los actores italianos Bud Spencer y Terence Hill en los años 80's.
El año que viene trataré de hacerla más cómica que hoy me ha faltado chispa, pues ya que no se lo va a creer nadie, astustos sinvergüenzas, pues al menos que podamos echarnos unas risotadas con mi inventiva alpargatera. Para quién quiera recordar alguna más de mis sandeces en dicho día publicadas en anteriores años, dejo los enlaces, que así me puedo resarcir (son algo más graciosas cuanto menos).
Que pena que acabe este día...mmm, como quedan aún diez minutos voy a leer las bromas de los diarios, sobretodo esa que mostraba el sueldo del Rey Juan Carlos...uy no! eso era verdad!!!
Abrazos inocentes para tod@s y disculpad mi divertimento de hoy :P

http://musicismygirl.blogspot.com/2010/12/ver-para-creer-wilco-publican-ep-con.html

http://musicismygirl.blogspot.com/2009/12/primicia-mundial-pixies-vuelven.html

THE SHINS

2011-12-25T16:17:00.001+01:00

CHUTES TOO NARROW (2003)

Me voy a tomar la licencia de darme un capricho en forma de auto-homenaje porque hoy es mi cumpleaños, y lo voy a hacer obsequiándome con uno de mis discos favoritos interpretado por la que es desde hace ya algo más de una década mi banda favorita de todas cuantas he escuchado. Ya que no he recibido ningún regalo de los que se suele hacer uno mismo como solía en años anteriores cuando me acercaba a alguna tienda a comprar alguna prenda molona o algún disco, peli, libro, videojuego o similar cosa meramente ociosa, pues me hago sonreír a mí mismo escribiendo sobre este entrañable 'Chutes too narrow', que supuso el segundo asalto en la discografía del bravo grupo de Albuquerque (New Mexico), y es que quizás muchos os preguntáis que como me puede gustar tanto un grupo que no inventó la sopa de ajo, que posiblemente no tiene nada de especial, pero para mí representan todo lo que me gusta ver en las personas y no solo me atraen por su faceta musical que aún con todo es lo principal, pero ambas cosas van unidas con ellos, ya que adoro su sonido, sus melodías, la voz de su cantante, su base rítmica, sus letras, su imagen, su sentido del humor y su coherente evolución estilística, y todo ello tiene sentido en ambas variantes, tanto la artística como la humana. Si acaso solo hay dos cosas que les reprocharía, el hecho de que tarden tanto en publicar nuevo álbum (aunque en principio se supone que la espera acabará pronto, concretamente en el próximo mes de Marzo) y que en mucho tiempo no hayan pisado mi ciudad para que yo pueda darme el gustazo de verles actuar (señores Reyes Magos o Papá Noeles de la contratación musical, escuchen mis ruegos y suplicas por favor!!).

Para este humilde servidor vuestro The Shins no tiene ni una sola canción prescindible e incluso puedo ir más allá en mis palabras y decir que cada pieza de su carrera me lleva a un estado indescriptible, me cala igual de hondo y me es imposible definir con exactitud el tipo de emociones que me causa. Sus tres discos de estudio son una celebración, un canto a la vida, a la esperanza y los sueños, sobrepasan la losa de la etiqueta y brindan un gigantesco halo de colorido a una atmósfera vital que convierte su presencia en algo vital para que al menos este pobre desgraciado que escribe adore la existencia de todo lo bueno que trae la vida, olvidando el lado negativo de un mundo que si estuviera gobernado por la misma esencia que desprenden su composiciones sería idílico.

Mil veces habré tarareado con mi inglés semi-inventado de acento aragonés, cada una de las diez canciones que lustran el que fue su segundo largo tras el magistral 'Oh! inverted world', disco con el que por cierto, comencé esta andadura cibernética hace poco menos de tres años. Belleza acústica, griterío pasional de espíritu adolescente, electricidad con conocimiento y control, armonías veraniegas brianwilsonianas y mucha, mucha jovialidad en un álbum fundamental que recomendaría hasta la saciedad de no ser porque me sentiría un pelmazo al dejarme llevar por la insistencia que da la poca objetividad de los discos idolatrados.

Esta joya que hoy roza las cuatrocientas mil copias vendidas en todo el mundo, dato irrefutable para valorar la fama creciente del cuarteto, contiene piezas tan bonitas como "Kissing the lipless", donde se veía que iban a dar el gran salto en atrevimiento, pues dejaban atrás su timidez y clamaban al cielo, aprovechando la potencia pulmonar para gritar ese estribillo portentoso mientras todo entraban en ebullición con esa guitarra radiante que irrumpía como maestra de ceremonias en sus primeros golpes instrumentales para abrir el telón y empezar la función, "Mine's not a high horse", una algarabía de alma alt-country que se apoya en pequeños recovecos de nostalgia sensitiva, jugando con la metáfora y el doble sentido en su texto, y es que son tan magnificas las historias que narran estos muchachos con su alma bucólica y su identidad campechana intacta en lo cotidiano, reflejo de humildad innata, "So says i", ese tributo a los The Beach Boys y a los Neutral Milk Hotel que irradia alborozo con toques de pop coqueto identificable con la década de los 60's, "Young pilgrims", encantadora pieza de sencillez extrema con un cambio de ritmo estupendo que hace fluir aquello del 'menos es más', pues de tan sutil que es dicho giro ni nos percatamos de él, permaneciendo inmunes al devenir externo en esos minutos que dura la magia, "Saint Simon", divertida y barroca, ideal para cerrar los ojos y notar cada mundo interior que poseemos en un alegre canto en falsete al tiempo que la disfrutamos de fondo, tan bonita que es impensable que se les pueda ningunear, "Fighting in a sack", la bailable del lote, saltarina y vertiginosa, canalizadora de su lado festivo, añadiendo una harmónica que le da un cierto gusto folk-rock y unos coros que en un principio parece que vayan en dirección al homenaje del ilustre "Mr.Sandman", la tristeza angustiosa y sumamente bella de "Pink bullets", cuya versión en videoclip enternece en demasía, pues esas adorables protagonistas vacunas te hacen querer volver a ser un niño para recuperar la bondad perdida, pero es que además de ser una pista hermosa por su profunda desnudez tiene una letra abrumadora que casi provoca el derramamiento de lágrimas de empatía, es más, sino fuera porque he dicho que me es imposible elegir canción preferida de la banda, diría que esta lo es sin duda, "Turn a square", el porque de su admiración a T-Rex y el rock pegadizo de los 70's en general, muy afín al estilo, pero también a la psicodelia o el power-pop con los geniales Beulah en el horizonte, "Gone for good", seguro la que más veces he escuchado del minutaje, pues en tiempos la tocaba en los teclados y hacía coros en un grupo musical que tuve con mi buen amigo The Quiet Man (que tiempos, que bueno es él, que horrible yo, a la hora de mostrar una inquietud artística), con quién tengo la suerte de compartir veneración por The Shins, y vive Dios que disfrutaba como un enano cantándola en el local de ensayo aunque al resto de la banda ni fu ni fa (ignorantes de la vida!) y "Those to come", esa hipnótica pieza que despide con un repetitivo acorde y un teclado que sirve de fiel compañero en virtud de conseguir un aroma embriagador y de paso hacernos fantasear con esa chica que pronto podrá oírte susurrar en su oído eso de '...a kiss in your molten eyes'.

Mis queridísimos e idolatrados The Shins que recientemente han incorporado nuevos miembros en la reconversión de su plantilla, destacando sobretodo el 'fichaje' del gran cantautor Richard Swift, eran entonces James Mercer (único miembro original que habrá en su nuevo plástico y al que también podemos reconocer como mitad de Broken Bells), Jesse Sandoval, Martin Crandall y Dave Hernández, contando con la colaboración en la elaboración de este álbum con la violinista Annemarie Ruljancich. Como dato curioso añadir que la edición japonesa de 'Chutes too narrow' incluye un tema extra llamado "Mild child", que podréis encontrar dentro de la selección de temas inéditos del grupo que publiqué con motivo del primer aniversario de 'Music is my
Girlfriend'.

SUFJAN STEVENS

2011-12-24T15:35:00.001+01:00

DING! DONG! (2003)

Ha llegado el día de Nochebuena y como he venido haciendo desde que tengo el blog en esta misma fecha, traigo un Ep de villancicos más de los que editó en su día el bueno de Sufjan Stevens. Me gusta seguir esta tradición y pensar que quizás logre acabar algún día esta serie (aunque hoy me he enterado que no son solo los cinco que publicó en una caja con con todos recopilados tras ver la luz el quinto, si no que ya lleva diez en total!!), pues será sinónimo de que esta humilde bitácora habrá tenido una larga vida. De momento van tres, que no es poco, y a escasas dos semanas de que 'Music is my girlfriend' cumpla un trienio me alegra poder hacerlo una vez más.

El de Detroit (Michigan) volvió en este caso ha juntar unos cuantos temas populares de temática navideña y los llevó a su ideario folk de tintes barrocos con mucho encanto. Unas canciones que sirven para adornar este día tan celebrado y que contentará a quién guste de que algunos artistas reputados editen unos cortes extras a modo de capricho sentimental, como es el caso, del mismo modo que agradará a quién simplemente disfrute con la buena música sin prejuicios letrísticos o conceptuales, pero si sois de los que estas cosas ni fu ni fa, tampoco le hagáis ascos, pues lo cierto es que es muy grata la escucha de estas ocho pistas y más si os deleitáis con la voz y la calidad compositiva de este pedazo de artista que nos robó el corazón a todos los que tuvimos la suerte de verle este año en el Auditori del Fórum de Barcelona dentro del cartel del festival Primavera Sound.

'Ding! dong!' (nombre apropiado donde los haya) se abre con "O come, o come Emmanuel", texto original de John Mason Neale y Henry Sloane Coffin, que la escribieron a mitad del siglo XIV, y que Sufjan transforma en una preciosidad casi instrumental de hondo calado, un grito a la nostalgia en el que irrumpen unas voces celestiales a mitad mientras se va evaporando para que impacte "Come on! let's boogey to the elf dance!", de fulgurante inicio con entrada en castellano digitalizado (en plan 'pitufos'), con un simpático 'uno, dos , tres, cuatro', en la que para mí es quizás la mejor de todas las canciones que aparecen no solo en este Ep, si no en los cuatro restantes, dotada de entusiasmo, un piano trotón y un deje Daniel Johnston muy inocentón que resulta la mar de afable, "We three nights", encantadora, minimal, heredera de la mejor tradición americana, con el banjo y las flautas dando color respetable a su creador, el Reverendo John Henry Hopkins Jr. haciéndola himno episcopal en 1857, un villancico que han versioneado casi un centenar de bandas entre los que están The Beach Boys, Patti Smith, Ella Fitzgerald, Blondie, Tori Amos o The Bareneked Ladies por citar algunos, "Oh holy night", tal vez la más conocida revisión del lote, surgida de la mente de Adolph Adam en 1847 sobre un poema francés llamado 'Minuit, chrétiens', escrito por Placide Cappeau, y que contiene los momentos corales más bonitos del álbum, y tres sensacionales pistas propias como son "Did i make you cry on christmas? (well, you deserved it!)", recuperando la cara pop-folk de 'Seven swans' y haciendo dueto con nada más y nada menos que su amiga Sarha Worden, voz de My Brightest Diamond, que casi consigue eclipsar el ambiente, repitiendo además en la no menos estupenda "All the king's horns", dulce como la miel, repleta de detalles sonoros y que sigue la estela de la breve introducción instrumental de título homónimo, a medio camino de lo psicodélico y a otro medio de lo medieval "Ding! dong!", y de nuevo para despedir, una canción popular, en este caso "The friendly beasts", anónima del siglo XII, en su día abordada también por el gran Johnny Cash y que en manos de nuestro protagonista de hoy y sus acompañantes de lujo, entra como un dulce de leche en día de bonanza.

A mi me encanta, y solo puedo desear que os hagas sentir lo mismo a vosotros. Que paséis todos una muy buena noche y una feliz Navidad en general, que Papá Noel o Santa Klaus (según sea el vuestro) os inunde de buenos regalos y que aunque solo sea por esta noche, dejéis los malos ratos a un lado para disfrutar de ese entorno que seguro os adora. Un abrazo a todos y a disfrutar de esta maravilla realizada por Sufjan Stevens con la participación de ilustres como la antes citada Sarha Worden, el excelente cantautor Denison Witmer (una joya su labor en solitario), Colin Stevens, Laura Myers, el matrimonio compuesto por Vito y Monique Aiuto de los interesantísimos Welcome Wagon.

THE STRUGGLERS

2011-12-22T16:49:00.002+01:00

THE LATEST RIGHTS (2008)

Damas y caballeros, no dejéis pasar la escucha de este disco si no lo conocéis ya, porque es sencillamente magnifico. Siento ser tan explícito pero es que es una maravilla. Pensar en Jason Molina y sus Songs:Ohia, en Eddie Vedder en solitario, en Bill Callahan cantando en su faceta más accesible al frente de su etapa como (smog), en Will Oldham cuando se pone íntimo y cercano e incluso recordar lo bueno mostrado por nuestros L.A. desde su aclamado 'Heavenly hell' y tendréis una idea clara de como suena este formidable 'The latest rights', un álbum que solo hace que acrecentar la calidad de lo ofrecido en sus antecesores (tres largos y un Ep de los cuales cabe destacar sobremanera el genial 'You win').

Esta es una fecha que siempre marco en el calendario como un día de angustia, de tristeza por la ausencia de mi abuela materna que tal día como hoy cumplía años y lo celebrábamos con entusiasmo acompañando la esperanza de que nos tocara la lotería, el popular 'gordo' de Navidad, ese sentimiento común e iluso que compartimos millones de españoles. Por esa razón como cada año he tenido un despertar descorazonador, pues pasan los años y la memoria sigue recurriendo a la nostalgia, al duro sentir de que lo bueno que vivimos ya no volverá. Para sobrellevar el peso de esta jornada amarga, trato de buscar en mi humilde discoteca y poner algún disco que apacigüe las sensaciones melancólicas y esta vez he conseguido sobradamente el objetivo con las nueve canciones que componen este trabajo de los de Washington D.C. (Maryland).

Alt-country, folk y pop en una coctelera de suaves melodías reinadas por la voz del inefable Randy Bickford, alma mater del proyecto (se puede decir casi que es una propuesta en solitario), que canta como los ángeles sobre reflexiones y estados filosóficos con exquisito cuidado. Una labor orgánica plagada de matices preciosistas, con desarrollos deliciosos y una finura espléndida. Podría escribir mil cursiladas sobre cada uno de sus temas y llenar esto de palabrería ñoña sin rubor, pero la única manera de gozar de esta obra es llevándola al oído.

No dudéis en dejaros llevar por la magia de piezas tan hermosas como "Morningside heights", donde las cuerdas acústicas brillan por si mismas pero cuentan con el apoyo de una base rítmica que pone las sensaciones a flor de piel con ese estribillo apasionado cubierto por un violín esplendoroso, sin duda mi favorita del disco, "Redeployment", una lenta y tierna canción que podrían encajar en el ideario de Idaho o mejor aún de Pernice Brothers por ese deje apegado a la tradición de genuino sabor americano, y que se eleva a cumbres celestiales cuando entra esa dulce sección de viento, "Out of the man drag", nuevo corte reposado que añadir a la lista de placeres desnudos, hipnotizando con la guitarra hasta dar paso a unas estrofas taciturnas vestidas con traje de domingo, "Jonathan", entre los primeros Midlake y los más extrovertidos Rivulets, empujando esa gran letra que narra las desventuras de un muchacho que teme la pérdida de la juventud y sigue soñando con sus ilusiones, "Theme for the bad angel", perla que recurre una vez más a la comodidad acústica con el leve acompañamiento de un órgano para darle un aire veraniego de amanecer descamisado,la homónima "The latest rights", un lugar donde South San Gabriel se sentirían la mar de bien con esos arrebatos eléctricos, y "Limerence", luminosa y radiante, mucho mejor en su ejecución con la presencia de esa sección de cuerda embriagadora.

Un soberbio disco que Brian Randall Bickford compuso junto a Alex Lazara, Jim Bob Aiken, Eric Haugen y Daniel Hart (habitual violinista de en el estudio de St.Vincent y John Vanderslice).

HEDNINGARNA

2011-12-21T15:03:00.001+01:00

HIPPJOKK (1997)

A tiro de piedra como estamos de que empiece la fase navideña, en los próximos días haré los deberes y postearé álbumes acordes a la cotidianeidad de estas fechas tan señaladas, es decir, el de villancicos, el capricho de mi cumpleaños, el que acompañe la lista de lo recomendable del año (bueno...los dos, pues como cada año será tanto nacional como internacional) y como no, el impertinente, pero al margen de ello aún me quedan unos cuantos discos que poner por aquí de los que no entran dentro de esas características sino que simplemente se me antoja escuchar en estos días invernales dependiendo del estado de ánimo, porque que si no representa la música mas que eso? al igual que los recuerdos de infancia que nos vienen en los últimos coletazos de la temporada, cuando disfrutábamos del pesebre y de la compañía familiar que vivía lejos de la ciudad, estoy seguro de que todos tenemos afinidad con los discos olvidados que vuelven a nosotros como agua de Mayo en días gélidos de calefacción o mantita para, desde una perspectiva contradictoria, abrazarnos con melodías melancólicas que nos hagan evadirnos de los malos augurios y desear lo mejor para nuestro entorno cercano, añorar con una sonrisa de optimismo a esos seres queridos que en la distancia permanecen a escasos dos centímetros de tus sentimientos y que no temes perder porque sabes que van a estar ahí de una forma real antes de lo que imaginas.

Todo esto viene a colación de que hoy me he parado a pensar en estos tiempos tan oscuros donde la crisis económica nos está convirtiendo en seres desolados sin casi esperanza de recuperación y me ha parecido bien idealizar una tregua en este par de semanas que están al caer, porque si bien no negaré que mucha gente tiene razón al decir que las Navidades son un reflejo dramático de que somos marionetas ahogadas en el consumismo y que no vale con esta explosión de alegría fingida porque el resto de año volvemos a ser huraños, no es menos cierto que nunca viene mal disfrutar del aquí y ahora y dejarse llevar por la armonía interior para dejarnos de pamplinas y gozar de los pequeños placeres de la vida, así que hoy he atacado la despensa, me he arreado media tableta de turrón de chocolate, una copichuela de moscatel y otra de mistela y me he puesto este genial 'Hippjokk' de fondo para decir a viva voz 'esto es vida'.

Da igual todo cuando lo único que importa en ese momento es lo positivo de deleitarse con un momento que solo presiden tus sentidos junto a tus pensamientos, y esta banda formada por músicos de Dalarna, Degerfors y Värmland (Suecia) y Jämsänkoski (Finlandia), consigue desde su folk escandinavo de herencia celta mezclado con rock de tintes electrónicos, atrapar al oyente en un placentero viaje de difícil ubicación, puesto que aún siendo innegable donde encontrar su público respecto a gusto se refiere (amantes de los sonidos étnicos y esa tonta etiqueta llamada world music), es una formación apta para todo tipo de paladares que gusten de acoger ritmos frescos, innovadores y varipointos.

La filosofía de Hedningarna ha sido en todos y cada uno de sus siete trabajos de estudio editados hasta la fecha, bucear en las raíces de la música nórdica para producir un sonido que no siga las tendencias actuales del folk más tradicionalista. Es por eso que Anders Stake, cabeza visible de la banda, se dedicó a construir y modificar instrumentos tradicionales para desarrollar un sonido propio y único que, con el tiempo, les haría irrumpir en los lugares más destacados de la nueva música tradicional sueca.

Su penúltimo disco es para un servidor el más inspirado de su discografía. En él podemos escuchar una serie de canciones enérgicas sin perder su respeto por la raíz nórdica, resueltas con sobriedad y desarrollos excelsos, sonando mil y un instrumentos que dan un empaque épico formidable que solo hace que sumar a una propuesta excelente sin necesidad de complicaciones e interpretado vocalmente en su lengua materna. Ya en la cúspide del género como una banda respetada y venerada por crítica y público, su formación se vio reducida a trío al sufrir la pérdida de las dos vocalistas femeninas que volvieron a Finlandia en vistas de su incipiente maternidad, pero lejos de resentirse su discurso, todavía mejoró al contra con una base más correosa y elocuente, pero destacando por encima de todo la labor de un invitado de lujo, Wimme Saari, un polifacético cantante que integra a la perfección los cantos tradicionales del pueblo Sami (residente antaño en la Laponia finlandesa). Se abre con la redonda "Bierdna", una maravilla en la que el antes citado Saari se transforma en un prodigio vocal cantando con fuerza espiritual mientras el didgeridoo alumbra cada rincón sofocante de su melodía constante, "Dolkaren", primera de las muchas instrumentales del minutaje que incita a un baile poderoso en el que entregar cuerpo y alma, "Drafur och gildur", mística en todo su trayecto, con un toque entre medievalesco y arábigo, "Dufwa", brutal, un ejercicio ecléctica que sorprende, pues puede recordar de igual modo a Woven Hand como a Massive Attack, con un toque afín a la Americana gótica o al blues fósil africano, "Forsytthan", que aunque parezca curioso podría adornar cualquier escena western con ese violín tan sureño, que pasa de tímido a trepidante en un instante, "Grauchölorfen", el por que de que se les tilde de modernistas entre el sector folk más purista, solo hace falta escuchar esas percusiones digitales, "Návdi/fasa", Saami haciendo acto de presencia una vez más para marcar el compás con su imponente voz al tiempo que el resto cumplen con su cometido dotando de un aire rejuvenecedor y luminoso el tema, y "Skåne", felicidad en casi cuatro minutos de festividad encubierta y a gusto del consumidor pues igual que a mí me anima a otro quizás le provoque otro tipo de sensación, una pieza que incluye unos solos de guitarra que encajarían dentro del mensaje de alguna que otra banda relacionada con el rock sinfónico.

Hållbus Totte Mattson, Anders Stake Norudde y Björn Tollin con la ayuda de Johann Liljemark y Wimme Saami crearon esta interesante obra para intrépidos que quieran picotear en otras músicas.

BOMBADIL

2011-12-16T15:52:00.001+01:00

TARPITS AND CANYONLANDS (2009)

Cerrar la semana laboral con un poquito de folk azucarado nunca sienta mal, verdad? pues esa es mi intención con este grato disco de Bombadil, una banda de Durham (North Carolina), que hasta el momento sin hacer mucho ruido ha editado tres largos, un Ep y un directo (curiosamente su primer trabajo publicado, grabado en la universidad de Duke, donde se conocieron cursando estudios, compartiendo además la aventura de vivir en Bolivia como alumnos de intercambio). Tal vez no sean muy populares todavía, pero su sonido es revitalizante, lleno de energía positiva y tienen mimbres suficientes como para ser una banda a tener en cuenta de aquí al futuro. Quizás los referentes más claros a la hora de poner ejemplos para describir su porpuesta sean Fleet Foxes, Megafaun y The Decemberists.

'Tarpits and canyonlands', es su penúltimo álbum publicado (hace un mes escaso vio la luz 'All that the reain promises', su último lanzamiento. Otra joya.), un dulce tratado musical compuesto por la friolera de quince temas que mantienen un nivel coherente dentro de su discurso cálido englobado en el folk de armonías pop, pero dejar la definición de lo que podemos escuchar en este disco en esas pocas palabras sería un tanto limitado, pues aquí hay una conciliadora mezcla de sonidos provenientes de otras culturas, tal como una ligera tonalidad afro o un leve envoltorio afro en sus canciones interpretadas con la frescura del amauterismo, sin hacer alarde de destreza, compartiendo sin altanería su sencillez despojada de tecnicismo académico, logrando crear un ambiente muy adorable que suena a grupo coral universitario.

Se abre esta colección de piezas reposadas con "I am", un corte alegre y simpatico que repite un estribillo tontorrón con réplica vocal al compás de un piano efervescente, una breve tonadilla que se acerca tanto al universo Edward Sharpe & The Magnetic Zeros como a Of Moster And Men y los Arcade Fire menos épicos suena "Sad birhtday", probablemente la mejor pista del minutaje con esas percusiones excitadas y ese modo de cantar tan refinado dentro de su diversión, "Honeymoon", donde la belleza acústica entra en colisión con la elegancia del folk-pop en una fragancia cercana a Andrew Bird y The Minders, "Reasons", que recoge las migajas lanzadas en el anterior tema por la senda de la sensibilidad, para evocar todo una amalgama nostálgica de profundidad emocional, "Cold runaway", eléctrica por momentos en la onda de sus venerados Neutral Milk Hotel, aunque sin llegar a tener un ritmo impetuoso sino más bien melancólico en su tímida velocidad, "Oto the bear", cabaretera y feriante, muy festiva, tal vez afín a lo que hacen Boy Omega o Beirut sin perder el espíritu de raíz americana, "So many ways to die", preciosa, para un servidor la mejor del álbum con ese registro vocal tan pasional en su sobriedad y ese in crescendo ensoñador, adornado con un final que no habría conseguido superar ni los más inspirados The Rural Alberta Advantage, "Laurita", que si bien al principio nos puede dar algo de rubor al sorprendernos de tararearla a la segunda escucha por su condición adictiva, nos convence con las escuchas por ser un delicia interpretada en un digno castellano que nos hace esbozar una sonrisa al pensar que somos más cursis de lo que creíamos por disfrutarla tanto, "Kuala Lumpur", una bendita locura, como si escucháramos a una odiosa tuna tratar de conquistar nuestro corazón con una furtiva mezcla de estilos entre los que tienen cabida los aires mediterráneos y la música popular mexicana, y ver que cumplen con su cometido, y "25 Daniels", los vientos recreando una atmósfera abrumadora.

Para finalizar decir que este post llega con un día de retraso porque ayer me fue imposible publicarlo a causa de mi irregular estado de salud y como me gusta siempre destacar, este fue un nuevo hallazgo de mi imprescindible 'reina del desierto' y desde estas líneas le doy de nuevo las gracias porque su contenido me ha brindado muy buenos momentos desde que me lo dejó al alcance de la mano. Bombadil son Bryan Rahija, Daniel Michalak, James Phillips y Stuart Robinson.

ANATHEMA

2011-12-15T14:35:00.002+01:00

ALTERNATIVE 4 (1998)

Adelantándome a la buena consigna de 'año nuevo, vida nueva' en lo que a hacer cambios en este humilde blog se refiere, he decidido hacerle un pequeño lavado de cara al diseño. Son unas pocas reformas sutiles que me ha sugerido mi inefable cerebrito, la Sra.Esmiz (tú que eres tan guapa y tan lista, tú que te mereces un príncipe, un dentista, como agradecerte tanta atención?), que como controla mucho de esto pues se prestó voluntaria. De este modo espero que os sea más cómoda la lectura de mis sandeces de ahora en adelante, al menos a los que estos últimos días habíais expresado disconformidad con la ausencia de espacio en el texto de las entradas (algunos con más tacto que otros, todo se dicho). También podréis ver que ha desparecido la dichosa cdbox, porque solo servía para que algún que otro guiri me colocara spam por ahí, que el tono de la letra es más oscuro para que no se quede uno ciego leyendo, y se ha arreglado la distribución de los blogs que sigo con pequeños extractos de lo que van publicando (eso aún está por pulir, pues hay algunos que he visto abandonados y que quitaré de la lista). en fin, espero que os guste.

Como, paradojas de la vida, he tenido esta mañana una especie de conversación en el 'caralibro' con el gran Sulo Resmes (alma del blog 'Tres cagallons baix d'un piano') a raíz de las metaleras confirmaciones que se hicieron ayer para el próximo Primavera Sound, y el otro día me echaba unas risas con el bueno de Joaquim sobre la degeneración musical de algunos amigos otrora adoradores de las melenas rizadas y los pantalones elásticos, inmediatemente ha venido a mi cabeza una vieja petición que me hizo en su día esta bendita a la que debo tanto (de la cual nunca recuerdo recomendar su blog 'Soy una pobre granaina', la mar de interesante), con lo cual, y viniendo al caso, dedico unas líneas que tenia pendientes a un grupo que si bien está relacionado con la música extrema, es un ejemplo total de evolución.

Anathema tuvo unos inicios fulgurantes dentro de lo que se dio en llamar doom metal, género del cual salieron otras grandes bandas que en nuestros días se han encaminado hacía derroteros distintos, tales como Paradise Lost, The Gathering, Katatonia, Cathedral, Amorphis o My Dying Bride, grupos que con mayor o menor descaro se han (o fueron, según el caso, pues algunos de ellos ya están extinguidos) ido desmarcando de aquel estilo que tenia como denominador común el mezclar una gran belleza instrumental al ralentí con poderosos riffs de guitarra y voces guturales. De esa camada me quedo con estos muchachos de Liverpool (Inglaterra) como el mejor ejemplo de lo que significa evolucionar estilísticamente. En sus dos primeros discos, había potencia y armonía a partes iguales, pero sin pulir en una derivación accesible, pero a partir de su tercer disco 'Eternity', fueron aplicando poco a poco todas las enseñanzas adquiridas de degustar sin cesar la discografía de Pink Floyd, y así hasta su más reciente trabajo, 'We're here because we're here', una obra maestra del rock sinfónico sin más. Poco a poco fueron endulzando su discurso y sonaban francamente finos y rigurosos, como una maquina perfecta, donde todo tenía su importancia y cada pieza era exquisita y con su último asalto lo han bordado, pero sin embargo hay un disco al que tengo más cariño y por eso no puedo evitar escribir sobre él.

'Alternative 4' fue la punta del iceberg, el disco que iba a suponer una declaración de intenciones lanzada a los más fieles seguidores de sus principios. Muchos les dieron la espalda, quizás los más puristas, pero una gran mayoría se rindió a sus pies aplaudiendo su salto de calidad, a lo que hubo que sumar su creciente fama como banda de culto dentro de los parámetros iniciales, pues aquí todavía se percibían pequeños conatos de su pasado, con esa distorsión potente y aquellos teclados deliciosos. Era como escuchar la versión abrasiva de la ilustre banda que un día gobernó Syd Barrett, pero desde la óptica de Roger Waters o incluso desde la de David Gilmour, mejor dicho, pero también había cabida para que mostrarán de una forma sonora su interés por el mensaje de Jeff Buckley y Radiohead.

Con ocho álbumes a sus espaldas, puede que aquí estén los algunos de los clásicos más reconocidos de su carrera, entonces nunca está de más reivindicarlo. Experimental, depresivo y atmosférico, justificado estará cuando quien no haya llegado todavía a ellos escuche piezas tan golosas y épicas como "Shroud of false", una delicada brevedad de poco más de minuto y medio iniciada a piano que da entrada a la joya de la corona, la radiante "Fragile dreams", todo un hit potencial que para muchos es su mejor composición, un tema que comienza con un violín y unos acordes nítidos que resultan evocadores para romper las olas a traición y cubrir nuestra mente de energía emocional, "Empty", mucho más oscura y dramática sin olvidar esos atisbos de poderío y la magnifica voz de su líder Daniel Cavanagh, "Lost control", tímida y convincente, muy próxima a las piezas reposadas del mítico 'The wall', pero llevándolo a su terreno (incluso los ecos vocales de su estribillo os traerán a la memoria algún corte concreto de ese disco), "Re-connect", con un deje inequívoco al 'Comfortably numb' de Pink Floyd, y no es por ser pesado con el paralelismo, pero es que ni ellos reniegan de ello, "Inner silence", una preciosidad para evadirse y soñar entre belleza instrumental que acude al rescate del viejo doom metal en la faceta del batería, que golpea la caja lentamente a conciencia para provocar un ambiente idílico formidable muy acorde a sus orígenes, "Regret", incorporando carnaza acústica con su consiguiente explosión posterior, en un brillo esplendoroso, algo que sabe a pura gloria si se escucha el lote de una tacada, "Feel", su pago de impuesto revolucionario para con el pop, una canción fácil de digerir y acogedora, y "Destiny", hipnótica, sensible, sencilla, un gran final para una excelente labor creada por los hermanos Daniel y Vincent Cavanagh (poco después se incorporó su otro hermano Jamie), Duncan Patterson y Shaun Steels con la ayuda de George Ricci y Andy Duncan.

L7

2011-12-12T14:29:00.001+01:00

HUNGRY FOR STREAK (1994)

De crío, o mejor dicho, de pre-adolescente, recuerdo que un amigo mío del pueblo que era más heavy que el metal (quién le ha visto y quién le ve, la última vez que le vi llevaba un portacedés en el coche donde lo más duro que había era un disco de El Canto del Loco) solía comprarse una revista espicializada en su género favorito que se llamaba Kerrang! y que por aquel entonces publicaba sus primeros números en nuestro país (en el Reino Unido era muy popular) y un servidor ávido de saber sobre sus ídolos grunge en aquellos días en que el movimiento vivía sus minutos de gloria, siempre se la pedía porque dedicaban siempre unas líneas a bandas como Nirvana, Alice In Chains, Faith No More, etc. a las que no se muy bien porque metían en el mismo saco, así que en un de los números que me dejó descubrí una suculenta entrevista a estas heroínas del riot grrrl provenientes de Los Angeles (California).

Allí esta hasta entonces para mi desconocida formación femenina contaba mil y una historias que me llamaron la atención, como por ejemplo que Kim Thayil, el genial guitarrista de Soundgarden, era su casero en aquella etapa en la que vivían en Seattle (Washington) o las barbaridades que hacían en sus conciertos con esa anarquía tan punk de tirar los tampones usados sobre el público que les insultaba desde las primeras filas en una reivindicación ruda de la importancia de las mujeres en el rock, mostrando que eran señoras de carácter con más agallas que cualquier lumbrera de pose que se preciara.

Su actitud me parecía muy firme y temperamental, sincera, rabiosamente punk en cada palabra que expresaban sin dejar de sonar inteligentes y claro, de ese modo era imposible que no me atrajera la idea de buscar algo de material de ellas. Con los años me fui dando cuenta de su importancia en el devenir del rock underground, siendo un nombre clave pero que tenía como elemento definitorio su desmarque del resto de artistas reputados del género, es decir, Hole, Babes In Toyland, The Breeders y demás, que musicalmente se alejaban de las coordenadas punk para intimar con el pop (pero no de un modo descarado) siendo L7, al igual que Bikini Kill, The Slits o Katastrophy Wife, un grupo más próximo a la revuelta de las hembras de esa década desde una óptica contundente.

Sus seis discos de estudio editados durante su breve periplo en aquel final de milenio, son su testamento. A la vuelta de las vacaciones con lo que me había sobrado del capital invertido en borracheras de fiestas patronales (las peores, sin duda) me di una vuelta por las tiendas de discos del centro y compré su cuarto álbum del que tan buenas cosas decía el tipo que las entrevistaba en aquel ejemplar. El contenido no me defraudó, era justo lo que esperaba, suciedad, furia, rabia, energía y melodías variables al son de unas guitarras poderosas, 'Hungry for stink' era firme candidato a ser uno de esos discos a machacar en etapa juvenil, desbordaba ira por los cuatro costados, era un bofetón desenfrenado a la industria y el conformismo pop del momento y me sentó como un abrazo del enemigo en tiempos de tregua.

Ahora lo tenía olvidado, pero esta mañana al escucharlo de nuevo tras mucho tiempo estando aparcado en la estantería me ha venido de maravilla para reverdecer laureles y sentir que todavía quedan muchos gritos que dar en esta vida, sobretodo cuando uno se introduce en la fulminante impetuosidad de cortes como "Andres", abrasiva con una distorsión saltarina y un modo de cantar encabritado que se apoya en unos coros poseídos, en un primer guantazo con la mano abierta, "Baggage", esas guitarras a lo Black Sabbath o mejor dicho, a lo stoner que iluminan el camino de la perfecta comunión entre el punk-rock y el metal de la época, un corte oscuro en que se desgañita al rojo vivo la poderosa cantante Donita Sparks, "Can i run", mi favorita de la banda, una brutalidad más asequible a los oídos de cualquiera y que en su base rítmica se puede considerar un hit alternativo, que puede hacer las delicias de cualquier seguidor de Nirvana (Cobain y Novoselic eran admiradores de estas chicas), "The bomb", recuperando el pulso acelerado e incoformista a riff limpio, "Questioning my sanity", cantada al más puro estilo punk angelino de los 80's y recordando un poco también a las geniales Sleater Kinney, un tema que habla de la depresión y la locura, "Riding with a movie star", una pieza que si cogieran hoy Queens Of The Stone Age no podrían mejorarla más, una puñalada trapera en el corazón del ego, "Stuck here again", bajando el pistón para tomarse un descanso eléctrico y respirar profundamente en virtud de la piscodelia reposada, el funk y el blues, en onda de lo que hicieron Soundgraden y Pearl Jam en algunas pistas de su proyecto conjunto Temple Of The Dog, "Fuel my fire", uno de sus emblemas, versioneado en al poco tiempo por los electrónicos Prodigy en su exitoso trabajo 'The fat of the land', y "She has eyes", quizás su canción más accesible, de hecho trae a la memoria a bandas como Belly o los más recientes Giant Drag. L7 eran Donita Sparks, Suzi Gardner (antes en los imprescindibles Black Flag y Cirle Jerks), Jennifer Finch y Demetra 'Dee' Plakas.

LIGHTSPEED CHAMPION

2011-12-11T14:00:00.002+01:00

FALLING OFF THE LAVENDER BRIDGE (2008)

Cansado todavía del viaje pero eufórico por la victoria azulgrana en el clásico, retomo la actividad tras unos días de parón a causa del puente de la Purísima que me ha dejado un poco noqueado porque pretendía descansar y lo he hecho pero en negativo. Los dolores no remiten y empiezo a estar algo chafado de moral, pero como no quiero ser palizas con el tema, porque tengo la sensación de que estoy quedando como un carcamal hipocondríaco llorón al uso día si dia también, aquí doy carpetazo al asunto con la promesa de no volver a mencionarlo. De repente y sin saber muy bien el motivo, esta mañana ha venido a mi memoria la figura de este insólito personaje llamado Dev Hynes, nacido en Houston (Texas), pero criado en el Reino Unido y que edita sus discos en solitario bajo el nombre de Lightspeed Champion. Su nombre salió a la palestra como miembro de los extintos Test Icicles, uno de esos grupos que tuvieron un éxito efímero a mediados de la década pasada dentro del revival post-punk. Genio y figura, este curioso individuo hace gala de su sentido del humor a la que puede y ello le ha permitido codearse con lo más granado del género en cuanto a colaboraciones se refiere y labrarse un respeto y aprecio sin igual (gente como Tindersticks, Hope Of The States, The Triffids, The Brian Jonestown Massacre o Warren Ellis, lo tienen en un pedestal).

Lo que más me chocó de su propuesta fue el primer impacto, al ver que un negro melenudo vestido como un repipi dandy inglés se decantaba por el country para presentarse en sociedad, algo que no me negaréis, resulta francamente sorprendente, más si sabemos sus orígenes en bandas garageras de espíritu punk. Al tiempo descubrí con suma fascinación que este tipo no solo había pertenecido a aquella breve pero fresca banda, sino que era un inspirado compositor capaz de elaborar temas para The Chemical Brothers, Bassement Jaxx, Diana Vickers o Florence And The Machine, ponerse a los mandos como productor para mejorar el sonido de artistas como Solange Knowles (la hermanísima de la popular Beyoncé) o Theophilus London y demostrar su pericia como multiinstrumentista tocando con destreza todo tipo de guitarras, violín, piano, batería, contrabajo y violonchelo, además de escribir algunos libros y comics entre medias, y todo ello con apenas veintitres años que tenía entonces. Todos esos reclamos quizás hicieron que prestara una atención mayor a este disco de debut, pero creo que tendría la misma opinión de este ameno 'Falling off the lavender bridge', un álbum cálido repleto de humor y optimismo que se digiere tan bien como un digestivo culín de orujo de hierbas después de una comida copiosa.

El disco, basado en sus sueños y experiencias vitales en las dos partes en que se divide, comienza con una intro, "Number one", que da un aviso de lo que podemos encontrar en un cómodo slide que aventura un amasijo de melodías alt-country haciendo notoria desde el principio la mano del gran Mike Mogis, reputado miembro de Bright Eyes, Lullaby For The Working Class y Monsters Of Folk, en la producción, y desde ahí brotan los estribillos alegres, los matices sonoros veraniegos y la magnificencia de un discurso accesible y bravo con la estrella del lote "Galaxy of the lost", impregnada de la esencia de las bandas que cobija el sello Saddle Creek y el frío pero confortable paisaje de Omaha (Nebraska), lugar idílico donde se grabó este trabajo y que está presente a lo largo y ancho de su minutaje, ya sea en cuanto a colaboraciones o a afinidad estilística, un corte precioso lleno de emoción en su armonía y que cabalga entre el folk y el pop más eficaz, "Tell me what it's worth", deliciosa con ese magnifico dúo entre nuestro protagonista y la sensacional Emmy The Great que comparte su voz en la práctica totalidad de la obra, "All to shit", explícito título para una pista dócil que recuerda a las creaciones de Brian Wilson para sus The Beach Boys, "Midnight surprise", donde la influencia de Conor Oberst, tanto en voz como en intención musical es descarada, "Devil tricks for a bitch", una bella canción minimalista que apuesta por el menos es más, pues tan solo le escuchamos a él acompañado de su violín durante los primeros compases, hasta que entra una sección rítmica muy idónea que le acerca al universo barroco, tal vez a Andrew Bird, por dar un nombre, "I could have done this myself", que parece que vaya a arrancar su nervio rockero pero finalmente deriva en otro obsequio complaciente para el oyente ávido de un tarareo nostálgico, aunque si que es justo decir que aquí hay más épica y coralidad que en el resto de piezas, narrando de una forma desnuda su pérdida de la virginidad (más bien en boca de sus propias palabras, su segunda vez, pues la primera fue tan torpe que no quiere recordarla), "Dry lips", cambio de tercio en busca de un hit eficaz para desmarcarse de un estilo concreto y que hubiera incluso encajado en el debut de Bloc Party dentro de su cara menos eléctrica, describiendo de un modo cómico su forzada vida sana alejada del alcohol por culpa de las ulceras de estómago que le afectan a menudo, y "Let the bitches die", otro reflejo de su ácido humor (el nombre se las trae) que trota sobre unos punteos muy pegadizos, despidiendo poco después la faena con una revisión acelerada del quinto tema que está dedicada a su madre, Wendela.

Un muy buen disco para un hombre inquieto que ahora nos sigue asombrando con su nuevo alter-ego, Blood Orange (no os perdáis los clips que hay de este proyecto por la red). En este primer largo de Devonté Hynes, estuvieron presentes músicos amigos de la talla de Tim Kasher (iluste voz de Cursive que se pasó por el estudio para colaborar con su voz en el tercer tema del disco), Derek Pressnall y Kianna Alarid (ambos de Tilly And The Wall), Joe Knapp (vocalista de Son, Ambulance), Nate Walcott (habitual trompetista en ruta de Bright Eyes), Clark Baechle (batería de The Faint), Susan Sanchez, David Coyote Bones, Nick Fackler, Karen Murphy, Mike Picanco, Mark Benson, Tom Clarke, Kimberley Salistean, Cynthia Ricker, Donna Carnes y Tracy Sands.

BUTCHER BOY

2011-12-02T14:22:00.001+01:00

PROFIT IN YOUR POETRY (2007)

Me gustan mucho Butcher Boy.
Puede que no sean nada del otro mundo, es posible que no tengan nada que les haga especiales, pero reproducir su disco y querer escucharlo entero del tirón, es todo uno. Son suaves pero sugerentes, sobrios en ocasiones, divertidos a ratos, rematadamente pop pero variopintos, nada conformistas, sus melodías resultan adictivas a más no poder y sus influencias son tan claras como confusas, pues igual que a mí me puede recordar a The Go-Betweens, Tindersticks o The Magnetic Fields, y la prensa les atribuye como referencias los nombres de The Chameleons, The Smiths, Felt, Love y Belle & Sebastian, habrá quién vea en ellos mucho de bandas más recientes en el tiempo como Cats On Fire, The Smittens, The Vaselines, Allo Darlin' o los Idlewild de la etapa intermedia.

Suenan frescos pero añejos al mismo tiempo como bien indica que se les asocie con el sonido de todas esas grandes bandas atemporales. Naturales de Ayrshire, pero con sede en Glasgow (Escocia), han publicado tres álbumes de estudio desde su creación y de ellos el que más me apasiona es su debut 'Profit in your poetry', un trabajo repleto de bellas canciones que apenas superan los tres minutos de media.

Siempre acompañadas de ese violonchelo que le da a las composiciones un amansado tono barroco las diez piezas que podemos escuchar aquí son formidables, ricas en elementos y amables en su mensaje. Además destacar también un factor clave para que consideremos a este grupo un buen ejemplo de que todavía se puede construir un poco resultón con la humildad de antaño, pues el espíritu del catálogo de Sarah Records sobrevuela estas delicias empezando por la inicial "Trouble and desire", una preciosidad delicada que posee un fondo cautivador impregnado de una melosidad idónea para acompañar la atractiva voz de su cantante, en la línea de lo que solían hacer Luna en sus comienzos, "There is no-one who can tell you where you've been", algo más rítmica con unos teclados muy afines a la banda de Stuart Murdoch (recuerda ligeramente a los que podemos oír en el tema "Sleep the clock around"), sin desprenderse del dramatismo que caracteriza su propuesta, "Profit in your poetry", pista homónima que incorpora un poco de esencia cinematográfica a su discurso tal y como lo hacían a mediados de la pasada década los Cinerama del gran David Gedge, un corte que suena más acelerado de lo habitual y que encaja a la perfección con su intención de no encasillarse en un solo género, "I could be in love with anyone", adorable medio tiempo con la presencia de la viola más notable que en ninguna otra canción anterior, "I lost myself", una de esas indiscutibles golosinas pop de estribilllo pegadizo y resultón, "Girls make me sick", elocuente título para un irresistible poso sixtie que incita al baile, posiblemente el mejor tema del lote y que fue elegido como single de presentación con una portada muy bonita, "I know who you could be", maravillosa perla que por su aterciopelada textura con esas preciosas cuerdas herederas del mejor pop de cámara y esa emoción en su manera de ser interpretada vocalmente, se conviritió a la primera escucha en mi favorita, y "Keep your powder dry", excitante e inquieta soltura rockera para hacer más luminoso un disco ya de por si resplandeciente.

Otro acierto más de mi querida administración Messina (a tus pies). Liderados por John Blain Hunt, Butcher Boy lo completaban en esta puesta de largo, Maya Burman-Roy, Alison Eales, Findlay MacKinnon, Aoife Magee, Basil Pieroni, Jacqui Grant, Garry Hoggan y Jenny Diep (estos tres últimos, los únicos que han abandonado la nave desde entonces).

MUDHONEY

2011-11-30T14:02:00.001+01:00

PIECE OF CAKE (1992)

Me duele todo, pero esta vez espero que sea en vistas de una buena causa, acabar de una vez por todas con estos dolores que me hacen mínimo, torpe, inconstante y frágil. El rudo fisioterapeuta que me atendió ayer me crujió como un salvaje y hoy estoy hecho trizas, molido como cuando aquel bastardo profesor de secundaria me apretaba con todas sus fuerzas los hombros hasta casi sacarme las lágrimas cuando no había hecho los deberes (si lo cogiera hoy con mi mala leche y mi edad, le daría dos guantazos con la mano abierta que le pondría las orejas vueltas), pero estoy convencido de que estoy en buenas manos pues ya noto un poco más de elasticidad y euforia, aunque ahora mismo no sé si esa última sensación es porque desde ayer ardo en deseos de que llegue el Primavera Sound con las nuevas confirmaciones porque por fin voy a tener la oportunidad de saldar una de mis últimas deudas con el grunge, el estilo que más he adorado desde que tengo uso de razón.

Me pueden las ganas de estar activo, en forma como un crío adolescente que brinca como un lerdo sin importarle nada más cuando suenen las canciones de estos genios de Seattle (Washington). Ya vislumbro el momento, disfrutando de estas viejas glorias clave para entender el boom que sufrió su ciudad a principios de los 90's, aporreando las guitarras encima del escenario. Ha llovido tanto desde que un buen día con unos trece años fui a visitar a un compañero de clase a su casa porque se había lesionado la rodilla y escuché por primera vez a Mudhoney que parece mentira que permanezca intacta en mi memoria la conversación que tuve con él sobre ellos. Recuerdo que tras estar una hora jugando a algún videojuego de la Supernintendo (sí, lo sé, me hago mayor) le dije que si no tenía música decente, pues llevábamos un buen rato escuchando sus repetitivos grupos de hip-hop, y como el sabía que lo que me iba era todo el aluvión grunge y alrededores que entonces vivía sus días de máximo esplendor, me recomendó una cinta que se apresuró a poner en la pletina. Era una cassette de la banda sonora de la película 'Judgemente night', en la que multitud de formaciones alternativas (en todas sus variantes, ya fuera grunge, rock, metal y sucedáneos) como Teenage Fanclub, Sonic Youth, Helmet, Slayer, Pearl Jam, Faith No More o Dinosaur Jr. colaboraban con grandes del rap como Cypress Hill, House Of Pain, De La Soul, Run DMC o Ice-T, un excelso popurrí que me gustó más de lo que esperaba en un principio y que me ayudó a quitarme el prejuicio de que no había nada salvable en el género del güetto por excelencia.

De todas aquellas fusiones la que más me caló fue, como no, la de unos hasta el momento desconocidos para mí Mudhoney con Six Mix-A-Lot, y así comenzó mi historia de aprecio por el grupo protagonista del post de hoy. Al día siguiente compré con los ahorrillos de la hucha de cerdito que tenía, este genial 'Piece of cake'. Fundados a finales de los 80's y con discos tan respetables como 'My brother the cow' o 'Superfuzz bigmuff', por cariño es mi álbum preferido de los diez que han publicado hasta nuestros días, y en él están canciones tan imprescindibles como "No end in sight", precedida de una intro electrónica sin titular, la mar de alucinógena y garrafonera, un corte que trota fiero, contundente, fortalezido por una distorsión abrasiva y la voz punkarra de Mark Arm, "Make it now", con ese inicio adormecido que rápidamente cobra un cariz setentero garagero, añadiendo unos solos y unas melodías que son pura psicodelia, "When in Rome", una de mis dos predilectas del lote, furiosa sin perder el norte, concisa, ruda pero accesible con esos juegos vocales que seguro influenciaron algo a Pavement, por ejemplo, "Suck your dry", la otra niña de mis ojos, una proeza generacional, pues es imposible no asociar el movimiento que hizo popular Kurt Cobain a nivel mundial con esta pieza de orfebrería del rock potente, pues en ella todo cruje y la base rellena de fuerza cada hueco de aire libre para oprimir la respiración, "Blinding sun", una de sus mejores composiciones, más próxima al rock convencional con una línea instrumental magnifica, muy accesible y elegante, "Youth body expression explosion", instrumental arrebato punk-rock de violento cabalgar, entre lo cómico y lo psicótico, "I'm spun", robusta pista de fácil identificación pues al escuchar la primera nota ya la ubicas automáticamente a ellos, "Take me there", su deuda con el hard-rock clásico de Black Sabbath, Led Zeppelin y Deep Purple pero sumándole unas pinceladas del buen hacer de MC5, "Ritzville", surrealista a más no poder, de hecho no sé ni que decir de tal obra maestra escatológica ante la que solo vale dejarse llevar por su humor desternillante, y "Acetone", final minimal con Arm desafinando y tocando la guitarras con desinterés contagioso.

Un trabajo inimitable creado por Mark Arm, Steve Turner (ambos anduvieron antes en el germen de todo esto, Green River), Matt Lukin y Dan Peters.

FLEET FOXES + VETIVER - L'AUDITORI (BARCELONA) 27/11/11

2011-11-29T13:53:00.001+01:00

HELPLESSNESS BLUES (2011)

Con un día de retraso hago esta humilde crónica del concierto que cerraba la edición anual del Primavera Club, con Vetiver y Fleet Foxes como protagonistas, por problemas de salud que espero solucionar hoy poniéndome en manos de un buen fisioterapeuta que posiblemente me va a costar un riñón pero será por una buena causa. Es curioso porque el hecho de haber aparcado este escrito una jornada, me ha despertado todavía más el gusto y la rendición por el sexteto de Seattle (Wsashington) que evidentemente, ejerció de cabeza de cartel. Hoy a diferencia de anteayer que tenía la cabeza fija en los dolores, puedo decir que el concierto que pudimos presenciar fue un puro lujo y que quizás estos tipos tengan uno de los mejores directos que se pueden presenciar hoy en día...musicalmente hablando. Digo eso porque su presencia sobre el escenario es cautivadora por sencilla pero calculada, ejercen su papel de banda mayúscula a la perfección y todo suena en su sitio con un sonido impecable, pero su interactuación con el público es nula, más sosa que la calabaza y se mueven menos que Don Pin-Pon en una cama de velcro. Aún con todo, esta impresión responde más a una cuestión personal de que nunca digo nada malo de nadie y creo que es justo que comente eso para hacer honor a la verdad, pero poco importa por no decir nada, pues uno paga una entrada para ver el traslado de lo que ha escuchado en disco al escenario y ahí cumplen a la perfección como una precisa máquina, tanto que parecen tan delicados y profesionales como un cirujano judío haciendo la circuncisión en día de varnish va. Tan solo tienen eso como hándicap para que su directo no me entusiasme tanto como el de, por ejemplo, Band Of Horses, pero lo suplen bien con esa perfección sonora, con esa voces que suenan tan bien que no tengo ni adjetivos, solo se me ocurre el nombre de Simon & Garfunkel como parangón. Pero bueno, mejor paso a lo bueno, el repertorio, el ambiente y las sensaciones positivas.

Tras sacar fuerzas de flaqueza para soportar el dolor, me chuté un analgésico y llegué puntual para quedar con Atticus, Victor y el gran Uri (responsable del genial blog 'Me suena que lo he leído'), a quién tuve la fortuna de conocer en persona y que como ya sospechaba es mas majo que las pesetas, una persona con la que puedes hablar de todo y que encima tiene un gran sentido del humor. Así da gusto ir a echarse una cerveza antes que hacer aquella considerable cola que al llegar se había transformado en kilométrica. Buscamos sitio tras probar de quedar con los no menos salaos, Genís, Julia y Vanessa, con los que al menos nos consoló el hecho de vernos en el descanso entre una banda y otra y unos minutillos a la finalización del concierto para flotar en la misma nube de emoción por la experiencia, y allí nos aposentamos, en la planta de arriba en un buen rincón donde había una vista privilegiada.

Puntuales como la vida misma salieron a efectuar su bolo Vetiver, ese proyecto liderado por Andy Cabic que cada día se aleja más de los postulados de su buen amigo Devendra Banhart. Con nuevo trabajo bajo el brazo, el interesante 'The errant charm', en el que basaron buena parte del repertorio, los de San Francisco (California) ofrecieron un directo digno, pero algo rígido y plano, bello, sutil pero falto de chispa quizás, que agradó pero que posiblemente por el miedo escénico de tocar en un lugar tan sobrio, como ellos mismo comentaron, se quedó un tanto descafeínado. De hecho varias canciones sonaron peor que en disco, amansadas, carentes de ese desenfado folk que tan bien logran plasmar en el estudio de grabación. Comenzaron con tres cortes lentos que a pesar de no dar el calor suficiente como para que el público se animara, les quedaron la mar de bien porque calidad tienen de sobra y luego estiraron un poco el repertorio para acariciar un poco las coordenadas del folk-rock, con pulso riguroso y gustándose a si mismos, la pena es que cuando empezaban a estar caldeados, la cosa tocaba su fin. Cayeron si no recuerdo mal, "Worse for wear", "Can't you tell", que inció ese arranque que prometía pero que como digo no acabó de cuajar por falta de tiempo, "Wonder why", en fin, un repertorio que mezcló bien lo que mejor se les da y que a mi personalmente, insisto, no me acabó de llenar, aunque quizás en otro marco y en soledad...

En busca de algo que comer porque teníamos un hambre de lobo, Víctor y un servidor, nos bajamos a la planta de abajo donde casualidades bien recibidas de la vida, nos encontramos a Genís, Vanessa y Julia, que estuvieron un rato con nosotros intercambiando impresiones mientras nos reíamos del parecido razonable de un tipo con el baloncestista Pau Gasol (con unos 30 cms menos, todo sea dicho) y que resultó ser el cantante de un grupo estatal que a ellos les gustaba bastante, llamado Olivemoon. Chorradas al margen, ya se acercaba el momento esperado y volvimos sin habernos atrevido a meternos en la odisea de la cola para comprar comida. Se apagaron la luces y ahí estaban los seis ídolos de la noche tras una puesta en escena simple.

"The cascades" y todos en el bolsillo del bueno de Robin 'de los bosques' Pecknold. Tienen un poder evocador que solo necesita sostenerse en las notas de ese piano/órgano, la batería del gran (en todos los sentidos pues tiene percha de jugador de rugby) J.Tillman (excelentes sus discos en solitario), o los mil y un instrumentos que toca el hiperactivo (solo en ese sentido) Morgan Henderson. Su música te atrapa, sus voces, como decía antes, son pura magia, te acompañan en la visualización, en el movimiento por inercia de los pies y las manos, en la emoción de estar viendo algo que sin saber porque te hace creer que eres mejor persona por el mero hecho de disfrutarlo y sin importante de que sea cierto o no. Te llevan a terrenos de tu propia mente que están sin explorar y consiguen que te olvides de todo lo que no trae paz a tu interior. Son un lujo.

Poco a poco fueron interpretando sin casi descanso y con tímida pasión, piezas de sus dos únicos discos publicados hasta el momento en una actuación que no pasó de la hora y media y ante un respetable que pecó un pelín de conformismo, pues tampoco ayudó mucho a ese deje complaciente de la banda, a esa desidia que tienen como artistas en el cara a cara, parcos en palabras hasta entre ellos. Igualmente la atmósfera que se creó en la sala Pau Casals del auditorio fue ensoñadora, sin necesidad de que atendiéramos a esas proyecciones minimalistas y testimoniales que se podían observar en la pantalla gigante ubicada sobre el grupo. Un acústica que solo he podido disfrutar en el Palau de la Música Catalana y que vino de fábula para que su propuesta entrara directa al oído, bajará a los labios para poder tararearla y cubriera el corazón de una fina capa de melosidad. Algo inolvidable que quizás no pase a ser el mejor concierto que he visto jamás, pero que en su transcurso fue memorable. Como único lunar a la elección del cancionero elegido para la ocasión, solo pondría un ligero reproche y es que no sonará "Montezuma", la magnífica pista que abre su última obra, quitado eso...

"Bedouin dress", "The shrine/An argument", "Blue spotted tail", "Helplessness blues", "Lorelai", "Blue ridge mountains", Ragged wood", "White winter hymnal", "He doesn't why", "Sim sala bim", "The plains/Bitter dancer", "Your protector", "Red squirrel/Sun it rises", "Battery kinze" y mi favorita "Mykonos", por poner solo unos ejemplos del extenso set-list, sonaron enormes, que digo enormes, monumentales! y todo lo demás es pecata minuta. Fleet Foxes son tan grandes que no hace falta ni que hablen, solo es necesario que conserven esa forma de cantar y esa sensibilidad suprema. Con esa bella idea nos fuimos todos raudos y veloces ha coger el metro para llegar a casa con una amplia sonrisa. Y quizás esta ha sido una de las crónicas más pobres que he escrito (si es que hay alguna que sea rica), pero para eso mi buena colega Atticus (por cierto, todas la fotografías de este post, son cortesía de ella), ha escrito una en su blog que puedo enlazar y que deja a la altura del betún a ésta, así que os animo no solo a leerla, si no a que os metáis en comentarios de ese post y leáis también lo que dijo Uri ayer, con mucho, mucho tino, que resume muy bien lo que quiero expresar y que por bobo no sé escribir de un modo que se entienda fácil. También dejo el último álbum de estos monstruos por si alguien no ha llegado a ellos todavía.

http://melomaniasinremedio.blogspot.com/2011/11/grown-ocean-fleet-foxes.html

YO LA TENGO

2011-11-27T12:27:00.001+01:00

AND THEN NOTHING TURNED ITSELF INSIDE-OUT (2000)

Hoy tengo largo tiempo hasta que me vaya a ver a Fleet Foxes con Vetiver en ese flamante concierto programado para esta noche en el Auditorio de Barcelona, por lo tanto voy a cumplir con la idea inicial de ayer dedicando un buen post a esta fundamental banda de Hoboken (New Jersey) a la que de nuevo doy cabida aquí tras haber hablado de ellos en un par de ocasiones. La ocasión la pintan calva porque el hecho de que se haya confirmado su presencia en el próximo PS hace que me estimule mucho reivindicar su importancia en la historia del indie-rock, superados los veintisiete años de actividad del grupo. Se puede decir que no hay una sola firma dentro del género menos discutida que la suya, de hecho creo que es la que mejor lo representa por valores y actitud, es más, ninguna ostenta un consenso crítico y popular como el suyo.

Puede que tenga que ver con su manera de hacer las cosas, ya que desde sus comienzos se mantienen ajenos a la negación de cualquier clase (nunca han renegado de la etiqueta 'indie') y transcurridos más de tres lustros desde su debut, se mantienen firmes disfrutando de lo que hacen pues su única aspiración es simple y llanamente hacer música desde el corazón. Con sumo respeto por el entorno periodístico dejando citas para el recuerdo como esta, cuando Ira Kaplan dijo ante un plumilla que le preguntaba por su anterior trabajo como crítico musical para la revista New York Rocker...'quería introducirme en el mundo de la música y no sabía como hacerlo, así que me decidí a escribir sobre el rock y sus variantes.

Tengo mucho aprecio por la profesión: la crítica es necesaria y valiosa, y se pueden escribir grandes cosas sobre música; solo hace falta haber leído a Meltzer para saberlo. Él defiende una idea me me parece estupenda, la de escribir sobre música como una forma de expresar qué sientes por la vida, qué te parece, qué esperas de ella'. Un trío que con esa pose nada estudiada de gente cercana y afable se ha gando el corazón de sus seguidores. Mucho ha llovido desde que el matrimonio Kaplan-Hubley pusiera un anuncio en busca de músicos que compartieran su veneración por Mission Of Burma, The Soft Boys y Love (palabras textuales del escrito), y de los doce álbumes de estudio oficiales publicados hasta nuestros días, aunque suene curioso, me quedó quizás con este, no sin dudas claro, porque en aquel glorioso 'I can hear the heart beating has one' o los imprescindibles 'Painful' y 'Electr-o-pura', estén sus himnos más populares, pero es que 'And the nothing itself turned inside-out' respira ternura y calma desde el mismo instante que observas su magnifica portada con esa metáfora que anuncia que estamos ante una luz que nos abduce sobre una telaraña de clarioscuros que transpiran desde lo más profundo de nuestro (su) interior para ofrecer una gemas emocionales que pasan del sosiego pesimista al entusiasmo optimista en un suspiro.

El interés de Yo La Tengo por el rock desde una mirada histórica queda queda claramente plasmado a lo largo de una carrera que parece un repaso oblicuo de los últimos cuarenta años de música americana, una sensación sesgada hacía una herencia preciosa que requiere una deconstrucción que le acerque al pop para conseguir la fusión perfecta entre ambos y este disco confirma esa idea en su máxima expresión con canciones que pasan de un mastodóntico estilo a otro respetando las coordenadas sin distanciarse de su mensaje personal. En mi opinión una obra maestra para lograr el equilibrio dentro de su discografía.

Puro énfasis en lograr el objetivo, es decir, sonar más próximos que nunca y el desenlace superan las expectativas con piezas tan increíbles como "Everyday", primera sorpresa, sombría, tensa, tomando un tiempo prudencial en su arranque, tirando de efectos envolventes y sonidos inquietantes en los que apoyar una melodía muy mustia, un corte que representa ese pasado medio psicodélico tan presente en sus primeras obras y porque no decirlo, primer temor, pues la primera vez que uno atiende a este álbum en esta primera muestra duda de que el resto de pistas se vayan por derroteros experimentales, pero no, enseguida queda despejada la duda cuando luego viene "Our way to fall", quizás una de las canciones más bonitas de su discografía, adorable en todo en el más claro significado de la palabra, una de esas que si escuchas con los ojos cerrados puede hacerte soñar con lo que quieres para ti y los tuyos, un verdadero lujo que a cualquiera debería erizarle el vello y poner la piel aterciopelada, sin más, mi favorita, "Saturday", pagando su deuda con el synth-pop y su pasión oculta por The Magnetic Fields (bueno, en honor a la verdad diré que esto me lo he sacado de la manga, pero apuesto todo a que algo de admiración por los de Stephin Merritt han de tener, incluso creo recordar que Georgia colaboró en un viejo tema de The 6ths, uno de los múltiples proyectos paralelos del genial artista), martilleando el bajo para adornar una base sólida y robusta, y sumando un leve filtro jazzístico, "Let's save Tony Orlando's house", que como curiosidad diré que es un homenaje encubierto a sus queridos The Simpsons, pues es el título de una película de Troy McClure, ese personaje que aparece siempre en los vídeos que les ponen a la familia mas famosa del mundo, una canción festiva y dulce que les traslada a los 60's, "Last days of disco", un estribillo bello como el que más y una instrumentación que coquetea con el slowcore, "The crying of lot g", donde Ira se transforma por momentos en Lou Reed cantando como los ángeles con el sensible acompañamiento sonoro dorando una atmosfera relajada, "You can have it all", versión del clásico disco-soul de George McCrae (aunque originalmente escrita por Harry Wayne Casey de KC & The Sunshine Band), un innegable hit de coralidad mayúscula, una maravilla que suelen tocar en directo para beneplácito de sus fieles y que es con toatal probabilidad su canción tarareable por antonomasia (con permiso de "Tom Courtenay"), "Tears are in your eyes", una nueva delicia, profunda intima, suave cantada por Georgia Hubley en solitario y con un texto conmovedor, "Cherry chapstick", recuperando esos enérgicos ritmos en onda "Sugarcube", un tema que sienta de fábula para pegar un tirón de adrenalina y en el que Ira se explaya a gusto con el solo de guitarra al más puro estilo Sonic Youth, con una melodía que parece prestada del villancico 'Noche de paz, noche de amor' (si,si reiros, pero si la escucháis igual me dais la razón!), "Madeline", pop, pop, pop, imposible definirla de otro modo, una joya de alma sesentera que podrían haber compuesto The Beach Boys, Big Star, Teenage Fanclub o The Essex Green, que importa quién, todos están presentes en estos casi cinco minutos, y la kilométrica "Nights of Hoboken", que no alcanza los dieciocho minutos de duración por poco de los cuales una parte es delicada y amable y otra, la más larga se basa en efectos zumbantes y comatosos.

Ira Kaplan, Georgia Hubley y James McNew son...unos genios.

TWIN SISTER

2011-11-26T15:52:00.001+01:00

COLOR YOUR LIFE EP (2010)

Pensaba dedicar una entrada a un viejo disco de Yo La Tengo con motivo de su futura presencia como uno de los platos fuertes del próximo Primavera Sound, pero como quería extenderme a lo grande y se me ha comido el tiempo con la visita de mi querido primo Diego (responsable del blog http://tritiopublicidad.es/ que encontraréis en primera instancia en la lista de blogs que sigo), lo dejo para mañana si el destino lo permite y descarto de paso la idea de hacer un post largo (una alegría para quién se canse de mis ladrillos, jeje) en beneficio de contar un poco mis impresiones sobre un álbum de corta duración de una banda que considero una fantástica opción de futuro, Twin Sister.

Hace mucho que no pongo por aquí un Ep, pero me gusta ese formato. Es breve pero conciso y se escucha de un tirón, es como las siestas, que a veces superan en saludable el buen sueño nocturno y nos hacen bien. Con un reciente largo de debut en el mercado que responde al título de 'In heaven' y que se puede definir como uno de los grandes trabajos de este año, los cinco de Brooklyn (New York), han dado un buen salto de calidad, pero no sería tan meritoria su buena labor en la actualidad sin antes haber pasado por la concepción de esta pequeña presentación en sociedad (antes hubo otra más discreta también editada en extended play, llamada 'Vampire with dreaming kids', que es asímismo una joyita) compuesta de seis temas que navegan entre la simpleza y el minimalismo, decantándose por un sonido dream-pop tan deudor de Cocteau Twins como afín a Beach House, añadiendo un pelín de riesgo a la hora de experimentar con las bases instrumentales (en ese sentido puede que estén más cerca de Ducktails, el proyecto paralelo del líder de Real Estate).

Eclécticos, elegantes, sugerentes y seductores, estos cortes entran directos al paladar dejando un buen sabor de boca, nos transportan a un ambiente etéreo y sosegado aunque lleno de energía, casi transparente, con una aureola melancólica ante la que es casi imposible no claudicar, así que me parece la banda sonora ideal para este sábado de clima respetuoso que hace pensar que el invierno no siempre es triste en lo que al aspecto paisajístico se refiere. Sin más dilación lanzo una oda en su favor para que disfrutéis de cada una de las canciones empezando por "The other side of your face", inicio fulgurante poniendo toda la carne en el asador en esa ensalada de múltiples aliños entre los que cabe destacar ese eficaz compendio entre teclados celestiales, ritmo batería reverberado, sintetizadores golosos, guitarras cristalinas y voz suavemente afable, mi favorita del disco por su precioso desarrollo creciente, "Lady daydream", ambientación afrancesada, heterogeneidad shoegaze y texto pasional, romántico y emocional, una delicia, "Milk & honey", afligida y psicodélica en su exposición vocal envuelta en tejidos épicos de osucra intención que quizás encajarían de forma idónea en el discurso de los inclasificables Deerhoof, "All around and away we go", con aires disco-setenteros y coros más propios de Stereolab con un deje en sus primeros segundos que encajaría como banda sonora de una película x (¿?) o cambiando de tercio, para limpiar la mente (¡!), en la 'Jackie Brown' de Tarantino acompañando alguna escena de temperamento femenino protagonizada por Pam Grier, en el resto de su recorrido, "Galaxy plateau", un dulce atrevimiento en el que dan rienda suelta a su inconformismo durante algo más de seis minutos de loops, y pedales de distorsión quemada, sin espacios para comunicarse con nada que no sea digital, y "Phenomenons", probablemente la pieza más bonita y popera del álbum, una preciosa despedida que endulza lo mostrado en su anterior desvarío. Twin Sister son Andrea Estella, Bryan Ujueta, Eric Cardona, Gabel D'Amico y Udbhav Gupt.

Y LA BAMBA

2011-11-24T14:53:00.001+01:00

LUPON (2010)

Cual filete de pechuga en la sartén, he estado todo el día con este disco vuelta y vuelta. Ha supuesto una autentica bocanada de aire fresco para mí en esta jornada rutinaria y como muestra de agradecimiento a mi alabada Sra. Esmiz (a la que a este paso voy acabar por desgastarle el nombre) que fue la responsable del hallazgo, pues me ha parecido una buena idea escribir lo que pienso de esta novel banda de Portland (Oregon) que llega apadrinada por nada menos y nada más que sus vecinos de The Decemberists, pues su guitarrista Chris Funk, se ha encargado de producir su debut y este segundo paso, no dejando de hablar maravillas de ellos en los medios a la mínima oportunidad que se le presenta.

Su sonido ha sido definido simplemente como folk, se ha dicho que incorporan elementos de la música tradicional mexicana (quizás influyen las raíces aztecas de su vocalista) y que no hacen ascos a esa deliciosa conexión fronteriza, pero no creo que su propuesta se base solo en eso, es más, considero que incluso se aleja algo de esa etiqueta que le han colgado. La cautivadora y añeja voz de su cantante Luz Elena, es suficiente motivo para tener en cuenta a este sexteto que si tuviera que comparar con alguien para que os hicierais una idea de por donde van, me costaría mucho, así que me limitaré a decir tan solo que puede que en su discoteca personal haya varios discos de gente tan dispar como Devendra Banhart, Dr.Dog, Kate Bush, Patti Smith, Feist o CocoRosie, Broken Social Scene, Lovers, Joanna Newsom, My Brightest Diamond o los propios The Decemberists.

Este álbum, musicalmente hablando, tiene un toque artesanal, construido a todo vapor, manteniendo la base de su fuerza en la voz a partir de una nube de guitarras y una percusión ensoñadora, ejercitando a menudo un bucle compositivo derivado en una cacofonía extraña, pero de alguna manera reconfortante, como si sus canciones llegaran flotando a través de un cuento de hadas, cuando se narra que los niños se pierden en el bosque y a punto de la desesperación aparece una luz de esperanza que les lleva a buen cobijo.

En fin que metáforas chichinabescas al margen, poco se necesita para que este disco conquiste. Abrir la mente, tumbaros en el sofá y dejar volar la imaginación con piezas como la inicial "Monster", con esa sensibilidad casi impercetible apagando el ambiente en los rincones melódicos de la magnifica cantante de Memford (Oregon), hija de inmigrantes mexicanos, que aquí se luce desde el principio masajeando las notas de una tonalidad apesadumbrada, secundada por ligeros matices que dan cándidez al resultado global, "November", ideal para estas fechas obviamente, lanzando una oda al optimismo otoñal con un deje instrumental que encajaría de fábula en los discos de Leslie Feiste junto a los canadienses Broken Social Scene o de sus compañeros de Apostle Of Hustle, con ese punto indie-rock tan propio de los canadienses, "Soy capitan", titulada en castellano pero interpretada en inglés, un corte dulce, suave y reposado que se refleja como la luna en el agua cuando relajas la mirada en el mar pensando en el mañana, "Crocodile eyes", que de tan vintage que suena nos traslada a otra época posiblemente gobernada por el soul, "Abducted", espléndida, mi favorita por el momento con esas guitarras místicas y ese estribillo que parece robado de la mente de Neko Case o Hope Sandoval, "Juniper", otra preciosidad atmosférica de espíritu lo-fi cubierta de una niebla conmovedora, y elevada a los altares por esos juegos vocales apoyados en un ritmo de batería tímido en ruido pero valiente y veloz en ejecución, "Winter's skin", que encajaría en el mensaje de Tarantella con ese deje mediterráneo que posee y esa oscuridad accesible que picotea en la música circense en clave de vals, "Fasting in San Francisco", simpática herencia sesentera no muy alejada de lo que hacen She & Him cuando prescinden un poco de las armonías edulcoradas a traición, y "Memories of a poor start", rasgando las cuerdas en distorsión cruda envolviendo en un tejido fino un texto maravilloso.

Una sorpresa mayúscula. Y La Bamba, este grupo de curioso nombre, está compuesto por Luz Elena Mendoza, Ben Meyercord, Mike Kitson, Eric Schrepel, Paul Cameron y Scott Magee.

ELBOW + HOWLING BELLS - SALA APOLO (BARCELONA) 20-11-11

2011-11-21T13:09:00.001+01:00

BUILD TO ROCKET BOYS (2011)

Reconozco que a veces puedo resultar un tipo poco creíble porque tal vez me paso de entusiasta, aunque en el fondo pienso que después de todo no tiene mucho sentido no serlo si eres tú quién elige lo que se publica en tu espacio, de hecho me parece algo cuestionable escribir sobre música solo para poner de vuelta y media algo ya que la mayoría de los que pasamos unas horas poniendo cosas en un blog se supone que somos meros aficionados que quieren compartir una pasión con más personas, así que qué sabremos nosotros lo que es el trabajo de los demás, especialmente de esos artistas que se ganan nuestra admiración o desprecio, pero que en todos los casos se dejan la piel en lo que hacen. Me refiero a que ya que vas a ponerte un rato frente al ordenador, pues que mejor que hablar de algo que te guste mucho en vez de dárselas de detractor y empezar a rajar de algo que a sabiendas de que no te acaba, no tiene ningún sentido dedicarle tiempo. Pero bueno, que voy por la tangente como siempre, todo esto viene a colación de que hoy me vais a permitir que sea todavía más benévolo de la cuenta, porque el concierto que vi ayer por la noche en la barcelonesa sala Apolo, fue prácticamente perfecto y no digo que lo fue del todo por una tontería tan grande como es la preferencia personal del repertorio, ya que a mí me faltó que tocaran "Fallen angel", la canción con la que les descubrí hace unos años por formar parte de la banda sonora de la película de Michael Winterbottom '9 Songs'.

Tras renunciar a acercarme a votar al colegio más cercano (si, si no miréis con esa cara que igual que es un derecho votar, también es no hacerlo y además, estaba tan convencido que iban a ganar los de la gaviota que me daba igual, de hecho siempre he considerado que son los mismos perros con distinto collar y que somos simples marionetas al servicio del poder económico) y pasar la tarde a risotada limpia viendo 'Resacón en Tailandia' (gran plan alternativo, os lo aseguro. Llamarme simplón si queréis, lo acepto de buen grado), quedé con la impagable Atticus Daughter's a eso de las siete y media para ir chino chano hasta la emblemática sala, y entrar de inmediato tras un rato de hacer el canelo en la cola equívocada. Nos habían respetado nuestro rincón (que en realidad es 'posesión' del incorruptible Víctor, así que habrá que pagarle alquiler) habitual en el que siempre se ve todo de maravilla. Menos de un cuarto de hora de espera y en el escenario los australianos Howling Bells, telonero de excepción que goza de gran popularidad en el Reino Unido a juzgar por lo que he leído y la reacción de un público mayoritariamente guiri, y dicho sea de paso, pasó algo desapercibido para el resto de asistentes que nos dedicamos a hablar como si estuviéramos comprando fruta en la parada del mercado que tiene en propiedad la Loli. No fue un mal bolo el suyo ni mucho menos, pero como acostumbra a pasar con los que abren cartel si no se conoce su repertorio en demasía, pues eso, que se pasa algo de ellos. Rock con un cierto deje a PJ Harvey y interpretando temas como "Charlatan", con esas guitarras stoner, "The wilderness" o "Live on", las cuales forman parte de su más reciente trabajo, "The loudest engine", editado este año y con muy buena acogida de crítica y seguidores. Bien mirado he de decir que eran una banda interesante, pues si hoy recuerdo lo que tocaron poniendo de fondos sus álbumes en el Spotify (que bien va este invento y que poco uso le doy, pardiez) es que cuanto menos son pegadizos. Vaya por delante también que su vocalista, Juanita Stein, está para llevarla a cenar, bailar, al cine o lo que haga falta. Muy hermosuela ella y además agradable en su trato con el público.

Un parón de algo menos de media hora y ya en escena Elbow, el plato fuerte de la noche tan esperado por todos. Simple y honesta puesta en escena la de la banda de Ramsbottom (Inglaterra). Ahí reside su encanto, en su sencillez y cercanía. Menudo carisma tiene Guy Garvey! esta de buen año el amigo, pero se mueve con soltura, no para de comunicarse con el público entre gestos cómplices y sonríe como un niño con zapatos nuevos, la cosa empieza bien. Ese fue mi primer pensamiento, luego no hice más que acrecentarlo. Sonaba "Birds", mi favorita del último con la que además se abre el álbum, un corte místico que no se desprende del tono oscuro y semi-sinfónico que ha reinado con los años su discurso. Desde ese instante mil anécdotas con el emblemático vocalista como protagonista, bebiendo cubatas con los que brindaba por el respetable, haciendo gala de su humor inglés comentando que le gustaba escuchar en sus conciertos como la gente guardaba silencio en los temas reposados, como se mostraba ruidosa en los más movidos y como le llamaban guapo de vez en cuando, una conversación con un niño de unos once o doce años que estaba subido a hombros de su padre, regalándole las baquetas tras dedicarle la canción y hacer que público coreara su nombre, además de decirle que esperaba que algún día tuviera su propia banda y que no fuera tan deleznable como la que estaba viendo (un tipo humilde), unas confesiones futbolísticas en las que expresó su poco aprecio por el Chelsea, momentos en los que explicaba de que trataban las canciones, demostrando su sensibilidad hablando de que cumplían veinte años en activo (con reunión y brindis del grupo alrededor del teclista para hacer la intro de un tema presidido por el champagne...o cava, mejor dicho) y que cerraban gira con ganas de volver a poner los pañales a los bebés y un sinfín de cosas por las que Elbow parecían amigos nuestros de toda la vida.

Y que decir del repertorio, menuda gozada. No faltó casi nada. Basado en su flamante nuevo álbum 'Build to rocket boys' y su penúltimo lanzamiento, con un pequeño receso para que sonara un corte de su ilustre 'Leaders of the free world', que para eso es el más popular que tienen, fueron cayendo, tras ese inicio que antes os comentaba, y sin orden (ahí siempre me pierdo, ya sabéis), "Starlings", maravillosa, mejor tocada imposible, "Ground for divorce", potente y compacta, haciendo vibrar al personal en el primer arraque eléctrico de la noche, "Neat little rows", otra que recuerdo de las más furtivas, "The night with always win", una delicia, suave, sutil, "Lippy kids", a mi juicio la dos más bellas de la noche con esos silbidos de la segunda y esa melodía intimista de la primera, "Mirroball", estupenda en su traslado al directo, "The river", tocada a solas entre el vocalista y el teclista, casi a capella y con una breve explicación del origen de la letra, dedicada a su río favorito y de paso preguntando que rio ilustre teníamos en la zona (decir que es el Llobregat, por muy cierto que sea duele si cabe la posibilidad de que lo vea, porque está más contaminado que el cielo de Manchester), "The bones of you", esa pieza que perfectamente podrían haber grabado Tindersticks con Fish al micrófono, que sonó soberbia, "Dear friends", tierna e íntima y dejando para el final "Open arms", rematadamente pop en su estilo, con esas cuerdas sonando atronadoras en un bello pizzicato (gracias por el tecnicismo) y todo el local entregado en cuerpo y alma al coreo, en el mejor instante del show, el recuerdo a su pasado con "Station approach", que a mi que soy ante todo un seguidor de sus olvidados inicios, me sentó de fábula, y como traca final "One like this", ese himno que puso todo patas arriba para darle la despedida más emotiva que recuerdo en años. Quizás fuera porque aquello estaba plagado de rubiales extranjeros engulle-cerveza pero su adiós estuvo protagonizado por miles de sonrisas que dejan claro que son unos salaos que disfrutan de lo que hacen...y nosotros más y encantado de ello.

THE MOOG

2011-11-20T12:53:00.001+01:00

SOLD FOR TOMORROW (2007)

Ya que me la trae totalmente al pairo quién leches gane las elecciones, pues hace tiempo que perdí la fe en esos mangantes que nos ponen al frente, y no pienso ni molestarme en rellanar la papeleta de marras, me vengo una vez más a escribir un poquito sobre música continuando la buena racha de entradas que llevo últimamente (por cantidad, no por calidad, que eso ya es otra historia que debéis juzgar vosotros). Me viene de gusto seguir con otra banda de las que aparecen en la serie de la que os hablaba ayer, así que me dispongo a ello de la mano de este cuarteto de Budapest (Hungria).

A menudo definidos como una copia exacta de The Strokes con alguna pincelada de The Hives, yo que creo que es un tanto injusto hablar de cualquier banda como una mera réplica, quiero defender la propuesta de estos muchachos, pues si bien es cierto que el discurso de los neoyorquinos y los suecos es un indiscutible punto de referencia a la hora de definir su sonido, considero que limitarlo a ello sería casi hasta indecente. Fueron el primer grupo de su país en firmar contrato con un sello estadounidense (MuSick) y bajo su amparo han grabado dos álbumes de estudio de los cuales este fue el primero.

Compañeros de pupitre en la escuela secundaria, comenzaron su andadura tocando versiones de Placebo, Nirvana y Led Zeppelin en un cochambroso local de ensayo hasta que llegados a la madurez decidieron probar suerte componiendo temas propios, mandando su maqueta a varias discográficos. Sonó la flauta pues en poco tiempo ya estaban en Seattle (Washington) grabando 'Sold fot tomorrow' con el ilustre productor Jack Endino a los mandos.

El resultado un disco rockero sobre el que planea el espíritu sesentero de The Beach Boys y The Beatles, el ritmo punk-rock setentero de Blondie o los Ramones más accesibles y el desenfado eléctrico de Mando Diao. Un disco interesante que no descubre la sopa de ajo pero que sienta de maravilla si te dejas enredar por sus tejidos de felicidad comprendidos en corte tan amenos como el inicial "Your sweet neck", radiantes guitarras, adrenalítico tempo y melodía subliminal acercándose por momentos a los Kaiser Chiefs de 'Employment', "Everybody wants", quizás la que guarda más similitudes con la banda de Julian Casablancas y compañía, sobretodo con su época primeriza cuando cautivaron con su puesta de largo, "I don't you want you now", muy ramoniana, de hecho me viene a la memoria aquel genial "Believe in miracles" perteneciente al formidable 'Brain drain' disco que por cierto fue el que más me gustaba de aquellos viejos zorros que revolucionaron el punk americano en su momento, "I like you", un tema precioso con una melodía muy cálida y optimista no exenta de ternura, "Never hide!", haciendo crujir el bajo en su comienzo al tiempo que aparece una línea repetitiva algo tiznada de pasión melancólica, "If i died", jugando con las polifonías a coro limpio con un teclado moog (como no! y más sabiendo que la popular marca les obsequió con uno como compensación de utilizar su nombre añadiendo un artículo delante) que brinda una atomósfera la mar de propicia, "Anyone", donde la grave voz se apodera de unos compases que flirtean con el vals de un modo introvertido, "Survive", mi favorita del lote por su enérgica definición y su estribillo poderoso, además de por ser la que más escuchada tengo a raíz de su aparición en el segundo capítulo de 'Shameless' (si, la serie con la que os he dado la paliza estos días), "Goodbye", elástica, saltarina, trotona, luminosa y fulgurante hasta conseguir que baile el menos pintado, y "Xanax youth", un corte largo que supera los siete minutos, dejando el asombro por ver que tan bien se desenvuelven con soltura en los desarrollos prolongados, aunque todo hay que decirlo, al final se sueltan la melena con dos minutos borrascosos de distorsión psicodélica, haciendo que los instrumentos crepiten.

Para pasar unos instantes de deleite sin prejuicios que impongan la comparación odiosa me parece un disco ilusionante así que os recomiendo probar a escucharlo con la mente abierta, los ojos bien abiertos y los oídos relajados. Tonyó Szabó, Gergő Dorozsmai, Ádi Bajor, Miguel György y Csabi Szabó son The Moog.

SAY HI TO YOUR MOM

2011-11-19T13:01:00.001+01:00

OOHS & AAHS (2009)

Ayer estuve casi todo el santo día con un dolor de cabeza de agárrate y no te menees, pero aún pude rascar algún momento de estar relajado en el sofá para poder ver algún capítulo de 'Shameless', esa serie que narra los vaivenes de una peculiar familia que reside en Chicago (Illinois), sobre la que os hablé hace unas semanas a razón de una entrada sobre los australianos The Vines. Reconozco estar enganchado a su historia y por ello voy degustando los episodios poco a poco, pero como ayer me estaba sentando bien verla, devoré un par sin pestañear. Lo más destacado aparte de las risas aseguradas y la crudeza de su ritmo es, como os dije en aquella ocasión en la que la nombré aquí por primera vez, la banda sonora, ya que puntualmente aparecen temas la mar de notables que ambientan escenas muy concretas viniendo como anillo al dedo.

Por ejemplo hay un final donde suena un corte de esta banda de Seattle (Washington), fundada por un muchacho de San Fernando Valley (California) en Brooklyn (New York), que me tiene prendado por completo. Aparece en esta obra, la sexta de sus siete entregas publicadas a día de hoy y es solo un punto más para valorar este proyecto en formato trío que de algún modo también se puede considerar como un trabajo en solitario, pues el californiano Eric Elbogen ha sido siempre el único miembro fijo encargándose él mismo de grabar todos los instrumentos y producir cada labor en su estudio casero. Indie-rock al uso con influencias dispares que van de Violent Femmes a The Beatles (más que nada porque han realizado sendas versiones de ambos grupos) pasando por una sonoridad que se sitúa a la misma altura de lo que ofrecen otros compañeros de generación como Nada Surf, Someone Still Loves You Boris Yeltsin, Oh No Oh My o los indietrónicos Her Space Holiday y Electric President.

Este onomatopéyico 'Oohs & aahs', es en mi humilde opinión, su mejor álbum, con una serie de melodías y estribillos muy bien adornados de teclados y líneas de guitarras adictivas y por eso me ha apetecido compartirlo hoy, del mismo modo que si el tiempo me lo permite, mañana escribiré sobre otra perla descubierta en esa gran serie, The Moog. De momento hago una reivindicación de las canciones que componen este penúltimo plástico de una grupo que dentro de lo poco popular que es, esconde una calidad sobrada de talento. Para muestra piezas como la inicial "Elouise", una manera sólida de abrir el artefacto con esos juegos vocales dóciles y con una finalidad pop entusiasta, "Hallie and Henry", un troteo simpático y pegadizo y un texto sentimental que va creciendo en emoción a medida que pasan los segundos, "Oh oh oh oh oh oh oh", con un ritmo sumamente rock en el sentido más clásico de la palabra, un corte que incita al movimiento con su sobriedad y su empaque técnico, uno de esos que si los escuchas mientras vas conduciendo te sientes como si fueras un rebelde sin causa a toda velocidad en una carretera sin luz a ninguna parte, "November was white, december was grey", esa preciosidad que me tiene loco de tanto tararear su armonía en mi cabeza y que aparece en la serie que os digo me tiene entregado, una canción lenta con unos sintetizadores evocadores de sentimiento nostálgico y con una letra que de tan sencilla nos hace quitarnos el sombrero por su eficacia, sin lugar a dudas su mejor composición y desde luego mi predilecta, "Dramatic irony", oscura tanto lírica como musicalmente, rápida, furtiva, indomable en su percepción de lo tétrico y desconocido, "Maurine", vuelta a la normalidad para ponerse cercanos de nuevo y algo románticos en el sentido tristón de la palabra, narrando una historia de desamor identificativa, con una base tímida pero enganchadiza, "One, two...one" excitación sonora con aplausos y deje ochentero, como una mezcla del "Close to me" de The Cure y el "Sporting life" de The Decemberists, que comienza como una melodía de danza de amapola que se oscurece rápidamente en un profundo sueño sin ajustar la marcha, "The stars just blink for us", una gozada de texto para un receso simple secundado por maracas, piano y sintetizadores alegres que dejan reverdecer la melancolía, y "Sallie's heart is stone", con un cierto reflejo del 'Where is my mind" en sus primeros compases, pero luego no dejan de ser un espejismo para derivar en un inquietud lenta y penetrante, ideal para despedir la faena.

Muy interesante de verdad. Say Hi To Your Mom estaba formado entonces por Eric Elbogen, Chris Egan III y Jeff Sheinkopf.

TOKYO POLICE CLUB

2011-11-18T14:11:00.001+01:00

CHAMP (2010)

Hasta hace escasos días no conocía a esta banda canadiense de Newmarket (Ontario) más que de oídas, pero tras varios días de intensas escuchas del que hasta hoy es su penúltimo disco (segundo en su haber), he llegado a la conclusión de que es uno de los grupos más frescos e inmediatos que he escuchado en los últimos tiempos de un modo creativo. No inventan nada nuevo, pero ni falta que hace. Su sonido tiene una afinidad con el indie-rock y el pop garagero a partes iguales, pero si por algo me gustan es porque les veo una influencia no precisamente descarada de mis añorados The Smashing Pumpkins que me ha sentado de maravilla recuperar aunque sea de esta forma tan sutil.

La voz me recuerda algo a la de Billy Corgan, pero además ese espíritu adolescente que tenían los de Chicago (Illinois) en sus comienzos, también se ve reflejado en las canciones de Tokyo Police Club. Sus inicios fueron lentos, bajo el nombre de Suburbia editaron alguna cosa pero que no pasó de la mera anécdota, hasta que con el tiempo sentaron las bases de este proyecto y sin conseguir un notable éxito fueron ganándose una reputación con el boca a boca y con la buena acogida del público en un festival acontecido en Montreal (Quebec) que les decidió a continuar pues entonces se planteaban dejarlo e ir cada uno por libre. Una serie de presencias en el famoso show de David Letterman, sumado a una pequeña aparición en la exitosa serie estadounidense 'Mujeres desesperadas', donde tenían un breve papel sonorizado en el que participaban en una escena que representaba un duelo de bandas musicales y en la que ellos actuaban bajo el nombre de Cold Splash, les dio el espaldarazo que necesitaban para poner su nombre en la escena.

Quizás el símil con la célebre banda grunge no sea justo más que para mí, así que os diré que además de esa fuente de inspiración, también tienen ecos en su propuesta de lo que hacen compañeros de generación como Two Door Cinema Club, Ra Ra Riot, Freelance Whales o Born Ruffians (de hecho existe un tema inédito en itunes, correspondiente a 'Champ', en el que colaboran estos últimos).

De este modo solo me queda convenceros de su valía animándoos a escuchar temas tan notables como "Favourite food", una apertura rompedora con la desgastada voz transmitiendo con sensible tino sobre una base suave y melódica apoyada por un leve rasgueo de guitarra y unos teclados algo electrónicos para después elevar el tono entre una fuerte y potente maraña rock empujada por unas baquetas inquietas que son pura épica, un corte que incluso podría acercarse por momentos a su paisanos de Broken Social Scene cruzados con los británicos Editors en ese desarrollo final donde los riffs cargan la maquinaria, "Favourite colour", más hooliganesca y gamberra en su estribillo, recordando a los en cierta manera a The 1990's, Surfer Blood o Los Campesinos más cercanos al post-punk de esta década, "Breakneck speed", sin lugar a la menor duda la mejor canción de la trayectoria del grupo en mi humilde opinión y una de mis favoritas de los últimos tiempos, una de esas piezas que puedes escuchar mil veces seguidas sin miedo a aborrecerla porque te saca toda la adrenalina del cuerpo, con esas notas hipnóticas y envolventes irresistibles y esa armonía tan fácil de corear, vamos, una delicia, muy nostálgica añadiría pues evoca toda la esencia de la escena alternativa de los 90's, "Wait up (boots of danger)", alegre y vitaminada como si de un croché power-pop se tratara, enarbolada por unos juegos vocales revitalizantes, "Bambi", donde destapan el tarro de las esencias digitales tirando de sintitizadores que encajarían como algo idóneo en los discos de Klaxons o mejor dicho en los temas más synth-pop de su compatriotas Stars, "End of a spark", imposible no imaginar como quedaría este corte en directo, pues suena compacto y férreo a la par que electrizante, "Big difference", vibrante, ágil, acelerada, más afín a Jimmy Eat World, Biffy Clyro o Lost Propehts y el hardcore melódico en general que a cualquier otra referencia que se les acahaca, y "Frankenstein", despedida a golpe de progresión instrumental que cierra un álbum que cuanto menos consigue el objetivo de hacernos rejuvenecer en la experiencia de disfrutarlo.

Otro hallazgo más que agradezco a mi pequeña solución lúminica que fue quién me los recomendo con su característico buen ojo a la hora de averigüar que me puede conquistar los oídos. David Monks, Greg Alsop, Josh Hook y Graham Wright forman Tokyo Police Club.

FANFARLO - SALA BIKINI (BARCELONA) 16/11/11

2011-11-17T14:41:00.001+01:00

RESERVOIR (2009)

Quizás esta vaya a ser la crónica de concierto más escueta que haya escrito en la historia de este blog (que pretencioso ha sonado esto, ni que este espacio fuera histórico, que melón que soy, más bien quiero decir lo más corto que he escrito en esta bitácora plomiza), pero la razón es que el evento tampoco dio para mucho. No obstante disfruté de la actuación de esta banda de Londres (Inglaterra) que venía a presentar (más bien adelantar, pues no verá la luz hasta febrero del año entrante) las canciones del que será su próximo trabajo 'Rooms filled with light', un disco que volverá a llevarles por los recovecos del Folk, el indie-rock y el post-punk, que a juzgar por lo escuchado ayer, superará casi con total probabilidad el listón impuesto por su antecesor 'Reservoir', un álbum en el que basaron obviamente el resto de su repertorio anoche. Fue un concierto magnífico que se sitúa como el segundo de una gira que incluye también fechas en Madrid, Cádiz y Toledo, lugares donde los madrileños Hola A Todo El Mundo abrirán fuego como teloneros a excepción de la Ciudad Condal donde no hubo presencia que abriera el show. Una pena en parte porque la banda elegida para el resto de la ruta suena más que bien, pero después de todo de lo que se trata es de empaparse del encanto del grupo estrella y por esa razón no me quejo, pues Fanfarlo cumplieron a la perfección en un bolo que constó de diecisiete canciones que ocuparon una hora y cuarto nuestros oídos, que por cierto no dejaron de enviar señales a nuestro cerebro para que activara el cuerpo para echar unos bailes. Muy bien lo pasamos (una vez más estuve acompañado de mi la impagable amiga Atticus, que siempre es una grata compañía, riendo hasta la saciedad con mis chorradas y esquivando con gracejo los perdigones alimentarios que disparé a traición en el suculento bocata de chistorra que me metí entre pecho y espalda al acabar el directo). Puntualidad poco inglesa por mi parte, un paréntesis para echar una caña devorando unas bravas y para adentro...

Presentación de la banda por parte de un speaker (una de las curiosidades de la sala es que siempre hacen eso) y al primer acorde ya vimos que ver algo en Bikini siempre tiene la garantía de que sonará excelente por la acústica del lugar. Comenzaron con el adelanto de su próximo plástico, la sensacional "Replicate", una canción que recuerda muchísimo a Owen Pallett y para la que la teclista y violinista ocasional, Cathy Lucas (no estaba nada mal para ser británica la chica, todo hay que decirlo) se luciera a las cuerdas en uno de los pocos momentos que nos regaló con dicho instrumento (una pena, pues para ser un conciertazo le faltó un poco más de chicha en ese sentido). Tras ese comienzo fulgurante que nos puso ya en éxtasis, cayeron tres temas nuevos más de los cuales desconozco el nombre y a continuación "I'm a pilot", mi favorita del grupo y a la vez la mayor decepción de la noche, pues la versión que hicieron quedó algo pobre anteponiendo los teclados a los violines haciendo que se resistiera el tema, perdiendo esa épica característica tan afín a Arcade Fire a diferencia de como suena en estudio. Aún con todo remontaron a mitad porque ese estribillo es tan emocional (quizás recuerde la esa parte a Beirut también) que es imposible resistirse a él tenga el fondo que tenga, y tras ese 'momentum', fueron cayendo una tras otra piezas viejas y nuevas como "Deconstruction", otra de las nuevas que han presentado en su página oficial, "Ghosts", que iluminó el local con su sensibilidad mientras la banda se desataba (dentro de unos parámetros, pues tampoco son muy movidos que digamos) cantando chico y chica al unísono, el bajista balanceando su instrumento con energía y sin perder la sonrisa y el teclista y batería dentro de su sobria presencia desbordando elegancia, destacando sobremanera ese duelo saxo-trompeta entre el cantante y el bigotudo sueco, "Luna", otro rato para recordar, quizás mi predilecto a la hora de recordar hoy lo acontecido, velocidad y solvencia en una pieza que abraza las sensaciones y que me encanto en su traslado al directo, "Comets", reposo y calma repleta de belleza, "Fire escape", que delicia de teclados madre mía!, cuanta sencillez elevada a gloria, "Drowning men", que tanto recuerda a Claps Your Hands Say Yeah! y por consiguiente a Talking Heads y en deuda con ellos Arcade Fire, pues insisto, de alguna manera en la música todo está relacionado, "Finish line", inmensa en su intimidad y sus polifonías, y cerrando con un bis con la celebrada "The walls are coming down", francamente bonita como fin de fiesta, provocando el coreo y la ovación sentida de un público que casi llenaba la famosa discoteca barecelonesa.

Resumiendo, una gran cita que sin llegar al extremo de lo inolvidable si nos hizo sonreír y salir con un más que grato sabor de boca. El disco de debut es una absoluta maravilla que pongo entre lo mejor que se publicó el año de su salida al mercado, pero la manera en la que trasladan esas canciones en vivo no le tiene nada que envidiar. Dejo ese álbum para que escuchéis tan loables piezas y como últimamente me gusta hacer dejo un par de enlaces: uno de la crítica que ha hecho hoy Atticus, como no podía ser de otra forma, mucho mejor y más resumida que esta (menos mal que he dicho al principio que ib a ser corta!), y el otro a un post que publicó el gran Silencekid en su formidable blog 'Mi paraguas sandinista', en el que da su valiosa opinión sobre 'Reservoir' y cuenta una interesante anécdota sobre la relación de estos muchachos con los islandeses Sigur Rós. Fanfarlo tras la marcha de su fundador Giles J.Davis, son un quinteto compuesto por Amos Memon, Cathy Lucas, Simon Balthazar, Leon Beckenham y Justin Finch.

http://melomaniasinremedio.blogspot.com/2011/11/replicate-fanfarlo.html

http://miparaguassandinista.blogspot.com/2009/11/fanfarlo-reservoir.html

OLD CANES

2011-11-15T14:13:00.001+01:00

EARLY MORNING HYMNS (2004)

Día feo donde los haya, hoy he seguido deleitándome con grupos asociados a los estilos en los que la crítica englobaba a Idaho, los protagonistas del post anterior a este que nos ocupa, pues como os dije el otro día resultan ideales para acompañar jornadas de manta y sofá. No obstante como todo en la música parece estar relacionado, tras acabar de degustar el disco de The Appleseed Cast que publiqué por aquí hace un largo tiempo, he cambiado de vertiente porque me ha venido de gusto seguir disfrutando de la voz de su líder, Christopher Crisci a través de su proyecto más reciente, Old Canes, el cual creó tras la temporal disolución de la honorable banda emocore.

Cambiando de tercio casi por completo, aquí da rienda suelta a su lado folk en los dos trabajos de estudio publicados hasta la fecha de los cuales quiero destacar este debut que salió al mercado cuando la separación de su primera banda estaba todavía en el alero. Mas bien se puede considerar este proyecto de Lawrence (Kansas) como un colectivo, pues sus miembros se reunen muy de vez en cuando para desconectar de sus formaciones principales e incluso a veces se habla de esto como una historia en solitario de Crisci con músicos que entran y salen. Una serie de actuaciones acústicas del barbudo compositor en una tienda ubicada en la zona donde reside para presentar temas que tenía escritos por casa, dio pie a que esto cogiera forma como una aventura en toda regla. Para este primer paso buscó un sonido lo-fi sin pérdida de calidad, inspirándose en las producciones de grandes bandas y artistas como Led Zeppelin, Bob Dylan y Jimi Hendrix (pero solo en el concepto de elaboración, no en sonoridad). Grabados en el estudio casero de Chris, estos 'himnos tempranos matinales' (o algo así) fueron concebidos prácticamente por él mismo sin ayudas, pues compuso las partes de guitarra, voz, banjo, harmónica, percusión y piano, pero otros instrumentos como la trompeta, el violonchelo, la batería o el saxofón fueron interpretados por el resto de sus compañeros elegidos para este divertimento derivado en un tratado goloso donde cada pieza tiene su propia identidad.

Echad un rato a esto y no os arrepentiréis pues entra del tirón y deja un grato sabor de boca, además si os gustan Neutral Milk Hotel debéis saber que es el grupo con el que más se les ha comparado. Basta con llevarse al interior lo que desprenden canciones tan bellas como "Blue Eleanor", un gran corte que pasa como un ciclón por la tradición americana dejando un sabor añejo en nuestras bocas que puede recordar a las pretensiones de Okkervil River o Lullaby For The Working Class con un toque irlandés en su estribillo sumamente atractivo, "Taxi on Vermont", fabulosa en su optimismo y su calor pegadizo, como si I'm From Barcelona dejaran el pop y su Suecia natal para recorrer los Estados Unidos de cabo a rabo buscando inspiración, en definitiva mi favorita del álbum por su condición de hit directo al corazón y su velocidad de banda sonora de trepidante road movie, "Both falling bright", con un registro vocal que recuerda por momentos el de Mr.E, líder de Eels y un fondo que podrían haber creado The Band en sus mejores años, "Life is grand", capricho intimista que se acerca a la luz con timidez bajo un envoltorio acústico precioso, "Early morning hymns", pista homónima que les sitúa en algún lugar entre Broken Family Band y The Rural Alberta Advantage, rápida, costumbrista y chispeante haciendo gala de su buena afinidad con el folk-rock atemporal, "Face it", o como sonaría The Tallest Man On Earth en una hipotética colaboración con Two Gallants, y "7th fret closer", sin lugar a la menor duda la canción más bonita del lote, recordando mucha a la emoción del pasado, dando paso a unos vientos que son pura magia y que despiden un trabajo magnifico.

Old Canes eran en esta puesta de largo, Chris Crisci (además de su labor en The Appleseed Cast, fudamental también su labor al frente de Hundred Hands), Jordan Geiger, Eric Verhar (ambos también en Minus Story), Nathan Richardson Jr. (miembro de Casket Lottery) , Kelsey Richardson (fundador de los recomendables Boys Life).

IDAHO

2011-11-12T15:24:00.002+01:00

WE WERE YOUNG AND NEEDED THE MONEY (2002)

Día triste, pues ir a un velatorio y un entierro no es plato de buen gusto para nadie, aunque sea alguien que no te afecta del mismo modo que lo haría un familiar directo o un amigo, pues es un drama verse en acontecimientos tan crudos, ver a las personas mas cercanas del fallecido afectadas y volver a recordar la relación que tenías con esa persona para acto seguido tener que asumir que nunca volverá. Muchas han sido las imágenes de la infancia que han venido a mi mente esta mañana al ir a tomar café a casa de la difunta junto a mis padres y mi tia. Allí nos han acompañado los hijos y nietos que han empezado a recordar anécdotas que yo conservaba intactas en la memoria, incluso puedo decir que muchas escenas permanecían en mi memoria a pesar de haberse dado cuando yo era un pedúgo que apenas había comenzado el parvulario.

Por todo ello, aunque no estoy hundido pues supongo que como acostumbra a decir todo el mundo 'es ley de vida' (ese tópico horrible que suelta todo el mundo cuando quién se va, como en el caso de hoy, está en plena vejez, como si estuviera justificado que nos tengamos que morir sin que nadie tarde en olvidar lo que ofrecimos en vida, como si el dolor en esas situaciones estuviera condicionado por el aspecto del cuerpo inerte. Que frívolo es el ser humano a veces), al llegar a casa cansado por haber dormido poco, solo he podido estirarme un rato en la cama y elegir un disco para momentos delicados, de angustia controlable, uno de esos álbumes que agradeces escuchar en estas situaciones porque sin ser del todo tristes si resultan idóneos para que la melancolia cale hondo a tus sentidos.

Idaho es la gran desconocida de aquel movimiento que se dio en llamar slowcore, sadcore o emocore (dependiendo de donde llegaba la información, pues ya sabéis de la miscelánea de las etiquetas) a la sombra de bandas imprescindibles como Codeine, Red House Painters, Bedhead, Sunny Day Real Estate, Seam, Early Day Miners, Rex y en otra línea estética Low, pero se convirtieron no obstante en una banda de culto dentro de aquel género lento nacido a principios de los noventa para ofrecer una alternativa al exceso grunge y la electrónica para estadios. Una fascinación emotiva que nos hace pensar en paisajes gélidos presididos por la nieve. Instigadores como todos ellos de la música triste contemporánea, estos muchachos de la cálida Los Angeles (California), lugar contradictorio para este tipo de sonidos, asumieron mejor que nadie su papel de antihéroes ejerciendo una resistencia moral contra la urgencia y la aceleración de la sociedad moderna a lo largo de una discografía basada en ocho trabajos de estudios, y continuando en activo tras cumplir veinte años de actividad con el reciente 'You were a dick', un flamante nuevo álbum que ha roto seis años de silencio pasando tal vez desapercibido para las masas pero no para sus más fieles seguidores. Comenzaron como dúo y hoy día se puede considerar un proyecto en solitario de su indiscutible líder Jeff Martin y de todo lo que han editado hasta ahora me ha apetecido mucho optar por publicar este recopilatorio de temas inéditos que compré en un cajón desastre de ofertas en una tienda ubicada dentro de un centro comercial.

No sabía casi nada de ello, solo por donde iban los tiros de su propuesta y el precio del cd era tan asequible que ni me lo pensé, además me sorprendió mucho que lo editara un sello barcelonés, Cydonia Records, en el que si no recuerdo mal estaban involucrados como cappos los interesantes Madee del hoy popular The New Raemon, que para mí han sido clave en mis últimas alegrías musicales pues les achaco parte de la 'culpa' en la presencia de los SDRE hace dos años en mi ciudad cunado ya me había resignado por completo al no verles en vivo jamás. En los créditos había adjunto un folleto promocional que explicaba la devoción que tenían por este grupo y aquello me contagió de esperanza al empezar a escuchar esta colección de diecisiete temas grabados entre el 93' y el 00', con solo dos pertecientes a alguno de sus álbumes (el resto eran descartes de gran nivel).

En fin, como allí decían, pequeños tesoros para sus intrépidos adeptos y una buena dosis de material para aquellos que quisieran iniciarse en los misterios de este proyecto. Para ser 'sobras' el disco suena compacto y formidable destacando sobre maneras cortes como "Social studies", que comienza con ese bajo peleón y la nostálgica voz de Martin recordando a la de Mark Kozelek y Mark Eitzel (muchas veces se les comparó con Red House Painters y American Music Club), con grillos de fondo para ponerle un tono nocturno a una canción ya de por sí dócil dentro de su densidad interior, "Teeth marks", más potente y escurridiza incorporando un piano que flirtea con el jazz unos segundos y una carga de pesadas guitarras, y donde se desgañita nuestro protagonista de hoy con fiereza desconsolada, "This day", una pieza que hará las delicias de todo el que en estos tiempos disfrute con The New Year, "Come over", mi favorita del lote por su contundencia tanto en el concepto como en la forma, una pieza que podría entrar perfectamente entre lo más granado del estilo si existiera un ranking de las mejores de su historia, "Shoulder back", profundidad de altos vuelos adaptada a la tristeza expuesta por el tono vocal con un estribillo ante el que es imposible no estremecerse, "Flat top", robusta, próxima incluso al hardcore convincente de mediados de la gran década indie-rock, haciendo crepitar la distorsión sobre una atmósfera reverberada en el ruido de la percusión, "A second chance", pura desnudez sentimental al servicio del oyente empático, muy en la línea de lo que ofrece Jeremy Enigk en sus discos en solitario, "Much closer now", cambio de registro en la voz para ponerse serio pero decidido a cambiar las costumbres que le asfixian, "Spiral", regreso a esos desarrollos en los que un punteo comanda la nave con soltura, "Stayin' out in front", u poco de luz entre las sombras para acercarse al pop sin perder compostura y facilitando el tarareo con una sonrisa dibujada en nuestras bocas, una pista que recordará posiblemente a Death Cab For Cutie en su cara más inocentona, "Traces", veloz, continuista porque se les reconoce de igual forma, pero significativa por el hecho de que demuestra que se adaptaban bien a la inmediatez, como también podemos percibir en esa excelente clausura con "Drown", maravillosa en su deuda con los primeros Peal Jam (aunque este simil es algo muy personal, quizás solo está en mi cabeza el parecido), cuanto menos en su base rítmica.

Un grupo que no por underground ha sido mejor, pero que reconforta saber que sigue en funcionamiento desde el anónimato. Idaho eran entonces Jeff Martin, John Berry, David Kendricks, Brian Kertanyan, Terry Borden, Mark Lewis y Dan Seta (vamos, quiero decir que todos ellos tocaron en este disco, pues la formación iba cambiando a cada álbum prácticamente).

PHOENIX

2011-11-11T14:44:00.001+01:00

IT'S NEVER BEEN LIKE THAT (2006)

Gran alegrón me he llevado esta mañana con las primeras confirmaciones de la próxima edición del festival Primavera Sound que se llevará a cabo a finales de Mayo en Barcelona. Todavía quedan infinidad de bandas por anunciar, pero los nombres de Björk, Yo La Tengo, Guided By Voices, Codeine, Jeff Mangum (que seguramente basará su repertorio en el discurso de su míticos Neutral Milk Hotel), Other Lives y Neon Indian, son lo suficientemente atractivos como para que la inversión ya sea de por sí rentable.

Por todo ello ha recorrido mi cuerpo durante el día una sensación refrescante, un aroma a concierto, ese acontecimiento que tanto me gusta disfrutar, el hecho de poder recuperar imágenes y sonidos memorables, y echando la vista atrás ha venido a mi memoria un instante puntual, que aunque no tenga mucho que ver con ninguna de esas bandas en lo esencial si lo tiene en lo fundamental, pues refleja lo que representa para mi ver un directo en el marco de un festival.

Ese capítulo tiene que ver con esta gran banda de Versailles (Francia), liderada por Thomas Mars, popular marido de la cineasta Sofia Coppola, que me dejó en la retina y el pabellón auditivo grabada para siempre su canción "Long distance call" en una época en la que no controlaba su discografía en absoluto, salvo por un corte que años antes había servido de fondo a una campaña publicataria de una compañía de telefonía móvil. No les había prestado atención y detenerme frente al escenario durante su bolo fue una gran decisión, pues desde entonces les tengo en un pedestal, sobretodo este disco, el tercero en su haber, que fue una bocanada de aire fresco para mí de ahí en adelante. Un grupo con mayúsculas, que tiene una propuesta que sin ser espectacular me parece la mar de elegante, cálida y estimulante, un indie-rock sencillo que a ratos se transfroma en power-pop, que tan bien deja llevarse al oído que resulta inevitable darle al play de nuevo en cuanto acabas de disfrutarlo, como en un bucle de entrega a su causa, el entretenimiento envuelto en brillo compositivo.

Con este álbum dieron el salto apropiado para que su mensaje llegara al gran público. Se fueron a grabarlo a Berlin (Alemania) y a continuación recorrieron Estados Unidos para presentarlo. Un puñado de buenas piezas y el éxito asegurado. Para dar fe de lo que digo que mejor que introducirse en la buenaventura de canciones como "Napoleon says", golpes de batería y melodía vacilona que progresa en un efecto envolvente, vitaminado y goloso, "Consolation pieces", en algún lugar entre los mejores The Strokes y los Bloc Party más prudentes, una algarabía cariñosa y complaciente para los buenos amantes del indie-pop saltarin, "Rally", estribillo adolescente que nos hace retroceder en el tiempo y hacernos volar sobre los sueños del pasado, cuando éramos inocentes en nuestros deseos, "Long distance call", la joya de la corona, esa armonía que parece que se apaga en un suspiro y que sin embargo nos enreda en su desenfado amable con un texto fantástico y un cambio enérgico en su parte media que la magnifica como un de esos cortes que sin saber del todo bien porque siempre te apetece escuchar, "One time too money", otra joyita, una de esas que te gustaría tener de fondo a una escena de ternura con la persona que te desvela por las noches apareciendo en tus ilusiones compartidas con la almohada, "Lost and found", engaño en su comienzo por ese destello reaggeton de la percusión y que a priori acaba siendo uno de los temas que más calan del lote y sirviendo de inconfundible muestra para adaptarse al devenir del álbum, "North", melancólica instrumental que libera tu mente en un viaje a ningún lugar concreto, solo a donde quieras permanecer, y "Second to none", magnifica despedida de aires festivos para un disco fenomenal.

Phoenix son Thomas Mars, Christian Mazzalai, Deck D'Arcy y Laurent Brancowitz.

MYSSOURI

2011-11-10T14:33:00.001+01:00

MALAMERICA (1999)

Ya sabéis que soy un adepto de los sonidos de raíz americana y más de los que van impregnados de esa capa de oscuridad que se ha dado en etiquetar como gothic-country, y como siempre que he dedicado espacio a este estilo las entradas correspondientes han tenido buena acogida pues no he podido remediar hacer balance de los que he traído hasta ahora en y decidirme ha hacer una lista con los que todavía no han tenido unas líneas en esta humilde bitácora. De ese modo he visto que me quedan muchos por compartir e incluso algunos han llegado a mí de la mano de alguno de vosotros, genios de la recomendación desinteresada, así que para seguir con la fórmula de optar por escribir sobre los originarios de la zona que tiene su mayor punto de inflexión para desarrollar estas propuestas, es decir, Denver (Colorado), alternando con otros que llegan desde otros puntos de la geografía yankee (aunque también los hay como Elliot Brood, Hyacinth House o Michael J.Sheehy que pisan fuerte desde Canadá, Suecia e Inglaterra, respectivamente).

En esta ocasión me ha seducido la idea de comentar mis impresiones sobre este gran cuarteto de Atlanta (Georgia) de cuyas cenizas surgió otra formación tan o más imprescindible para el género, Antic Clay (aunque bueno, en realidad es un proyecto en solitario del líder de Myssouri, Michael Bradley, aunque acompañado de numerosos músicos). La inconfundible voz de éste llevaba el peso de las canciones de esta banda, además de ese peculiar tono opaco en el conviven el blues, el soul añejo de la costa Oeste y la devoción por las bandas sonoras de los buenos westerns. Fuertes, místicos y bajo un prisma que roza el rock gótico de los 80's, así suenan los doce cortes que componen el que fue su disco debut (editaron tres durante su breve actividad).

Sin más dilación os recomiendo darle una escucha a canciones como esa instrumental intro homónima que da paso a la imponente "No one's ark", que en sus casi ocho minutos de duración expone todos los estados de ánimo de su discurso, desde su nerviosismo tempramental a su lado dócil pasando por el tormento y la fijación en la épica metálica de Black Sabbath, sin renunciar jamás a los postulados de la música de raíz, flirteando de igual modo con el rock progresivo de los 70's, "One comptent", con unas guitarras y un estribillo semi-medievales en su melodía, que atrapa al instante, recordando de igual modo a bandas como Christian Death, uno de los grandes nombres de lo que se dio en llamar gothic-rock hace tres décadas (y por que no decirlo, la línea de acordes me trae a la memoria a los Heroes Del Silencio de 'Senderos de traición'), "My eye", primer acercamiento a su idea conceptual de juntar lo fronterizo con lo tradicional de sus orígenes con una dosis de velocidad vertiginosa, "Hey John", receso a la buena digestión, pues es una pieza que puede gustar tanto a sus adeptos como a los que no comulgan con este tipo de sonidos, "Bindly", mi favorita del lote, una de esas que escuchándola en los auriculares por la calle imaginas cambiando a su paso cada escenario y convirtiendo la mundanal aglomeración en desierto, calor sofocante y aire quebradizo mientras al solo brillan tus espuelas, "Open mouth", demostración fehaciente de que también sabían ponerse reflexivos y reposados en tono acústico, acompañados por un sigiloso viento, "Deafd man's dish", machacona, férrea, arrastrando el riff distorsionado como solo sabía hacerlo Tony Iommi y poniendo pasión desconsolada a la historia como solo sabe hacerlo David Eugene Edwards al frente de Woven Hand, "Twilight horses", lejana a su mensaje, destello casi pop que encajaría en la discografía de Echo And The Bunnymen o Tindersticks (de hecho el propio Bradely citaba siempre a Stuart Staples como influencia, junto a Nick Cave, Ian Curtis, Leonard Cohen, Jim Morrison y Roger Waters) y "Fether in the grease", que podría pasar perfectamente por un buque insignia del slowcore.

Variedad y buen gusto para una banda tan poco reconocida como olvidada que un día formaron Michael Bradley, Cade Lewis, Chris Reeves y Mark Rogers.

EELS

2011-11-08T12:45:00.001+01:00

ELECTRO-SHOCK BLUES (1998)

Otra espina clavada en el blog era el no haber escrito sobre esta casi mítica banda (al menos en lo que a generacional se refiere) de Los Feliz (California) y hoy puedo esbozar una sonrisa por tener la excusa perfecta de hacerlo, empujado por el hecho de que uno de sus temas fue banda sonora de la estancia en Madrid a raíz de que sonó en todos los capítulos de la serie 'Que fue de Jorge Sanz?', una divertida comedia en la que se parodia la actual vida del olvidado actor icono del cine nacional de los 80's, y que vimos casi del tirón en casa de mi apreciada amiga Viola en este pasado puente. Ayer recordando esos momentos, caí en la cuenta de lo mucho que me han gustado siempre las aventuras musicales de Mr.E, y el tiempo que llevan acompañándome dando colorido al día a día.

Aquella irrupción en el panorama con su flamante debut 'Beautiful freak', me animó a seguir su trayectoria con discos venideros y en cuánto su siguiente paso, 'Electro-shock blues', salió al mercado, me bastaron unos segundos invertidos en ver el entrañable vídeo que presentaba su primer single para de un día para otro comprar este álbum sin necesidad de más escucha. Me pareció un disco distinto, que no apostaba tanto por un hit directo como en su momento lo fue 'Novocaine for the soul', pero que si que aportaba nuevas ideas, sin prescindir de las preciosas orquestaciones que siempre les han dado lustre, aunque dejando un atractivo regusto de esos que dejan los discos que no entran a la primera, que ganan con las escuchas, y así fue, pues en un principio me gustó sin llegar al entusiasmo y con el tiempo, quizás atraído de nuevo tras una tarde de cine viendo 'American beauty' y deleitarme con uno de los cortes que forman parte de este trabajo dando ritmo a una escena en la que se veía (si no recuerdo mal) a Annette Benning hacer ejercicio frente al televisor, volví a él para entregarme a su sonido. Era la continuación de su brillante debut y demostraron que iban contracorriente, sin titubeos dieron forma a una colección de canciones complicadas, impregnadas de dolor y humor ácido, salpicadas por los acontecimientos, pues en esos meses la vida de E, cayó en desgracia, pues su entorno más cercano se fue apagando poco a poco.

Su padre había fallecido unos quince años atrás y ya le rondaba la idea de escribir sobre el hecho de ser la única figura masculina de su familia tras la experiencia cosechada, desde la adolescencia a la madurez, pero el guión cambió en escaso tiempo al entrar en el estudio de grabación, pues unas semanas antes su hermana se había suicidado y a su madre le acababan de diagnosticar un cáncer terminal (murió durante la gira de promoción del disco, que lógicamente fue suspendida). A pesar de todo 'Electro-shock blues' trata sobre esos temas trágicos, y más allá de su oscuro trasfondo, intenta plasmar una actitud positiva ante la vida, dejando pinceladas de humor negro a lo largo y ancho de su minutaje. Eels pasó a ser enteramente un proyecto en solitario que a pesar de estar concebido en formato banda, en sus nueve obras de estudio editadas hasta la fecha, no ha repetido casi nunca formación. De todos modos el inclasificable artista se rodeó en esta ocasión de buenos amigos como suele hacer siempre y expresó a la perfección todo su sentir.

Indie-rock alternativo, mezclado con pop de cámara en clave lo-fi, así fue definido por muchos, pero yo prefiero decir simplemente que es un gran tratado musical a secas porque con genios como él, la cuestión traspasa las fronteras de la etiquetación. Dedicado e inspirado en las las tres puntas de su vida, o sea sus padres y su hermana, brillan en su minutaje canciones como "Elizabeth on the bathroom floor", incio suave con una guitarra apagada y su carismática voz, con unos teclados celestiales en su timidez con idílico fondo, con un texto extraído del diario personal de su difunta hermana, "Going to your funeral", divida en dos partes, la primera sombría y que va cogiendo luz a medida que avanza, uniendo los discursos de Tom Waits con Yo La Tengo, una preciosidad absoluta con reservas introvertidas, y la segunda, una maravilla instrumental que completa esa apertura lúcida llegando a abrir del todo el agujero cavado hacía la esperanza, "Cancer for the cure", esa hipnótica pieza sixtie de cubierta industrial que inquieta y que atrapa a su voz con el falsete brianwilsoniano de su repetitivo estribillo y que aparecía en el antes citado filme de Sam Mendes, "My descent into madness", como resistirse a esos violines y esos cascabeles, como si fuera un preludio navideño de camaradería hogareña al contrario de lo que transmite su letra, y ese estremecedor 'I'm a shit' con el que despide al final, muestra de su frustración total en los instantes de bajón personal, "3 speed", enésima perla dócil que acaricia las emociones para ponerlas a flor de piel desde el más puro minimalismo, dos acordes y unos teclados que rozan el dramatismo más tierno, "Hospital food", que perfectamente podrían haber compuesto Gomez, The Zutons o Calexico, flirteando con el jazz fusión y el con una letra francamente crítica e irónica, "Electro-shock blues", como si Moby se hubiera pasado por el estudio a aportar su granito de arena en la parte instrumental, "Efil's God", sensacional en todos los sentidos, una pieza ideal para acompañar ratos de tranquilidad y desconexión, "Last stop:this town", mi favorita ni que sea por que fue la primera que me llegó de este álbum y de la que como os decía antes posee un vídeo simpático donde los haya con una zanahoria como protagonista, una canción que rompe el molde de la calma para orientar su mensaje al rock alternativo de melodías impagables, "Baby genius", que sobra una base prestada del villancico 'O sanctissima', rinde tributo en su texto a su padre el Dr.Hugh Everett, el cual por cierto dedicó su vida a la física cuántica y se hizo popular por ser el primero en desarrollar la teoría de los universos paralelos, "Climbing to the moon", próxima a la música de raíz en algún lugar entre el folk y el pop, cálida y accesible, tal vez la que más del lote, "Ant farm", un deje sesentero que gustará a los que hayan llegado a ellos con sus últimos trabajos, una canción heredera de The Beatles, y no comento las tres últimas porque estoy viendo que me alargo más que los viajes psicotrópicos.

Una proeza musical en mi opinión, sin parangón ni comparación posible, por eso Eels siempre estarán en mis preferencias. Mark Oliver Everett y Jonathan 'Butch' Norton formaban Eels en aquellos días (técnicamente eran aún un dúo fijo, de hecho Butch estuvo hasta mediados de la pasada década en Eels, pero el peso compositivo lo llevó Mr.E), y Grant Lee Phillips, líder de Grant Lee Buffalo, la gran cantante Lisa Germano y el aclamado compositor T-Bone Burnett, Jon Brion de The Bats, Phartenon Huxley ex-miembro de Electric Light Orchestra, Elton Jones, Jim Jacobsen, Bill Liston, John Leftwich, Vollker Masthoff, Stuart Wylen y Cynthia Mirrell, echaron una mano para que esto fuera a buen puerto. También quiero hacer mención especial a las ilustraciones del álbum, en plan cómic incluyendo viñetas y dibujos, y con una portada tan simple como afable.

THE WHITE BUFFALO

2011-11-06T18:29:00.002+01:00

HOGTIED REVISITED (2009)

Ha sido peor el remedio que la enfermedad, la siesta tardana no me ha sentado muy bien y estoy todavía más congestionado, será cuestión que mañana vaya al veterinario a que me de algún tipo de analgésico. De todos modos me sigue apeteciendo escribir unas líneas sobre este formidable disco. The White Buffalo es el proyecto personal de Jake Smith, un tipo afincado en Los Angeles (California) que se ha dado a conocer más si cabe por la inclusión de varios de sus temas en la banda sonora de la serie estadounidense 'Sons of anarchy'. Este hecho hace justicia a un artista magnifico que por fin encuentra recompensa a su talento, con un folk acústico que bebe directamente de la Americana y que hará las delicias sobretodo de los que como un servidor, disfrutaron del debut en solitario de Eddie Vedder, líder de Pearl Jam, con el que guarda muchas similitudes tanto en el tono vocal como en su pasión por la música de raíz.

Le añadimos unas pinceladas de alt-country, el registro de Greg Brown y algo del sonido de Waylon Jennings, Ryan Adams, Wilco, Tom Waits, Townes Van Zandt, The Black Keys o Elliott Smith y el resultado es 'Hogtied revisited', una colección de doce canciones que componen su debut. Unas piezas cálidas que desbordan sencillez y que recomiendo con fervor a todo el que no haya llegado todavía a ellas. Quizás no sea el disco de vuestras vidas, pero a buen seguro disfrutaréis con su escucha. Aquí el imponente (es un armario el amigo) músico nativo de Southern California, ofrece desde sentidas baladas hasta canciones creadas para ser tocadas en cualquier ruidoso bar de carretera como los que podíamos ver en 'Corazón salvaje' mientras Jeff Bridges se bebía hasta el agua de los floreros, cantando con la honestidad y reflexión profunda mientras viaja por el camino en un trayecto salpicado de sentimientos encontrados. No sé si estoy en un error, pues poca es la información disponible sobre este proyecto en la red, pero intuyo que este es un disco que auto-editó hace unos siete u ocho años y que tuvo una remasterización como Dios manda hace escasamente dos, de todos modos poco importan esos detalles, pues aquí todo suena bien pulido e imagino que con esa voz tan portentosa poco importaba la calidad de ese primer boceto de la obra.

Un inicio fulgurante en su ejecución orquestada, tan propio de banda sonora, como si de una película ambientada en bosques frondosos se tratara (su título es esclarecedor) y la irrupción inmediata de su inseparable acústica para dar entrada a su fabulosa voz nos convencen al segundo de que estamos ante una gran labor, pues se nota la belleza en cada nota, compuestas con mimo e intimidad. Ese comienzo lleva por nombre, como he insinuado' "The woods" y a partir de ahí el hechizo se mantiene con pulso firme sin caer en la repetición, sin dejar de aportar nuevos horizontes, entre los que también sobresalen "Carnage", luminosa entre banjos y melodías silbadas, como un guiño romántico a Johnny Cash en clave western, "Damned", más dramática, con la garra y emoción pertinenetes para alzarse como el alma mater del lote, una autentica hermosura musical, cocida a fuego lento pero no exenta de energía, "Today's tomorrow", enésima muestra de sensibilidad en otro corte inmenso en cuanto a carga bucólica se refiere, "Bar in the beer", muy adecuada para pinchar en la jukebox de nuestras road movies imaginarias, "The madman", mi favorita (o al menos una de ellas), por su cambio de guión, yendo hacía otras vertientes más trepidantes, pues el ritmo es incasable y el mensaje rotundo, "Wrong", otra delicia, excitante y optimista donde su voz penetra en el corazón de las almas perdidas, "Hogtied like a rodeo", soberbia pista que junta a Pearl Jam con los Supersuckers más 'redneck', haciendo vibrar las guitarras y contando con un estribillo rabioso, y la ternura en forma de vals de la mano de "Hideous heart", una frágil despedida para tener muy en cuenta la evolución de este brillante grupo que completan Matt Lynott y Tommy Andrews.

BONNIE 'PRINCE' BILLY + EL HIJO - CASINO L'ALIANÇA POBLE NOU (BARCELONA) 28/10/11

2011-10-28T12:59:00.001+02:00

WOLFROY GOES TO TOWN (2011)

Dispongo de escasos minutos, pues dentro de un par de horas aproximadamente parto para Madrid, pero no he podido evitar el arrancar unos instantes a la ajetreada mañana que llevo, para sentarme a escribir unas breves líneas sobre las sensaciones que me produjo el concierto del gran Bonnie 'Prince' Billy de ayer noche en mi ciudad, que a la vuelta haré más extensas. No voy a comentar todavía las canciones, porque lo de ayer no se basó en un simple repertorio sino en una presencia. El bueno de Will Oldham, ofreció un set de dos horas y cinco minutos sin fisuras, con una banda de acompañamiento de autentico lujo, destacando la voz de la bellísima Angel Olsen (muy maciza estaba, las cosas como son) y la virtuosidad de Emmett Kelly a la guitarra, con una profesionalidad, un dramatismo y una elegancia suprema y dejando a todos satisfechos ante el que posiblemente ha sido el mejor concierto de la temporada. Un lugar idóneo como es el Casino L'Aliança que permitió que el genio bajara a cantar el último tema a dúo con su compañera de banda, un telonero solvente como fue El Hijo, que cumplió su labor con creces, y un fino sentido del humor que brilló en un anoche memorable. Posiblemente el indiscutible rey de la Americana del momento, porque no? esos gestos mezcla de Raphael, Chiquito de la Calzada y Charlot que nos entusiasmaron e hicieron sonreír, esas pedazo de "Black captain"y "I called you back", que enmudecieron el lugar (comentaré el resto de canciones el martes, lo prometo. Hoy no que me conozco, me lío y adiós puente, jeje), todo absolutamente todo fue mágico. Ni tan siquiera importó la hora y media de viaje que tuvimos que sufrir seguramente la mayoría de los que vivimos a desmano de la zona del Poblenou y que hasta tuvimos que soportar las inclemencias del tiempo. Y nada, que no me puedo alargar más, solo necesitaba expresar esto en esta crónica pobre que espero mejorar un pelín, ni que sea en extensión, el próximo día y en compensación os dejo lo que escribió ayer el maestro Sulo Resmes en su magistral bitácora 'Tres cagallons baix d'un piano' sobre su actuación en Valencia. Ni la he leído, pues la he visto desde el inicio de blogger, pero conociéndole doy fe de que será pasional e interesante (me ha bastado para querer recomendar con fervor que la leáis con esa desde hoy memorable frase con la que empieza '...yo me cortaría los dos por cantar como Will Oldham') como no puede ser de otra manera saliendo de las teclas de este hombre, así que al final de esto la dejo, junto con el último trabajo del artista de Louisville (Kentucky), que es como de costumbre, una absoluta delicia.

http://tcbup.blogspot.com/2011/10/un-tio-grande-ese-will-oldham.html

...bueno, como lo prometido es deuda y más vale tarde que nunca, de nuevo me siento frente a la pantalla, para completar esta escueta crónica, más ya por necesidad completista que por que la pueda querer leer alguien pasados tantos días, pero como llevo un fin de semana la mar de aburrido por culpa de una dichosa gripe que me he debido de traer de Madrid y que justo a explotado en los dos días de fiesta que tengo, que tiene narices, pardiez, pues ya de paso acabo esto y publico una nueva entrada sobre un disco que os quiero recomendar.

Todavía mantengo intactas las emociones y el recuerdo de aquel directo, así que además de hacer especial hincapié en lo que ya comenté al principio de este post cuando tenía frescas las ideas, me apetece destacar el set-list y las dotes del gran artista norteamericano como sorprendente figura artística. Saco a relucir sus dotes de actor (ha protagonizado varios filmes en su país), mostrándose entregado en todo momento a la causa del entretenimiento, haciéndonos tener la sensación de que nos miraba individualmente cundo se quedaba catatónico o arrancando en movimientos espasmódicos desternillantes, pero también erigiéndose en un buen compañero de banda en el trato con los suyos. Sonriente a ratos, cálido a la hora de hablar de su telonero en la gira (Abel de El Hijo) y sobre la ciudad, Will se sintió cómodo en la interactuación para permanecer más de dos horas sobre el escenario y terminar en el pasillo en loor de multitudes, desgranando clásicos como una ligeramente cambiada "Beast for thee", de su disco compartido con Matt Sweeney, "I don't belong to anyone", "After i made love to you", , Easy does it", "Teach me to bear you", "I see a darkness", "You want that picture", "Night noises", "Go folks, go", "Merciless and great", "Qual & dimplings", "Master and everyone", todas! todas sonaron fantásticas. Lo mejor sin duda esas dulces polifonías compartidas con Olsen y Kelly (también le acompañaron como integrantes de la banda, Ben Boye a los teclados y Danny Kielly al contrabajo) y su actitud cercana.

Para finalizar no quiero dejar pasar por alto el bolo que ofrecieron El Hijo para abrir la noche. Basando su repertorio básicamente en su más reciente trabajo 'Madrileña' con el atrevimiento de tocar un par o tres de temas inéditos que se supone formarán parte de su próximo álbum, dejaron caer piezas tan exquisitas como "Llama, carbón, nube, vapor", "A Belén", "El hada de los dulces", "Quebradizo y transparente", "1000 cometas", "Vals de los besos", "En medio del llano". En resumidas cuentas, una grata actuación que nos hizo sonreír como hace siempre Abel con sus canciones. Gran noche en definitiva. Ahora me voy a ver si duermo un poco que llevo un rato que me lloran los ojos como magdalenas. Si me levanto fuerte, por aquí seguiré para dedicar unas líneas al interesantísimo The White Buffalo.

LITTLE COMETS

2011-10-23T15:14:00.001+02:00

IN SEARCH OF ELUSIVE LITTLE COMETS (2008)

Mañana de Domingo plácida y relajada, como mandan los cánones. Poder estar toda la mañana estirado en el sofá tragando tele es muchas veces un placer y hoy de momento me estoy dedicando básicamente a eso, pues ayer me acosté a las tantas y me he levantado justo cuando empezaba el partido de baloncesto que suele ofrecer Esport 3, un aburrido Assignia Manresa-Gran Canaria que me estaba animando a salir del ostracismo para escribir una entrada acorde al mal tiempo,un disco oscuro que siguiera la línea musical de ayer con ese country oscuro que tanto me gusta, pero circunstancias de la vida he decidido cambiar el guión de toda la jugada en si, pues antes de mover el esqueleto he hecho un pequeño zapping y he cogido de milagro el principio de una de mis películas preferidas de mi niñez que ha sido programada de sopetón a causa de la suspensión del gran premio de motociclismo tras la trágica muerte del piloto italiano Marco Simoncelli.

Digo esto porque ver a esos dos ídolos de mi infancia que fueron Bud Spencer y Terence Hill, repartir mamporros al ritmo de una música pegadiza y festiva en 'Y si no, nos enfadamos' (rodada en Madrid para más inri) me ha cambiado el humor por completo, y no porque lo tuviera girado, sino porque me ha hecho soltar unas carcajadas en retrospectiva y me ha dado una dosis de felicidad que ha derivado en un baile al son del tema principal cuando salían los créditos para venirme aquí a sentarme y elegir un álbum muy distinto del que había pensado, (Uno de Myssouri que dejaré para el próximo día, por cierto).

Quizás sea rara la relación que hago entre este grupo de Jarrow (Inglaterra) y los filmes de aquellos dos entrañables actores italianos, pero no lo es tanto si os digo que las bandas sonoras de las correrías de estos señores fueron una inspiración futura para que me encantaran este tipo de propuestas alegres que te hacen olvidar los días claroscuros. Ritmos frenéticos, voces animadas que comunión y electricidad luminosa para una banda que os puede recordar y mucho a Vampire Weekend, Local Natives o Two Door Cinema Club. Una banda joven y prometedora que tuvo bastantes problemas con su discográfica y que por eso vio como tardaba mas de la cuenta en llegar la publicación de este trabajo, pero la espera mereció la pena por canciones tan efectivas como "Adultery", que desde el inicio nos indica que estamos ante una obra desenfadado cargado de humor irónico y fina excitación adolescente, con esas melodías sonrientes y esa instrumentación de influencia afro que deja espacio para el funk, el indie de talante disco y el pop ecléctico en una declaración fresca y divertida, "One night on October", todavía más jovial con aire ochentero y percusiones elásticas, "Joanna", balada efusiva y vitaminada que hubieran firmado con gusto Dexy's Midnight Runners en su día y que hubieran acogido con gusto The Rumble Strips en esta década, "Darling Alistair", que flirtea con las coordenadas de Yeasayer pero con su distintivo sello británico a la hora de desarrollarla, "Tricolour", sentida y emocional con unos cambios de rumbo desmadrados que sin embargo resultan la mar de apetitosos, "Post time", un tema redondo que va aumentando la potencia con velocidad de crucero, "Dancing song", que se puede añadir a semejante título? pues eso, nada, solo dejarse llevar y brincar sin vergüenza alguna disfrutando del momento musical que nos llevamos al oído, "Mathilda", otra rareza rítmica que sorprende por lo bien parada que sale y que invita a pensar en lo trepidantes que tienen que ser sus conciertos, y la suavidad de "Intelligent animals", un corte de despedida que pone la nota sobria y madura al disco.

Un descubrimiento mas que me hizo mi querida Sra.Esmiz (a sus pies alteza) y por lo que no podía dejar pasar un agradecimiento, pues siempre acierta conmigo. Little Comets son los hermanos Robert y Michael Coles, Matthew 'the cat' Hall y Mark Harle.

RYKARDA PARASOL

2011-10-22T13:26:00.002+02:00

OUR HEARTS FIRST MEET (2006)

Adentrémonos en el delicioso y seductor mundo de la música de raíz con tonalidades oscuras a través de esta espléndida artista de San Francisco (California) afincada en Texas (desconozco exactamente de que lugar del estado). Hacía meses que quería encontrar el momento apropiado para escribir sobre ella pues ha sido uno de los más interesantes hallazgos desde que tengo uso de razón y sé de buena tinta que a muchos de vosotros os gustará, sobretodo a todos aquellos que disfrutáis con bandas como The Denver Gentlemen, Sixteen Horsepower, Woven Hand, Slim Cessna Auto Club, Nick Cave o PJ Harvey, a mi modo de ver las cosas, sus mayores influencias, aunque rebuscando por la red sobre ella se pueden apuntar como referentes en palabras de su propia boca formaciones y artistas tan célebres como Johnny Cash, Afghan Wighs, The Black Heart Procession, Serge Gainsbourg, Edith Piaf, The Gun Club, The Velvet Underground y un largo etcétera para una propuesta que asímismo describe como 'Rock noir', una etiqueta que según dice no solo se limita a beber de la música, sino de las imágenes proyectadas por cineastas como David Lynch, Alfred Hitchcock, la poesía de Federico García Lorca, Christina Rossetti o Edgar Allan Poe o la fina pluma de William Faulkner, Jeffrey Eugenides o Daniel Defoe entre otros.

Un popurrí que aunque pueda parecer algo pretencioso y mastodóntico por la cantidad de nombres que posee, es perfecto para averiguar la esencia de su discurso, el cual destaca ante todo por su sensualidad, pues cubre de terciopelo cada una de las quince canciones que componen este debut largo, que vino precedido por la publicación de un Ep de siete canciones llamado 'Here she comes' (lo último que lanzó al mercado dista de dos años y llevaba por título 'For blood and wine').

Así pues sin más dilación os invito a llevaros al oído esta maravilla que tan pronto os sabrá cercana al blues como al country, el rock y el pop intimista de corte sobrio. La prueba en gemas preciosas como "Hanna Leah", que desde el primer segundo pone las cartas boca arriba con una guitarra que transmite serenidad y una coralidad estupenda que colma las expectativas de todos los citados anteriormente para indicar hacía donde va su mensaje, un pieza no carente de intensidad pero que calma nuestro poso interior, "Night on red river", mi favorita por su pulso rockero y su emocional acercamiento a Sixteen Horsepower, tanto que nos es imposible no imaginar a esta moza con los ojos en blanco interpretando esta brutal pista como si fuera el equivalente femenino de David Eugene Edwards, "Lullaby for blacktail", más próxima al alt-country místico de Gemma Ray con un violín canalizador de una melodía triste, un piano conmovedor y una guitarra acústica que llora desconsolada, "Weeding time", heredera de la seducción que en su día ofreció Mazzy Star, tan admirable por atractiva que la pondría a la altura de aquel mítico "Fade into you" de los de Hope Sandoval, pero también apegada al espíritu de Cowboy Junkies, desde mi humilde punto de vista, la canción más inspirada del álbum, "Candy gold", glorioso estribillo y ritmo que podría haber cogido prestado sin rubor de PJ Harvey, pues este tema encajaría en la discografía de la británica sin necesidad de calzador, "Arrival, a rival", magnifica en todos los sentidos, pues tiene las suficientes dotes para erigirse en una de las más potentes del disco con ese bajo carnoso y ese texto amparado en una instrumentación que roza la épica, "En route", otro corte que encajaría en el ideario de otra gran banda como son Tarantella, pues tiene ese toque pintoresco y desprejuiciado que tienen los de Denver (Colorado), "Weeding", donde pasa a convertirse en un heroína accesible componiendo un idóneo tratado country-pop de guitarras con slide que trasladan a la oscuridad de un desierto perdido en la onda de lo que ofreció Neko Case en sus comienzos, y la delicadísima "Janis, don't back", sublime despedida a piano que logra conmover en su homenaje encubierto a Janis Joplin con una letra de notable alto en cuanto a melancolía, que además mejora en su exposición por la dotada voz de esta inmejorable vocalista que se estuvo rodeada para la concepción de este trabajo por Nick Ott, Brian Gregory, Rachel Hoiem, Keven Tecon, Adam Aaronson, Greg Benitz, Jacob Fury y Anne Sullivan.

En este mes estará actuando en Polonia y Austria, que bien estaría que alguien le dijera que España no queda tan lejos...

PLACEBO

2011-10-18T12:16:00.001+02:00

WITHOUT YOU I'M NOTHING (1998)

Muchos años han pasado desde que este grupo afincado en Londres (Inglaterra) y formado por un sueco, un inglés y un estadounidense, nos entregara aquel genial disco homónimo de debut que contenía la impactante 'Nancy boy', pero recuerdo como si fuera ayer el golpe de efecto que supuso en un momento en el que el brit-pop pegaba sus últimos coletazos, el rock alternativo de melodías empalagosas reinaba y el grunge maduraba, en manos de Pearl Jam o Soundgarden, hacía algo serio. No me olvido de la primera vez que escuché hablar de ellos, como tampoco lo hago del impacto que causó su concierto del FIB de aquel mismo año y su breve pero intensa actuación como teloneros de U2, que estuvieron en boca de todos los medios habidos y por haber con el programa de la televisión catalana 'Sputnik', que fue donde los conocí.

Mucho se habló de su estética, la voz de su cantante y su ambigüedad, diciendo que iban a ser muy grandes e incluso hubo quién dijo que serían la versión modernizada de lo que hacía antaño David Bowie (de hecho el 'duque blanco' se declaro admirador de ellos). Al final las esperanzas, o mejor dicho las sandeces que se dijeron, quedaron en agua de borrajas como todo lo demás en esos tiempos de consumismo musical atroz. Aquel disco era bueno, así como gran parte de su discografía, pero su fama se fue diluyendo hasta caer en el ostracismo. En realidad desde mi humilde punto de vista nunca dejaron de ser una banda a tener en cuenta, pero en los dos últimos trabajos que han publicado se ha apagado algo su luz, quizás por lo difícil de seguir construyendo canciones con alma de himno, que era su principal virtud en el pasado, pero eso da igual, lo que quiero hacer hoy es reivindicar la valía del que fue su siguiente paso tras aquel aluvión de parabienes, pues creo que tuvo mucho mérito superar con creces lo mostrado en su primer largo cuando si echamos la vista atrás nos pueden venir a la memoria infinidad de grupos que se estrellaron con estrépito a la hora de afrontar ese reto tan grande que es poner más alto el listón con el segundo asalto. 'Without you i'm nothing', tenía un buen puñado de temas convincente, rabiosos, nerviosos, acelerados y técnicos, con un imaginario genuino que tenía alma de revival post-punk, pero también de math-rock (espero que esto no suene a sacrilegio para los seguidores de dicho estilo) y a todas luces de rock sin concesiones. Con la voz inconfundible del excéntrico Molko, poseedor de un registro que odias o amas sin término medio, Placebo crearon donde canciones excitantes, sobrias, a ratos pausadas, pero con su manual de estilo bien definido, con las guitarras abrumando, consagrándose definitivamente en la escena musical independiente.

Un trabajo óptimo en el que podemos toparnos con temas tan atractivos como "Pure morning", mi favorito del lote con ese ritmo contundente de batería que decora un riff rasgado, un corte eficaz a más no poder, pues junta un estribillo repetitivo con una armonía continuista, sinónimo de éxito, y para el que filmaron un videoclip muy elaborado que solo hacía que sumar al cebo que habían preparado para captar adeptos (con el añadido de estar envuelto en la polémica, pues fue acusado por las autoridades pertinentes de hacer apología del suicidio. Todo un 'obsequio' para quién quiera subir las ventas), "Brick shithouse", con esos destellos electrónicos que con el paso de los años han resultado imprescindibles en sus cinco siguientes trabajos, pero mostrando a la vez su cara más metálica, una pieza cercana al emocore y de la que pondría la mano en el fuego para asegurar que sus paisanos de My Vitriol (recomiendo a esta banda con fervor a todo el que no la haya escuchado y le guste este tipo de música. Aquí podéis encontrar sus dos lp's) se inspiraron en ella a la hora de formarse, "You don't care about us", sin duda la mejor canción del álbum, a medio camino de The Smashing Pumpkins y The Smiths, pues su melodía instrumental suena como un perfecto híbrido entre ambos, "Ask for answers", su deuda con el pop, un tema sencillo, íntimo y reconfortante, sin grandes alardes pero necesario para endulzar el mensaje anterior, "Wihtout you i'm nothing", probablemente una de las más flojas pero que cuenta con la colaboración del mismísimo David Bowie, aquí más 'camaleón' que nunca, pues apenas se le percibe y uno llega a pensar que estuvo escondido durante la grabación, vamos, la ley del mínimo esfuerzo con esos 'tic-tac' tontorrones, "Allergic (to thoughts of mother earth)", redonda, poderosa, otra maravilla, con un sonido de guitarras brillante y férreo, más un texto cubierto de atmósferas reverberadas, "The crawl", vuelta a la calma taciturna e hipnotizante, "Every me every you", retorno a la energía sin llegar al extremo pero con una base lo suficientemente densa como para que no se desvíe del objetivo escurridizo y turbador, "Summer's gone", luminosa dentro de sus posibilidades e intenciones, "Scared girls", intenso escarceo con el nu-metal, y "Burger queen", que en su exposición instrumental podría pasar por un tema post-rock de The Zephyrs o incluso si me apuráis de Explosions In The Sky, despidiendo la faena, tras algo más de diez minutos de silencio, con "Evil dildo", una pista oculta no acreditada que sin voz recupera el espíritu de The Smashing Pumpkins de nuevo, pues recuerda bastante a la época de 'Pisces iscariot'.

Placebo eran en aquellos últimos bandazos de siglo, Brian Molko, Stefan Osdal y Steve Hewitt.

EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN

2011-10-17T11:28:00.001+02:00

SILENCE IS SEXY (2000)

Pocas bandas se me antojan tan interesantes en cuanto a impacto y desarrollo de la vertiente musical como la que lideran estos señores de Berlín (Alemania). Con doce álbumes de estudio a sus espaldas (más cuatro Ep's) se puede considerar ya una formación de culto, distinta al resto y difícil de ajustar en una escena o estilo. Su sonido parte de una base industrial, electrónica y experimental, pero estos términos no pueden realmente describir su propuesta con exactitud. Una de sus características principales es el uso de instrumentos y ruidos que ellos mismos construyeron, acompañados de elementos tradicionales (de hecho a la única vertiente que se les ha asociado en sus más de treinta años de trayectoria es al movimiento dadaísta 'Die Geniale Dilletanten', que tenía el objetivo de revolucionar la escena musical usando sierras, taladros y demás herramientas para interpretar sus composiciones).

Mucho me fastidió que algún lumbrera los hiciera coincidir en horario con la final de la Champions League, durante el último festival Primavera Sound, pues me los tuve que perder (fútbol es fútbol que diría Boskov), porque por lo visto dieron un magnifico recital fieles a su espíritu iconoclasta y deliberadamente molesto desplegando hipnóticas y delirantes sinfonías de turbinas, sintetizadores, metales y maquinillas de afeitar. Su discurso, para quién no haya llegado todavía a ellos, se tiene que definir como muy complicado, poco digerible y denso, lento incluso, basado en lo tenebroso, más cerca de la intimidad de Leonard Cohen que del ruidismo de Throbbing Gristle, pero también más cercano al kraut-rock de Neu! y el rock industrial de Laibach que a la electrónica peculiar de Current 93 y el pop vanguardista de Tuxedomoon, pero cogiendo algo de todos ellos al fin y al cabo. 'Silence is sexy' fue su octavo trabajo de estudio y quizás el más célebre de su discografía sobretodo porque contiene ese gran corte que le da entrada, "Sabrina", donde encontramos las claves para que este ideario tan extraño y genuino nos atrape en una telaraña tejida por el encanto de lo brumoso, lo dificultoso y estrambótico, ese fondo extravagante y esa imagen que proyectan en sus vídeos (el clip que acompañaba a este single es de lo más místico), un pildorazo que nos deja en estado catatónico sin saber a ciencia cierta que tiene para que nos conquiste de esa forma, tal vez sea el ritmo tribal discreto que mantienen a lo largo de la canción o esa voz tan amplia de registros entre lo agridulce y lo poético de su líder Blixa Bargeld, un individuo sobrado de seductora apariencia que en su día formó parte de los The Bad Seeds de Nick Cave, el caso es que esto es solo el comienzo porque después llega la homónima "Silence is easy", aletargada, cercana al jazz con parones moribundos, idónea para disfrutarla con la mente en blanco para acoger toda su dilación y que terminan con un inesperado martilleo que deriva en un inocuo coreo de un falso público de directo aclamando su estribillo al son de unos aplausos progresivos que a su vez enlazan con unos aviones que dan pie junto a las percusiones caseras (esas que les han dado fama y que no sé a ciencia cierta con que están construidas) a que oigamos las primeras notas de "In circles", algo difícil de asumir, pues aquí el catastrofismo y la condensación hacen caer en el sosiego. Tras este inicio arrebatador, una lindeza bailable “Newtons gravitätlichkeit", recurriendo a su idioma materno y juntando su proceso con "Zampano" para ir expulsando con fuerza samplers electrónicos más propios de la EBM, ese estilo oscuro con denominación de origen germana, y lo que viene a continuación solo hace que sumar una atracción narcótica a nuestras almas con "Heaven is on honey", donde se permiten el lujo de rozar el corazón de Tom Waits arrimándose a su vera con un tono que es inequívocamente deudor, “Die befindlichkeit des landes", la más inquieta del lote, dando un salto hacía adelante para no retroceder en ningún momento mientras se espera un arranque que no llega sin resentirse a causa de ello, pero con un Blixa la mar de cómodo en estas lindes y con el bajo ejerciendo liderazgo, "Sonnenbarke", exquisita, con un giro que la hace accesible, pues su parte final va aumentando en claridad con un texto repetitivo anestesiante, "Musentango", un rayo de luz con sección de cuerda muy necesario para romper la hegemonía nebulosa, "Alles" que encajaría a la perfección como tema principal de alguna película de David Lynch por su robusta elegancia de tono opaco, "Dingsaller", soberbia pista que también tiene un aire de banda sonora con sus violonchelos y violines afilados, y "Pelikanol", la locura en toda la extensión de la palabra, dieciocho minutos de voces y efectos machacones que a mi personalmente me llevan a pensar en 'La semilla del diablo' en un recuerdo a los temores cinematográficos que tenía de pequeño.

En resumen una sonoridad que por poco descifrable puede resultar insufrible, pero que a un servidor le encanta. Blixa Bergeld, Jochen Arbeit (antes en la genial banda post-punk Die Haut), N.U.Unruh (también en los electrónicos Bombus), Alexander Hacke (ocasional colaborador de Terranova) y Rudolph Moser (quién coincidió en Die Haut con Arbeit), forman Einstürzende Neubauten.

THE VINES

2011-10-16T14:46:00.001+02:00

HIGHLY EVOLVED (2002)

Devoradas fervientemente en estos tiempos 'Eastbound & Down', 'The Wire', 'Californication', 'True Blood', 'Deadwood' y 'Trailer Park Boys', a raíz de esta reciente afición que he cogido por las series americanas, he empezado a seguir en los últimos días una que se llama 'Shameless' (una fiel adaptación de la original británica del mismo nombre e igual de atrayente, cruda, divertida y emotiva) y que recomiendo a todas luces para todo aquel que disfrute con lo sórdido, lo políticamente incorrecto y sobretodo con ese pedazo de actor que responde al nombre de William H.Macy, al cual, como diría Troy McClure 'seguramente le recordaréis de otros títulos como' las cinematográficas 'Fargo', 'The cooler', 'Pleasantville' o 'Magnolia', entre otras.

Pues bien, además de lo interesante que puede resultar de un modo visual vale la pena destacar también su banda sonora, plagada de buenas canciones de distintas épocas que te van sorprendiendo en cada capítulo, y así fue como ayer recuperé para mi memoria a esta inconsistente banda de Sydney (Australia), que tan fuerte irrumpió en la escena alternativa de la pasada década formando junto a The Strokes, Black Rebel Motorcycle Club y The White Stripes las grandes esperanzas del rock, para quedarse todo en agua de borrajas con el tiempo a través de una serie de álbumes que nunca cumplieron las expectativas. Poco importa lo que vino después de 'Highly evolved', pues mucho se resintió su sonido a causa de los problemas de salud de su vocalista (se le diagnosticó síndrome de Alsperger, una forma de autismo, detectable en la persona por conductas obsesivas y antisociales) y de la falta de inspiración suficiente como para superar lo ofrecido en este excelente debut.

Pegaron un golpe en la mesa y se sacaron de la manga doce canciones que al con el tiempo supusieron una maldita losa para el grupo, pero que les quiten lo bailado, con aquellos dos singles de presentación que imagino todos recordaréis pusieron su nombre en el mapa y mucha gente cayó en las garras de ese sofisticado gancho nirvanero que mezclaba sonido garagero con grunge y multitud de estilos en su global. Sin mucho afán de protagonismo firmaron por una multinacional (Capitol records) y les valió para lograr una inyección económica que les permitió grabar en Hollywood (California) y contar con los servicios de Rob Schanpf (un tipo que había trabajado con Foo Fighters, Beck y Elliott Smith) en las labores de producción. Todo lo demás fue coser y cantar. Una obra exquisita, llena de nervio pero con momentos tranquilos maquillados con temas como el inicial homónimo "Highly envolved", muy breve pero muy clarividente a la hora de enseñar sus dotes artísticas y sus influencias, pulso rockero, voces agresivas y riffs afilados sobre percusiones lascivas y sangrantes, "Autumn shade", giro radical que dejaba asombrado por su fácil desenvoltura en otros terrenos más orientados al pop, "Outtathaway", primer trallazo inmenso, uno de esos dos sencillos de los que hablaba antes, un tema robusto, gamberro y poderoso donde planea el espíritu de Kurt Cobain, "Sunshinin", otro curioso giro estilístico que mira al horizonte piscodélico de fácil digestión con unas guitarras potentes que no llegan nunca a abrasar y una melodía bien entonada que se torna salvaje en su parte intermedia, con algún elemento electrónico de fondo, una pieza que incluso puede recordar algo a The Dandy Warhols, "Homesick", que fue elegido como cuarto y último single del álbum en una gran decisión pues mostraba a los indecisos una nueva variante, la de su afinidad con The Beatles, pues nada tiene que ver con el sonido desgarrado de los demás, "Get free", sin ningún genero de dudas su más emblemático corte, pura esencia Nirvana, ruido nada escurridizo, atacando de frente y con conciencia en sus escasos dos minutos de energía asilvestrada, "Country yard", más próxima a Bush que a su más visible fuente de inspiración, como en un detalle cálido hacía los héroes del movimiento grunge que sabían adormecer su mensaje con letras sensibles y ritmos lentos, "Factory", una marcianada que tiene más que ver con Franz Ferdinad que con cualquier otra cosa, aunque en clave de humor con giros inesperados, y punteos reagge (¿?), "Ain't no room", una de esas canciones que te despiertan de un golpe, mi favorita por extraño que pueda parecer, pues reconozco que no es ni de largo la de más calidad, y como obsequio tontorrón y ya fuera del lote, pues he decidido añadirla por mi cuenta, una versión del 'Paint it black' de The Rolling Stones, que a mi me parece formidable, mucho más dura que la original, pero totalmente respetable.

Un gran disco de esta olvidada formación que extrajo su nombre de la banda que tenía entonces el padre de su cantante, la cual se dedicaba a hacer versiones de Elvis Pressley. The Vines eran por aquel entonces Craig Nichols, Patrick Matthews, Victor Indrizzo y Dave Oliffe, que contaron además con la ayuda de Joey Waronker (para quién no ha trabajo este hombre!!?...R.E.M. The Smashing Pumpkins, Beck, Elliott Smith...), Pete Thomas y Roger Joseph Manning Jr.

CHARLEMAGNE

2011-10-15T14:17:00.001+02:00

CHARLEMAGNE (2004)

No pondría impedimentos a la intención de que alguien querido me regalara algo lujoso, obviamente siempre y cuando estuviera forrado de dinero, pues a nadie le amarga un dulce, incluso es más, lo aceptaría de cualquiera, para que nos vamos a engañar, pero si algo me hace ilusión en esta vida es que alguien importante para mí tenga un detalle que tal vez para alguien sea ínfimo, pero para mí es enorme. De esa manera llegó a mis manos este debut de la banda que montó Carl Johns tras disolver Noahjohn, por obra y gracia de mi idolatrada Sra.Esmiz, que aliviando mis penurias por no encontrar nunca material de esta banda y porque no decirlo, supliendo con creces mi desidia e ineptitud para buscarme la vida con la adquisición lucrativa de música en la red, se aventuró a comprar cada una de las pistas de este álbum para darme una alegría.

Tenía tantas ganas de tener algo de esta gente que llevo degustando esta obra con la misma intensidad que el primer día, supongo que por el valor sentimental que conlleva el hecho de que diera con ella de ese modo, pues tampoco se puede decir que sea algo imprescindible (aunque a mi me gusta muchísimo), ni tan siquiera creo que pase para muchos de la mera anécdota que este hombre haya cosechado la misma fama con este proyecto que con el anterior que lideró en su día, pues sé que ambos son sumamente desconocidos, motivo por el cual me animo a preguntar a todo el que lea esto y quiera contestarme por aquí, que si os parecería mejor ahora que no actualizo el blog tan a menudo que optara por postear discos que todos hemos escuchado o que me decante por rarezas poco reconocidas como ésta.

En fin, dilemas, dimes y diretes al margen , la cuestión es que Charlemagne es un grupo sin apenas repercusión fuera de su Madison (Wisconsin) natal, pero su valía esta fuera de toda duda, con el carisma de Johns al frente y una serie de músicos notables alrededor, sin alejarse en demasía de lo que se podía escuchar en los tres discos editados por Noahjohn (cuatro sin contamos el compartido con el inclasificable gurú del bluegrass piscodélico, Eugene Chadbourne), pero endulzando un poco más su discurso para sacar el lado pop a ese brillante indie-rock de finalidad alt-country abrumado por la magnifica voz de su líder.

Tres discos de estudio han visto la luz hasta el momento y este fue el que les presentó en sociedad, compuesto por once lustrosos temas que sientan de fábula al pabellón auditivo, comenzando con una brevísima intro que emula una fiesta sorpresa entre alaridos para dar paso a la exquisita "Prisioner of", de ritmo lento con destellos country, ideal para esos trayectos matinales para dirigirse al curro, cuando los párpados pesan todavía a causa del madrugón y uno necesita activarse poco a poco, vamos que con ese título pocas palabras bastan para confirmar lo que digo, "Two steps ahead", mi predilecta del lote, con esa melodía tan seductora y esa base tan consistente y endiabladamente confortable que a mitad es acompañada por unas palmas que le dan un formidable toque sixtie derivado en diversión vital, "In absentia", vuelta a la nocturnidad, con poso ralentizado y tristón, encogiendo las emociones para hacerlas entrar en el cofre dorado de los buenos recuerdos melancólicos, "Dawn upon", una verdadera preciosidad, rápida, ágil, sin duda la mejor del álbum, una gema pop cubierta de ingredientes ajenos que la hacen fundamental para entender su ideario, "August evening", vuelta al reposo para acercase, seguro que no pretendidamente, a aquellos Brad que lideraba Stone Gossard, guitarrista de Pearl Jam, un corte limpio, sincero e intimista, "Holland Daisy", una pieza que bien podría ser un hit potencial con esos silbidos que recuerdan a Edward Sharpe & The Magnetic Zeros y ese estribillo que da la impresión de ir apagándose dentro de su desarrollo, utilizando la misma fórmula que en el resto del minutaje, es decir acústica y guitarras bajas, golpes Casio, y la voz sin esfuerzo cantado sobre la angustia, la pérdida y la desesperación, un efecto primordial que le da un sonido distintivo, original, eficaz y convincente al que suma la influencia de Uncle Tupelo y Richard Buckner, "How could he", una pista que bien podría estar firmada por los primeros Wilco o Fountains Of Wayne en su máximo esplendor, y la férrea despedida angustiosa que supone "Portrait with no shortage history", comatosa entre atmósferas para dar la razón a quién, como yo, quiera describir este trabajo como un ejercicio pop con botas de vaquero.

En uno de los pocos escritos que leí sobre el disco en su momento alguien decía que hubiera sido una gran respuesta underground al 'Mutations' de Beck pero tuvo tan poca promoción que nunca pudo aspirar a ello, y puede que sea verdad, pero que más da, la única conclusión que saco es que es uno de esos ratos musicales que sin saber muy bien porque te llenan de paz y que querrías que todo el mundo sintiera lo mismo al escucharlo. Grabaron esta puesta de largo, el cerebro Carl 'Charelmagne' Johns, William 'The Equalizer' Borowski, Kaleen 'Katydid' Enke, Tenaya 'Ladybird' Darlington, Alex 'A12' Fulton, Curtis 'The arty bastard' Whaley, Brandon 'Kid B' Schreiner, Dietrich 'Titrich' Gosser e Ivan 'Klipstein, como podéis observar, firmaron con pseudónimos.

THURSTON MOORE

2011-10-12T16:05:00.002+02:00

TREES OUTSIDE THE ACADEMY (2007)

Vamos con algo grande en su discreción, ya que me ha dado la idea el gran Carlos (responsable del formidable blog 'Discos pensados') a colación de un comentario en el que me recomendaba inyectarme un poco de adrenalina Sonic Youth para aumentar las energías. Sabio consejo, por eso ando inmerso hoy en la escucha de todo lo relacionado con esa gran banda neoyorquina y llegados a este punto en el que he vuelto a degustar gran parte de su discografía, he acabado por pedir un paréntesis al ruido para disfrutar del segundo largo en solitario de su guitarrista Thurston Moore. Un nuevo disco que rompía una sequía en dicho formato desde que a mediados de los 90's publicará su debut 'Psychic hearts'.

Mi buen colega Viktor me facilito la adquisición de este genial disco que se aleja de los postulados habituales de su banda madre en beneficio de un sonido acústico, limpio, sensible y ligeramente orquestado, en la onda de lo que más recientemente ha sacado al mercado J.Mascis de Dinosaur Jr. quién por cierto colabora en este álbum tanto en faceta de músico como de productor, de hecho fue en el estudio que éste tiene en propiedad en su querida Amherst (Massachusetts) donde se gestó esta colección de canciones, precisamente. El maestro de Coral Gables (Florida), desnuda su alma en unos temas cargados de tensión con leves arrebatos de distorsión, bellos juegos vocales junto a una cantante femenina y esos violines sedentarios que cubren de elegancia el mensaje.

La cosa comienza con "Frozen gtr", una certera pieza que le lleva a explorar en los registros de Lou Reed en la manera de entonar, pero que se aproxima más a un Bob Mould al uso en el resultado global, Instrumentación bien avenida, mezcla precisa y melodía coherente para un soberbio inicio que tiene su continuidad con la excelente "The shape is in a trance", cercana a sus Sonic Youth, quizá en la línea de lo ofrecido en 'Murray street', un pulso atemporal impregnado de belleza electroacústica que elegiría como mi favorita del lote si no fuera porque aquí todo está a la misma altura, "Honest James", semi-instrumental, que me lleva a pensar que el bueno de Mascis tomó apuntes de lo que aquí ofreció su amigo, puesto que esa delicadeza acústica que logra emocionar está muy presente como he dicho antes en su conmovedor 'Several shades of why', desde mi humilde punto de vista uno de los mejores discos del año, un corte que mantiene la firmeza en sus intenciones juntando unos acordes esperanzadores con un texto sombrío, "Silver blue", otra muestra más de su mundo interior, pues se abre en canal para mostrar cada una de sus emociones a la vez que las transmite con ese tono vocal inconfundible, recordando a ratos a David Pajo en sus discos sin compañía, "Fri/end", una joya alegre y vitaminada que le acerca al rock alternativo de carácter pop, más próxima a The Lemonheads o Yo La Tengo, "Wonderful witches + Language meanies", primitiva, garagera, punk-rockera y anárquica, un caramelo para los seguidores de Sebadoh que como un servidor se rinden ante cualquier atisbo de parecido razonable con las composiciones de Lou Barlow, "Never light", sencilla pero eficaz, una pista solvente en la que reposa unos instantes antes de coger carrerilla y disparar con la efímera "Free among noise friends", introducción ruidosa y psicótica para la inquietante "Trees outside academy", otra instrumental, que da título al disco con todo merecimiento, noble y definitoria, un resumen del manual de instrucciones de esta maquinaria técnica que se cierra con la concisa "Thurston #13", un spoken word improvisado que no pasa de ser una mera anécdota...o quizás si, vosotros lo veréis.

Thurston Moore estuvo ayudado en la batería por su compañero en Sonic Youth, Steve Shelley, el antes citado Joseph Mascis, John Moloney, Leslie Keffer, Gown, la tierna voz de Christina Carter y la estupenda violinista Samara Lubelski.

STORNOWAY

2011-10-08T17:02:00.001+02:00

BEACHCOMBER'S WINDOWSWILL (2010)

Entre mi maltrecha salud y la de tiempo que me consume el trabajo últimamente, tengo algo abandonado el blog. El hecho de haber posteado tan solo dos o tres discos esta semana lo corroboran y a pesar de que no parezca tan mala media, para mí si lo es teniendo en cuenta que antes publicaba uno al día y que este es mi pasatiempo favorito desde hace casi tres años, pero eso dentro de lo que cabe no es tan grave, pues lo que de verdad me carcome por dentro es que no aparezco prácticamente nada por ninguna de mis bitácoras favoritas, y es que ya no me refiero solo a que no comento, sino que es que ni tan siquiera saco tiempo para leerlas.

Me saca de quicio que cada vez que me siento a escribir me cueste horrores aguantar mas de una hora sentado sin que me duela la espalda, las cervicales o los riñones, pero peor me sienta tener que descartar la idea de pasar por vuestros magníficos blogs a charlar un rato en beneficio de este, por eso me estoy planteando organizarme mejor y aparcar un poco esta historia, para ir alternando funciones, porque para que nos vamos a engañar, lo que tiene este hobby de placentero es el que podamos intercambiar opiniones, contarnos anécdotas y darnos cuenta que no estamos solos en nuestros gustos y emociones. No digo cerrar el chiringuito, pero algo tengo que hacer para poder mantener la comunicación sin necesidad de que seáis vosotros (con impagable amabilidad), los que paséis por aquí a dejar vuestra impronta sin recibir nada a cambio, entonces la mejor opción es no actualizar tan a menudo, hacerlo como estos últimos días aún a sabiendas de que tal vez no sea necesario porque esto no se trata de tener en cuenta las cosas, imagino que a todos nos da igual y comprendemos las circunstancias del por que no siempre se puede dar nuestro punto de vista en cada post que publica un colega, pues todos sabemos que esto consume mucho tiempo y dependiendo de nuestras horas de ocio justo nos da para llevar al día nuestro rincón.

En fin, que menudo leño acabo de soltar, lo siento mucho, ya me centro con esta banda de Oxford (Inglaterra) que desde hacía días me apetecía destacar y que con la tontería de percatarme que los anteriores protagonistas (Ride), provenían de la misma ciudad he decidido poner hoy por aquí. Muy distintos en sonido a aquellos abanderados del shoegaze con los que comparten ciudad, Stornoway mantienen no obstante las señas de identidad de todo grupo inglés que se precie, con especial aprecio por el folk yel pop de actitud indie.

Uno más del montón, habré quién piense, pero no, estos jóvenes muchachos tienen algo que los hace distintos, uno escucha su álbum de debut y no puede evitar sonreír ante su marcado acento británico y sus melodías sutiles. No es una labor que vaya a pasar a la historia, pero notar ecos de Cosmic Rough Riders, Villagers, Noah And The Whale o Johnny Flynn en su música, amén de que el prestigioso sello 4AD les ofreciera un contrato discográfico, son sucesos contratados para aplaudir su propuesta, eso y canciones como "Zorbing", un inicio que puede recordar tanto a los últimos Herman Dune como a cualquier otra banda con cierta pasión por la armonia de los instrumentos de viento y los estribillos soleados, así como a los Dexy's Midnight Runners más bailables, "I saw you blink", que comienza con un ligero aroma irlandés en su modo de cantar, hasta que entra la batería y su fondo nos enreda para mover los hombros con contagiosa afinidad y una amalgama compuesta por órgano, guitarras saltarinas, un bajo punzante y una atmósfera festiva nos llevan al divertimento irremediable, con un estribillo que encajaría en los viejos discos de Levellers, "Fuel up", cercana a The Wave Pictures cuando estos deciden calmar su discurso y conquistar almas perdidas, "The coldharbour road", preciosa canción que en sus primeros segundos se muestra reposada al son de un violín de tono triste para luego acelerar al compás de las cuerdas con sigiloso empaque, "Boats and trains", todavía dentro de un pulso lento, piano dando entrada al interesante texto y cambios de rumbo a mitad que la hacen excitante, "We are the battery human", que recuerda mucho a un tema del australiano Xavier Rudd llamado "Messages", perteneciente al genial 'Food in the belly', aunque se aproxima mucho también a la música de raíz americana en general, "Watching comes", una pieza colorida la mar de trepidante que rompe con el global para encaramarse en lo alto de los influenciados por Lou Reed y el glam de Bowie cuando no se iba hacía derroteros lacrimógenos, pero eso solo en el primer minuto, puesto que después se erige en una mezcla rotunda(y quizás inimaginable) entre T-Rex y los Blitzen Trapper de 'Furr', "The end of the movie", portentosa desnudez sentimental abordada con acústicas y sección de cuerda, y "Long distance lullaby", redoblando las campanas para anunciar una despedida sentida con las trompetas allanando el camino para acabar con la pesadumbre de dejar de disfrutar por el momento de esta notable obra... al menos hasta volver a dar al play.

Stornoway, nombre que extrajeron de una ciudad escocesa situada en la Isla de Lewis, son Brian Briggs, Jonathan Ouin, Oli Steadman, Rob Steadman, Adam Briggs y Rahul Satija.

RIDE

2011-10-06T11:48:00.001+02:00

GOING BLANK AGAIN (1992)

Esta vez me ha costado horrores elegir que trabajo poner de esta banda. Sé que siempre digo lo mismo cuando publico un disco de un grupo que se encuentra entre mis predilectos, con algo de trayectoria a sus espaldas y con cierto reconocimiento, pero es que es verdad. En esta ocasión he dudado tanto que a punto he estado de escoger una recopilación (OX4_The Best Of Ride) para poner tierra de por medio aún a sabiendas de estar yendo en contra de mi principal fobia. Finalmente he decidido tirar por el camino del medio y escribir sobre el segundo álbum, el más ilustre de este mítico cuarteto de Oxford (Inglaterra), y dejar para más adelante la posibilidad abierta de comentar sobre su antecesor 'Nowhere', con el que se presentaron en sociedad.

Si la última vez que pasé a dejar una entrada por aquí, quise transmitir la importancia de Primal Scream en aquel documental del sello Creation, y de paso dar cabida por fin en el blog a un grupo de los considerados 'grandes', en esta ocasión la razón tiene el mismo peso por ambas razones. Si los escoceses revolucionaron las escena indie-rock al fusionarla con su particular visión de la música de baile, Ride dieron una ligera vuelta de tuerca al entonces todavía embrionario movimiento shoegaze con su genialidad pop y su fijación por los sonidos clásicos.

Mientras la mayoría de sus coetáneos tenia la mirada puesta en el post-punk y el indie-pop oscuro británico de los 80's, ellos la tenían fija más allá, atrapados en su discoteca personal engalanando sus almas y oídos con obras de The Byrds, The Beach Boys, The Kinks, The Beatles y The Rolling Stones, pero el hecho de que allí tuviera también cabida la propuesta de bandas como The Smiths, Echo And The Bunnymen o The Stone Roses, hizo que su sonido cobrara una gran distinción que hacía harto complicado achacarles una referencia fundamental. Ellos tenían capacidad para sonar a sí mismos, en una reconversión de las coordenadas del rock y del pop habituales. Su discurso se erigió triunfal por tener un estilo de melodías muy sentimentales a la par que etéreas y melancólicas, guitarras muy distorsionadas con sonidos no armónicos y por la sencillez con la que mezclaban canciones muy enérgicas, bailables y rápidas, con otras más pacíficas y sosegadas, manteniendo el nivel sin que con eso resultaran sus discos un popurrí laureado de esos que cuesta digerir por demasiado abierto.

Se les considera a día de hoy, cuando se cumplen pronto quince años desde su separación, una influencia para varios grupos posteriores de mitad de los 90's y de la actualidad, ahora que parece que la vieja costumbre de crear música con multitud de pedales de efecto, está teniendo su resurgir, y no debe extrañar este dato si uno se lleva al paladar piezas tan redondas como "Leave them all behind", brutal comienzo con ese bajo carnoso y esa batería intensa, además de una línea de teclados como reminiscencias del "Baba O'Reilly" de The Who, que rompía de un plumazo la presión del temido síndrome de la dificultad de superar la frescura del primer largo, heredando de primeras todos los halagos de crítica y público de su antecesor con la maestría de sus ocho minutos de duración, "Twisterella", otro hit instantáneo que opta por variar de cuajo el mensaje yendo hacía terrenos luminosos, con un estribillo precioso y una calidez instrumental magnifica, un joya pop para nada recargada de distorsión, algo casi inédito dentro de su anterior plástico, "Not fazed", abrasiva en esas guitarras de corte ruidista y con una armonía adictiva respaldada por un órgano sixtie "Chrome waves", uno de los cortes más inspirados de su carrera con ese deje paradisiaco, celestial si se me apura, que se inicia con una destreza acústica que con el tiempo ha recuperado su líder, Mark Gardener para su labor en solitario, "Mouse trap", choque frontal con misticismo interior al manifestarse optimista y resplandeciente, con unos acordes saltarines y accesibles acompañados de un coreo interminable, al igual que la extraordinaria "Time of her time", fiel reflejo del buen pop que se cocía en la época en el corazón de las Islas, un corte pegadizo, inminente y conciso, que mereció llegar a lo alto de sus éxitos, puesto que suelen reconocerse sus méritos a través de otras canciones antes que esta, "Cool your boots", otra gustosa pista que irradia emoción con una batería atronadora que cabalga a a velocidad de vértigo junto a esos teclados discretos tan bellos, en la que es mi favorita del lote, y "Ox4", ese genial tributo a la ciudad que les vio nacer y que nos deja boquiabiertos en su melosidad dream pop, haciendo que el nombre de la etiqueta tenga más sentido que nunca.

Un disco majestuoso que se comparó en su día con Teenage Fanclub por sus sugerentes retazos power-pop, pero que también se definió como un perfecto eslabón para encontrar los pasos que hubieran dado King Crimson, New Order, Haircut One Hundred o los antes mencionados The Beach Boys y The Who, si hubieran experimentado con su sonido treinta años más tarde (de este modo se podía leer entre líneas que Ride fueron unos adelantados a su tiempo). Mark Gardener, Andy Bell, Laurence 'Loz' Colbert y Steve Queralt, continuaron en la industria inmersos en distintos proyectos, destacando la faceta en solitario del primero y la integración como bajista de Oasis del segundo. El nombre del disco era un sarcasmo contra los medios que les habían tildado de hacer una música vacía carente de alma (que insensatez!).

PRIMAL SCREAM

2011-10-03T13:40:00.001+02:00

SCREAMADELICA (1991)

Tenía como asignatura pendiente dedicar unas líneas a estos transgresores del indie-rock desde hace mucho y ayer la ocasión me la pintaron calva desde el 'Sputnik' de Canal 33 que dedicó un programa entero a un documental del sello Creation (lo pillé un poco empezado, pero en el teletexto vi que se llamaba 'Upside down'). Que magnifico repaso a todas las referencias que tuvo bajo su amparo la discográfica dirigida por el genial Alan McGee, intrépido revolucionario del rock alternativo en los 90's, en el que aparecen (al menos lo que vi en esa primera parte, ya que se supone que pronto darán el resto en una segunda a emitir sabe Dios cuando) los primeros pasos y la consecución del éxito por parte de formaciones tan ilustres como Ride, My Bloody Valentine, The Jesus And Mary Chain y Teenage Fanclub, de los que se hacía un gran repaso y que me hizo cerciorarme que dos de ellos todavía no habían tenido su espacio en mi humilde blog (que delito).

Cientos de anécdotas sobre el modo de grabación y la forma de asumir el reto de dar una nueva perspectiva del panorama musical de aquella época y entre todas ellas, la que más me chocó, la dedicada a esta gran banda de Glasgow (Escocia) capaz de mezclar la mayor herencia del rock clásico, con especial hincapié en su adoración por The Rolling Stone, con el dub y la electrónica en general. Como me parece que lo mas sensato es no destripar lo mostrado en ese viaje por la escena británica independiente a manos de la industria y simplemente recomendar a todo el que no lo haya visto ya, una rápida búsqueda del documental para verlo ipso facto, paso a poner por las nubes esta obra imprescindible con la que este proyecto surgido de la intrínseca mente alucinógena del ex-batería de The Jesus And Mary Chain, Bobby Gillespie, saboreó las mieles del éxito. 'Screamadelica', marcó un antes y un después en la historia del rock.

Los tipos más drogatas que ha habido nunca sobre la faz de la tierra, obtuvieron por fin el golpe de efecto deseado con su tercer largo, tras un inicio destacable pero algo por debajo de esta barbarie sonora, lo que se suele llamar 'clásico instantáneo' entrando en el top de ventas inglés y barriendo de una tacada casi todo el mainstream del mercado a pesar de contar con la barroca producción del maestro Andrew Weatherhall (otro genio, del que también cabe destacar su labor como fundador de los excelentes Two Lord Swordsmen). Experimentando con el ácido, el estudio de grabación y sus múltiples referencias culturales, que iban de Johnny Cash a Terry Riley, pasando por The Clash, James Brown e incluso Slade, llevaron a buen puerto una odisea que estuvo a punto de írseles de las manos en muchísimas ocasiones. Primal Scream era un grupo extraño, lo mismo podían sonar mansos como un cordero para, sin avisar, torcer poco mas abajo con la intención de fusionar post-punk con electrónica.

Eran como se dice vulgarmente, unos culos de mal asiento. De hecho eso han sido desde el comienzo estos juerguistas empedernidos, pero todo tuvo un porque, un comienzo, un curioso 'erase una vez' y fue en momento en el que empezaron a labrar amistad con McGee para no dejar de asistir a esas fiestas rave en las que reinaba el nuevo estilo de moda, el acid-house. Al principio se mostraron escépticos, aunque luego un hecho cambió el curso de las cosas y no fue otro que el grupo se reunió con el entonces popular dj Andrew Weatherall en una de esas discotecas improvisadas, y le dieron una copia de "I'm losing more than i'll ever have", una remix de una canción suya, realizada para uno de sus espectáculos. Weatherall agregó un loop de batería del mix de un bootleg del "What I Am" de Edie Brickell, a lo que se sumo un sample de Gillespie cantando una línea de la canción de Robert Johnson "Blues Terraplane" y la introducción de la pelicula de Peter Fonda, 'The Wild Angels' (pura serie b, por cierto). La pista resultante, "Loaded". Lo demás fue coser y cantar, pues a partir de ahí toda gente aficionada a la escena tenía el nombre de estos músicos grabado en la retina. Aquel era el buque insignia del álbum, bien secundado por un puñado de soberbias piezas como "Movin' on up", inmejorable carta de presentación en línea retro que hace imposible no imaginar al bueno de Gillespie bailando a su ritmo si se le ha visto alguna vez sobre un escenario, un atrevimiento inagotable hasta en la curiosidad de incluir extractos en su letra del "You doo right" de Can, sobresaliendo un coro gospel, unas percusiones altivas y una melodía apasionada para erigirse en una de las mejores pistas del disco, "Slip inside the house", relectura despiadada del clásico de 13th Floor Elevators, primer aviso dub abrazado a la psicodelia y con un cierto tono que poco después podría haberse asociado a Massive Attack, "Don't fight it, feel it", monumental experimentación sin pudor alguno, un corte robusto que roza la locura sin abandonar la compostura ni la clase, picoteando en el italo-disco como ellos mismos reconocieron, "Higher than the sun", mucho más oscura y tenebrosa, con samples del "Wah Wah Man" de Young-Holt Unlimited Trio y del "Get away Jordan" de Take 6, muestra inequívoca de su filiación ochentera, "Inner flight", semi-instrumental donde recurren al "The great pretender" de Brian Eno para enmarañarlo de loops y sintetizadores piscotrópicos, "Come together", otro hit indiscutible que abren con un discurso prestado de una declaración de principios del reverendo Jesse Jackson, una larga canción de diversos desarrollos que les elevaba a los altares y que muy posiblemente les encumbró del todo como la gran banda del momento por calidad y ejecución, la mastodóntica "Loaded", de la que poco más que de lo dicho antes puedo añadir, una proeza con alma de himno generacional, "Damaged", la normalidad de vuelta, un tema acústico precioso que nada tiene que ver con el resto, ideal para quién busque una salida momentánea (pero solo para coger aire eh!) a tanta rareza, "I'm coming down", que podría haber inspirado ese magistral "Dream on", que cantó Jonathan Donahue de Mercury Rev en el ejemplar 'Surrender' de The Chemical Brothers, disco en el que por cierto Gillespie colabora cantando en "Out of control", "Higher than the sun (a dub symphony in two parts)", cuyo nombre entre paréntesis lo dice todo, casi ocho minutos de técnica ambiental lisérgica, y esa sencilla despedida pop tan propicia llamada "Shine like stars". Genuino, innovador y atemporal, tres palabras que lo definen de la mejor de las maneras.

'Screamadelica' fue generado por Bobby Gillispie, Andrew Innes, Robert Young, Martin Duffy, Phillip 'Toby' Tomanov y Henry Olsen, con la colaboración de Denise Johnson, Jah Wooble (bajista de PiL) y Paul Anthony Taylor.

DA

2011-10-02T13:46:00.001+02:00

DORMIDOS EN EL ZOO (2005)

Me encantan los Domingos, al menos hasta que llega la hora en que empiezas a asumir que se acaban y el fantasma de comienzos de semana laboral acecha. En las jornadas dominicales se acostumbra a disfrutar del relax o del día completo, sobretodo cuando las resacas por desgaste, han pasado a mejor vida. Hoy por ejemplo me he levantado a una hora más propia de Arturo Fernández que de un tipo que pueda alardear de madrugador, he quedado con la mia mamma para acompañarla al mercadillo y he sonreído al salir a la calle y notar el sol calentar mi piel. Que gran decisión ir allí a pesar del temor a encontrar más gente que en la guerra (y así ha sido) porque hacía tiempo que no me acercaba a 'Los pajaritos', que es el nombre que se le da a ese recinto al aire libre, ese parque que recibió ese apodo porque antaño estaba lleno de jubilados que iban con las jaulas a reunirse y presumir de lo bien que se les criaba el canario, periquito o jilguero en cuestión.

De pequeño me preguntaba siempre que demonios llevarían aquellos individuos tan minuciosamente tapado (pues siempre cubrían con una tela aquella supuesta caja que en realidad era la casita del pájaro), hasta que una vez cogieron a mi vecino del primero con cinco kilos de cocaína metidos dentro y estuve tiempo engañado pensando que todos aquellos presuntos devotos de la ornitología eran traficantes, es más de hecho ni me sorprendió aquel suceso, pues el inquilino de abajo al igual que muchos de los sujetos de mi barrio trapicheaban con todo tipo de cosas al margen de la ley, solo me preguntaba como leches había hecho para meter tanta cantidad ahí adentro, incluso pasado el tiempo ya no tan crío, me rondaba por la cabeza que si el inocente animalito estaba en en medio de tanto polvo blanco, debería de cantar heavy metal a ritmo de bakalao.

En fin, que degenero la escritura con sandeces que no vienen a cuento. Como iba diciendo, me ha gustado ir allí esta mañana, comprarle un mechero de cocina y una planta a mi madre y ver todo aquel hervidero de gente con especial hincapié en una parada que vendía cinta de cassette (todavía!!) y compact discs de lo más granado del panorama cañí y rumbero estatal, y me ha chocado que a pesar de ese tipo de oferta el que regentaba la tienda tuviera puesto un como hilo musical el "Maid of Orleans" de OMD (Orchestral Manoeuvres In The Dark, como me agrada ese nombre), de modo que no he podido evitar tararear y pensar, que sería una buena idea publicar una entrada sobre ellos, pero de repente, al finalizar la canción, el tío con un par de bemoles ha pinchado un tema de Gipsy Kings!! y confieso que me gustan estos franceses, que conste, pero esa miscelánea era demasiado para el cuerpo. Pero bueno, esto lo explico porque inmediatamente he tenido la impresión de que hoy me apetecía más poner algo que se pueda pronunciar con exactitud al cantarlo y que mejor que un disco estatal de esos que pasaron desapercibidos en su día siendo una maravilla.

Da, alter-ego artístico del zaragozano Daniel Garuz, es un poroyecto en solitario que cuenta con dos discos de los cuales, este 'Dormidos en el zoo' fue el primero. Ex-miembro de Pulmón, Muy Poca Gente y La Costa Brava, aquel genial grupo que formaron el malogrado Sergio Álgora de los inolvidables El Niño Gusano y Fran 'Nixon' Fernández de Australian Blonde, editó este debut cuando todavía estaba enrolado en las filas de estos últimos y tras enterarme de su publicación poco tiempo después de haberle visto actuar en directo con dicha banda, no dudé ni en segundo en adquirirlo totalmente a ciegas en cuanto a saber como sonaba, pues su voz me había gustado mucho y su actitud sobre el escenario y en una entrevista que leí en tono cómico en un viejo Mondosonoro me causaron una grata impresión, se me antojaba como un músico inteligente de una gran sensibilidad al que había que seguir. Además como no, el hecho de que fuera paisano era valor garantizado, pues de tierras aragonesas solo salen cosas buenas, que diantres!. Lo que no esperaba era encontrar un trabajo tan bueno. Pop de muchos quilates con su cálida voz reinando en todo momento, ya sea en su vertiente más rock o en su finalidad indie. Melodías certeras, un buen puñado de músicos de calidad y la producción del gran Paco Loco en un viaje en el que nos invita a guiarnos por los cinco sentidos en un trayecto por el por el zoo de sus sentimientos más variados, desde la tristeza del desamor hasta la impotencia frente a un mundo que pierde el norte, pasando por historias en las que la ironía se acompaña de acertadas instrumentaciones.

Medios tiempos en casi todo el minutaje, alternados con temas de corte más guitarrero y un deleite para los oídos que no se agota hasta que le reproductor nos anuncia el final. Así pues aconsejo la experiencia de sumergirse en este disco y disfrutar de canciones como "Todo puede ser", con esa letra sensacional y ese inicio semi-épico con una sección instrumental muy elástica, "Velocidad absurda", mi favorita del disco, nerviosa, potente y metálica, una joya que tendría que ser un himno indie-rock patrio a la altura de cualquier de Los Planetas y con unos acordes que parecen prestados del "Into my arms" de The Lemonheads o del "One with the freaks" de los alemanes The Notwist, "Para siempre", acústica en la onda de lo que hace hoy The New Reamon, dulce y profunda desnudez convertida en un brillante medio tiempo, "Tigres vegetarianos", resultona y concisa velocidad que podría encajar en el repertorio de Broken Social Scene de haber utilizado el inglés como forma de expresión, "Sopa y gazpacho", añadiendo elementos electrónicos que solo hacen que sumar, y que vuelven a hacer acto de presencia en "Una mujer y un gato", una pieza que además tiene cierto toque psicodélico, "A tomar el sol", bello corte de sencillez romántica, "Círculos polares", de alma setentera, muy rockera y convincente, y "Mi chica está en coma", relectura castellanizada del "Girlfriend in a coma" de los míticos The Smiths.

Daniel Garuz estuvo rodeado de sobresalientes músicos como Eloy Cases, José Guillamó, José Domingo, Miguel Ángel Muñoz y el propio Paco Loco, que como he dicho antes fue el encargado de la labor tras los mandos en su estudio del Puerto de Santa María (Cádiz).

SMITH WESTERNS

2011-10-01T13:01:00.001+02:00

SMITH WESTERNS (2009)

Aunque no ha sido hasta este año cuando estos chavalotes de Chicago (Illinois) han dado relativamente el pelotazo con su su segundo álbum 'Dye it blonde' (de hecho en estas fechas andan girando por Estados Unidos junto a sus vecinos Wilco y los neoyorquinos Yeasayer), ya mostraron todo su arte desenfadado y resultón con su primer paso homónimo hace dos ejercicios. De este modo llegué a ellos hace unos meses, gracias a mi eternamente querida Sra.Esmiz que tuvo el buen hacer, como de costumbre, de recomendarme esta amena y divertida colección de canciones que aunque la mayoría de críticas le atribuyen como influencia los nombres de David Bowie, T-Rex, Marc Bolan o lo que es lo mismo, el glam de los 70's, a mí me gusta encuadrar dentro del noise-rock actual, ese en el que tan bien se desenvuelven bandas como Japandroids o No Age, o el indie-rock experimental de Ducktails, Beach Fossils, Cloud Nothing o Girls.

Con el sonido lo-fi por bandera en cuanto a producción, Smith Westerns van desgranando poco a poco unas piezas que acumulan elementos hasta lograr que entremos en una profunda adicción, pasando un buen rato y provocando una sensación de alegría auditiva la mar de grata. No va más allá de eso, no es este un disco histórico, pero ni falta que hace, la mejor confitura es la que se sirve en tarro pequeño como dicen por los rincones de la buena cocina, así que simplemente hay que valorar su anárquica condición de magnos canalizadores del entretenimiento. Grabado con escasos medios en el sótano de uno de sus miembros, este trabajo está impregnado de actitud, sin reparo alguno a la hora de definir hacía donde se dirige su discurso, sin preocupaciones y dejando un aura de convencimiento en su manera de ser interpretado realmente encomiable, suficiente para llamar la atención de los medios y de un público que les acogió en su seno con aquel inicio y que hoy apalude unánime su más reciente obra.

Imposible entender la valía de su evolución sin atender antes a estos temas que en casi ningún caso superan los tres minutos de duración, haciendo que se degusten fácilmente, como la ramoniana "Dreams", que comienza como el mítico "Blitzkrieg bop", pero que degenera en un noble camino autodidácta que aún con todo introduce retazos de otras fuentes de inspiración y constantes rayos de luz, "Boys are fine", un corte que podría haber compuesto Daniel Johnston con la banda que ahora le sirve de pasatiempo en el anonimato, con una base pegadiza a rabiar e imposible de silbar y tararear al tiempo de ser escuchada, para un servidor la mejor del disco, "Gimme some time", y porque no dar cabida al twee-pop almibarado más vitaminado (y mineralizado que diría Super Ratón, que con ese tonto pareado solo me ha faltado añadir eso)? pues eso, blanco y en botella como lo más granado de la denominación de origen Cariñena, "Girl in love", casi descarada su deuda en los primeros compases con Gary Glitter, pues por momentos parece un calco ese hit inmejorable para amenizar eventos deportivos en los descansos llamado "Rock and roll", que apuesto mi paga extra de Navidades que todos hemos oído alguna vez, aunque a decir verdad con ese aire vacilón tan de rebeldes adolescentes que le dan, casi que va cobrando más fuerza su propia identidad, "We stay out", acelerada y marciana por ritmo y reiteración pero enganchadiza y efectiva al mismo tiempo, "Tonight", como si Bradford Cox de Deerhunter le diera una vuelta más a la llave que abre las miras de su proyecto en solitario, Atlas Sound, para acercarse al rock garagero de The Seeds, "Be my girl", la más pulcra del lote, pulida con mimo para endulzar su discurso y ponerse tiernos por un instante, "The glam goddess", declaración de principios, intenciones y admiraciones empezando por el mismo título, "Diamond boys", una mirada al pasado con un piano consistente y unos coros que hubieran firmado hace cuatro décadas los a veces olvidados Slade o los primeros Big Star, según se mire, y "My heart", que no sé porque siempre que me la llevo al oído proyecto en mi mente a los 'Fraggel rock' cantando al unísono (soy un tío raro, lo sé).

Una buena labor a manos de Max Kakacek con los hermanos Cullen y Cameron Omori.

OBI

2011-09-29T14:50:00.001+02:00

DICEMAN LOPEZ (2004)

No os dejéis engañar por la portada ni el nombre, este disco no tiene nada de fronterizo, tropical, ni nada por el estilo, de hecho, y esto partiendo de la base de que es una banda muy desconocida que tan solo estuvo dos años en activo, si habéis escuchado su flamante debut 'The magic land of radio', que publiqué hace más de dos años por aquí, veréis que tampoco tiene mucho que ver con aquellos inicios en los que la banda de Londres (Inglaterra) se decantaba por un rock alternativo de influencia americana con pinceladas country-folk, pues aquí se aventuraban a un ligero cambio para acoger un sonido personal que es difícil de comparar con alguna otra banda en concreto, pero que podrá gustar a gente que goce con Spoon, Coldplay o Eels, en una muestra clara de su diversidad.

No puedo negar el hecho de que su puesta de largo me parece mucho más interesante que este segundo paso, pero la verdad es que 'Diceman Lopez' es igualmente una obra francamente atractiva, en otra onda pero bien disfrutable, estirando un poco la manta para acoger melodías cálidas en un nerviosismo rockero que no podía dejar pasar sin reivindicar, ya que como dije en su día, me indigna que este extinto cuarteto fuera tan ninguneado durante su etapa y aún a día de hoy resulte casi imposible encontrar material de ellos o simplemente información.

De este modo y como por desgracia poco puedo añadir en sentido biográfico, solo me queda destacar las diez canciones que componen este tratado de brit-pop atemporal con reminiscencias folk, empezando por "Fairground", que abre el tarro de las esencias con cautela, lenta y excitante anunciando un cambio a mitad que acogemos con solera, en un cruce de ritmos que navegan al son de una percusión inquieta, "Creatures", atmósferas espaciales emulando esa peculiar forma de tocar la guitarra que tenía David Gilmour en la etapa más gloriosa de Pink Floyd, hasta que eso pasa a ser un espejismo con la entrada de la instrumentación al completo y se mezclan los universos de Mercury Rev y Stereophonics, por muy extraño que suene eso, "Incredible Jack", sensibilidad por doquier, un piano conciliador y una melodía preciosa que gana enteros a medida que avanza en la que para mí es la pieza más inspirada del lote, "Movers and shakers", abrazo nostálgico a sus orígenes acariciando el aterciopelado ropaje y la sensible fragilidad del folk, una pista preciosa que uno imagina sonando en cualquier momento de bienestar social, ya sea con un ser querido en toda la amplitud de la palabra o compartiendo cañas con los amigos en una casa rural con una divertida y tensa timba de póquer de por medio, aunque quizás para ese momento concreto sea más adecuada "Chewing my soul", un auto-homenaje a su refinado gusto por el country y la música de raíz americana en general por la que está claro que sentían un gran respeto, "The tale of old Rodriguez", otra razón más para cerciorarse de ese esclarecedor dato, puesto que es todo un arranque tex-mex que podrían haber firmado los mísmisimos Calexico o sus paisanos Gomez por encontrar un ejemplo cercano, y es que esas trompetas inequívocas ponen tierra de por medio, "Sleep well dear friend", nana conmovedora con sección de cuerda sutil, increíble que con temas así de honestos y apacibles no llegaran a ser reconocidos como Dios manda, "Time alone will tell", próxima al Leonard Cohen de los dos primeros discos, con algún que otro elemento retrospectivo, una joya breve que entra directa al corazón y que enlazan con "The sweetest silver", recuperando el pulso rockero sin perder el equilibrio ni la intención de concebir canciones cargadas de belleza, y la mansa "Plague on this house", con el piano nuevamente introduciendo unas notas idílicas como despedida para un álbum incomprensiblemente infravalorado.

Quizás de no ser porque cogieron un tema suyo para poner sonido a un anuncio de una conocida marca de automóviles alemana, jamás habría sabido de ellos, que pena, pero lo importante es que sus canciones continúan vivas y vuelto a escuchar este trabajo después de tanto tiempo que lo he tenido en el olvido, pues casi que me retracto en lo dicho de que se diferencia bastante del anterior. Ahora veo que se complementan a la perfección. Obi eran Damian Katkuhuda, Ben Kempton, Tom Worsley y Dom Hazlehurst.

NEKO CASE

2011-09-28T12:44:00.001+02:00

BLACKLISTED (2002)

Bueno, ya estoy de nuevo por aquí y esta vez a largo plazo, que casi hasta me da vergüenza haber estado tantos días de vacaciones mientras otros llevan ya varios días dando el callo para levantar este país que tan bajo está últimamente. Me ha venido medianamente bien este receso para coger fuerzas, descansar y aislarme de la rutina, pero he comprobado más que nunca que ya nada es como antes, que ahora es más fácil que me invada la nostalgia y se ahogue en el recuerdo de que cualquier tiempo pasado fue mejor o cuanto menos, más disfrutable.

Esta última semana se me ha hecho incluso larga, monótona, con demasiado espacio para quemar ideas, con la cartelera del cine personal más aburrida que nunca, agotados los lugares que visitar en la zona, la espalda avisándome de que me atacaría la salud de nuevo si seguía postrado en el sofá o estirado en la cama y la hamaca del jardín chirriando a modo de quejido por aguantar mi pesado lomo en los momentos en los que absorbía la últimas páginas de un libro. No quiero decir que tenía ganas de volver a trabajar (Dios me libre de tener ese oscuro pensamiento alguna vez), pero si que en parte me apetecía volver a esta sobria e inquietante ruidera urbana, pero con el matiz de que en esta jungla estaba esperándome mi querida habitación con esta silla y esta mesita donde poder escribir alguna que otra reflexión sobre mi pasión musical y compartirla con gente que aprecio y a la que, que cosas, echaba de menos.

Pero bien es cierto que tampoco hay que ponerse dramático, en líneas generales lo he pasado bien, disfrutando de gratos momentos y de sacar ratos placenteros para ver películas, series y documentales o escuchar discos que tenía pendientes desde hace mucho y hete aquí que en cierta circunstancia di con la clave para matar dos pájaros de un tiro. Estaba yo degustando la cuarta temporada de esa gran serie llamada 'True blood', al tiempo que leía los subtítulos con los ojos achinados porque veo menos que un topo y en una escena tórrida entre los dos protagonistas principales de esa fábula de la América profunda apoyada en fantasía vampírica, la voz de esta monumental artista de Alexandria (Virginia). Rápidamente caí en la cuenta de que no había saboreado 'Blacklisted', su obra maestra, desde hacía meses y sentir el aroma que desprenden las notas de 'I wish i was the moon' con su cálido tono vocal al compás de una melodía tan lenta como conmovedora fue un empujón inmejorable para que me dejara enredar por su fascinante calidad en los días venideros.

La de escuchas que le habré dedicado a esta obra estas dos últimas semanas, madre mía, y eso teniendo en cuenta que siempre opto por no machacar en absoluto los discos con tal de no correr el riesgo de aborrecerlos, pero es que ha sido una autentica adicción al recuperarlo de nuevo.

Claro está que hay una serie de grandes damas del country-rock como Emmylou Harris, Loretta Lynn, Jesse Sykes o Lucinda Williams que están en lo alto del pedestal del género como las más célebres, pero no es menos cierto que otras cantantes algo más jóvenes como Jenny Lewis, Gillian Welch, Victoria Williams o la propia Neko Case se están convirtiendo por derecho propio en las más puras eminencias de nuestros días desde la honestidad, brindando a cada movimiento algo especial para los oídos del buen amante de la música de raíz, yendo cada vez más lejos en su afán por respetar las coordenadas del estilo sin hacer ascos a la evolución.

Mucho más exitosa su carrera como vocalista de The New Pornographers en torno a la respuesta alcanzada fuera de su país (aunque hay que decir que allí es muy reconocida su trayectoria en solitario), cuenta con cinco discos de estudio, dos directos, un Ep y múltiples colaboraciones con artistas y bandas de la talla del recientemente oscarizado Carl Newman, Fran Healy (vocalista de Travis), The Band Of Blacky Ranchette (proyecto paralelo de Giant Sand), The Dodos, The Sadies, Jakob Dylan (voz de The Wallflowers e hijo de Bob), The Mekons o Andrew Bird, entre otros, además de lo que editó en sus inicios al frente de Cub, Maow y The Corn Sisters, sin mencionar lo publicado con los canadienses. Este fue su tercer álbum y el primero sin la compañía de Her Boyfriends, su habitual banda de apoyo a los que suplió con una plantilla de lujo que mencionaré al final de este escrito. Nuestra pelirroja protagonista del post de hoy, se había trasladado desde el país vecino, concretamente de Vancouver (British Columbia), a Chicago (Illinois), previo paso por Seattle (Washington) y allí dio forma a unas canciones sin fisuras que fueron grabadas en Tucson (Arizona) y que tuvieron en boca de sus palabras al binomio David Lynch-Angelo Badalamenti y al Neil Young de 'Dead man', como mayores influencias. Eso se precibe a lo largo y ancho del minutaje, con esas atmósferas densas, esos arreglos preciosistas y la reverberada voz que crea un ambiente fascinante que impregna de belleza piezas como "Things that scare me", una maravilla veloz, trepidante y serena que contagia hasta el punto de que es inevitable caer en la redes del disco para disfrutarlo al completo, en un solo conjunto, como si se tratará de una larga pieza que se enlazará con otras en un homenaje al concepto, banjos cubriendo la emoción del mensaje y un amanecer sonoro en el horizonte, como si pudiéramos ver caer el día en el desierto, "Deep red bells", más reposada pero no por ello menos enigmática, canalizadora de esos sueños de carreteras interminables con la luna como única compañía al aullido de los lobos, "Lady pilot", algo oscura y mística, tanto que hubiera quedado ideal en la banda sonora de 'No country for old man', esa gran película de los hermanos Coen con nuestro Javier Bardem bordando el papel de sádico, "Tightly", resplandeciente dentro del global, emergente como una flor que aguarda una vida breve pero confortable en época estival con la esperanza de que le alimente la lluvia fresca de Septiembre, "Look for me (I'll be around)", capricho jazzístico que recuerda un instante a la Nancy Sinatra que creó "Bang bang", aunque en realidad es una versión de un viejo tema interpretado por Sylvia Dee y Guy Wood, "Stinging velvet", otra marchosa canción de talante alt-country y coralidad sesentera que acaricia el discurso de la ilustre Dolly Parton, "Pretty girls", un corte magnifico que desata la pasión interior de su texto al ritmo de una épica gélida de intermedia textura opaca, "I wish i was the moon", de la que podría excederme sin rubor a la hora de halagar hasta el infinito, una hermosura cargada de ternura, con un texto precioso y que hace analizar lo importante que es amar sin temor alguno al resultado que se obtenga con ello, sin ningún género de dudas mi favorita del disco, "Runnin' out of fools", versión del monstruoso tema de Aretha Franklin que se aproxima tímidamente al blues, el gospel e incluso al rock alucinógeno de Jefferson Airplane, mostrando a una Neko inmensa que canta con tanta fuerza como nunca antes lo había hecho, y "Ghost wiring", una barbarie compositiva que picotea en diversos estilos entre los que cabe destacar el rock gargero de los 70's bien visible en esas poderosas guitarras altisonantes. Monumental trabajo que Neko Shevchenko (su verdadero nombre, puesto que su familia proviene de Ucrania), concebió con la colaboración de nada más y nada menos que el núcleo duro de Giant Sand , es decir, Howe Gelb y los hoy miembros de Calexico, John Convertino y Joey Burns, el líder de The Sadies, Dallas Good, la genial cantante de Atlanta (Georgia), Kelly Hogan, y la no menos estupenda Mary Margaret O'Hara, Brian Connelly, Tom V.Ray y Jon Rauhouse.

Como datos curiosos destacar que Neko Case recibió una oferta de la revista Playboy para posar desnuda en su portada aquel mismo año, declinando la oferta por no querer recibir el asedio de tipejos que vinieran con una foto suya en paños menores con la intención de que la firmara y que eso se impusiera a su faceta artística, y que el nombre del disco se vio envuelto en la polémica por ser interpretado por algunos como una crítica a una publicación musical especializada que la puso de vuelta y media tras desprenderse de su camisa en un concierto en pleno desierto de Arizona (ella dijo por activa y por pasiva que fue por un golpe de calor y no por provocar. Se quedó en sujetador, como son estos yankees).

FRENCH KICKS

2011-09-09T12:41:00.001+02:00

SWIMMING (2008)

Para cerrar esta semana que para muchos ha sido la que ha supuesto la vuelta a la rutina tras las ansiadas vacaciones, pues un disco animado y fresco, ideal para combatir el calor que invade el país estos días. Lo más probable es que esta sea la última entrada que publique antes de volver a largarme, de modo que espero que os guste este álbum de estos cuatro chavalotes de Washington D.C. (Maryland) afincados en New York City (New York), que cuentan en la actualidad con cuatro discos de estudio en su haber de los cuales éste es el último editado hasta la fecha. Entre el revival post-punk, el pop, el garage más fraudulento (las cosas como son) y el indie-rock, se mueven en este 'Swimming' que resulta francamente entretenido en una onda similar a lo que hacen The Walkmen, The Helio Sequence o Snowden.

Se abre con "Abandon", probablemente su tema más emblemático, con esas guitarras serenas que anuncian un viaje rejuvenecedor para nuestros oídos con un sonido pulido, refrescante y jovial que hará las delicias de todo amante del buen indie-pop luminoso, y que se apoya en esas magníficas polifonías humedecidas por una palmas festivas, "Over the world", que emana una leve fragancia folk en su melodía pero que en su desarrollo y su fondo de armario recuerdo un poco a Local Natives, "Carried away", uno de esos cortes inmediatos que tanto gustan a la parroquia indie con sus guitarras repetitivas y saltarinas y su estribillo deudor de The Smiths y toda esa flota de salvación ochentera del género, "New man", otro hit innegable que en esta ocasión se aventura hacía derroteros algo oscuros e íntimos, para abrir nuevas fuentes de inspiración, "Said so what", como si Animal Collective dejaran de complicarse la vida y quedaran para una jam session con The Temper Trap, una canción preciosa que se le pega a uno como una lapa al subconsciente para tararearla cada dos por tres sin darse cuenta (a mí me pasó desde la primera escucha), "Atlanta", un homenaje a la capital del estado de Georgia, que a pesar de que tiene el dudoso honor de ser la ciudad estadounidense con mayor índice de criminalidad, es cuna de bandas tan formidables como Deerhunter o Black Lips, que aquí parecen a su vez piezas referenciales para la sonoridad del tema, "With the fishes", resplandor veraniego y sensatez edulcorada con juegos vocales admirables, para mí lo que mejor se le da a estos muchachos, "Sex tourists", que aunque por el tono sobrio no de esa impresión es una canción francamente irónica en su texto, y "This could go wrong", con la que cierran el disco tirando de atmósferas sutiles y una batería que impresiona en su parte final.

Un buen disco creado por Nick Stumpf, Josh Wise, Lawrence Stumpf y Aaron Thurston.

GREAT LAKE SWIMMERS

2011-09-08T14:01:00.002+02:00

ONGIARA (2007)

Un poco de Americana, que ya empieza a pedírmelo el cuerpo, oye. Bueno, quizás es un poco gratuito esto de utilizar esa hoy día tan manida etiqueta (de hecho es un tanto estúpido utilizar cualquiera, pues después de todo como decían sus satánicas majestades, 'it's only rock 'n' roll' o mejor dicho 'es solo música' que más da la denominación, lo que importa es que entre bien gustosa al gaznate), pero es más o menos para que os hagáis una idea de a que suena esta banda canadiense de Weinfleet (Ontario) si no habéis llegado antes a su propuesta, y como esa palabrita de marras abarca tantos estilos, pero es tan definitoria, pues me viene como anillo al dedo para hablar sobre ellos.

La razón principal, su buen uso del folk-rock y la herencia de la tradición musical estadounidense con Neil Young, Nick Drake, Iron & Wine y Red House Painters como más claros referentes, aunque ellos afirmen que la inspiración les llega del contenido de álbumes compuestos por Gram Parsons y Hank Williams, ahí es nada. Le añadimos a eso un pequeño reflejo de Will Oldham y Sufjan Stevens y solo nos queda asombrarnos con su desmarque de todo ello para aplaudir su personalidad derivada en un sonido que, espero no esté soltando una gran pedrada, yo definiría como unos Band Of Horses sin épica, con mimo hacía unas canciones algo más suaves. 'Ongiara' es el tercero de los cuatro discos que han publicado hasta el momento, y si bien es cierto que su impacto ha llegado de la mano de 'Lost channels', el más cercano en el tiempo, he preferido poner éste por que ha sido el que más he apreciado en estos días de descanso.

Un disco capaz de conmover desde sus melodías vocales e instrumentales, con sus ritmos reposados y su ternura lírica, y esa atmósfera que dota al conjunto de ensoñadora desnudez emocional. Buena fe de ello dan temas como esa estupenda apertura "Your rocky spine", muy folkie en su desarrollo con ese banjo reverberado y esas notas de color optimista que acompañan las nostálgicas voces femenina y masculina, un corte precioso que queda eclipsado no obstante por "Backstage with the modern dancers", una preciosidad que estremece y encoge el alma, una delicia para acostarse a contemplar el mundo en su más amplia belleza creyéndote dueño de tu destino, sin duda mi predilecta del álbum, "Catcher song", un poquito más reluciente, muy afín a la raíz y algo similar a lo que exponen Fleet Foxes, "Changing colours", versión de un viejo de tema de Josh Groban, un artista pop americano, no muy reconocido pero de una calidad fuera de toda duda, que aquí es reivindicado con el máximo respeto, "There is a light", encantadora intimidad acústica con olor a bosques frondosos, un destello bucólico que enamora a la primera escucha, sin necesidad de llamar la atención con trucos ni artificios, tan solo unas guitarras, un teclado y los acaramelados juegos vocales, "Where in the world are you", con el inconfundible violín de su buen amigo Owen Pallett que no hace más que encumbrar con ello una pieza ya de por sí convincente, y "I became awake", una maravilla alt-country que casi alcanza los seis minutos de duración, acabando en familia en un bello canto del que todos son partícipes, desde los propios Great Lake Swimmers, es decir, Tony Dekker, Erik Arnesen, Greg Millson, Miranda Mulholland y Bret Higgins, hasta los tres colaboradores de lujo, el antes citado Pallett, más las excelentes cantautoras Sarah Harmer y Serena Ryder.

El nombre del disco, 'Ongiara', proviene de la forma en que se conocía antaño a las catarátas del Niágara.

ALLO DARLIN'

2011-09-07T13:58:00.001+02:00

ALLO DARLIN' (2010)

Otro de los discos que más he escuchado este verano. Una píldora refrescante e inocente comandada por la entrañable simpatía de una australiana que en un principio comenzó esta aventura en solitario bajo el nombre de The Darlings, editando un Ep de tres canciones llamado 'Photo', para al poco tiempo de trasladarse a Londres (Inglaterra), sentar las bases de este proyecto junto a un par de miembros de Hexicon y un músico novato. Lo suyo es un dulce twee-pop de filiación indie-rock en onda de lo que hacen Tennis, Tender Trap o Standard Fare, donde todo es agradable comenzando por la idea de su propio nombre, inspirada en el modo en que le llamaban los comerciantes del mercado del Soho, para reclamar su atención y la de las demás señoritas jovenzanas que iban a hacer la compra allí.

Un solo álbum basta para apostar por ellos como una interesante y prometedora formación, sin más pretensión que construir melodías ligeras, alegres y cálidas con las que dotar a sus canciones de una placentera belleza, además de la incorporación sobresaliente de un ukelele que les da un toque diferencial.

En fin, diez canciones vibrantes de guitarras sixties con tintes afro, soul, country, y como no, pop, alternando la dócil voz de la aussie con la gravedad vocal de uno de los muchachos, que por cierto recuerda mucho a la de Stephin Merritt, y todo ello lo podemos comprobar dando una intensa escucha a ejemplos claros como la inicial "Dreaming", que muestra las cartas con descaro añadiendo poco a poco cada uno de sus trucos maquinados con destreza, pues entra directa al paladar para retenernos en la escucha íntegra del disco, la vitaminada y adorable "The polaroid song", que recurre a esos siempre eficientes coros basados en 'para-ba-ras' y 'oh oh oh ohs', la estimulante "Silver dollars", que opta por la calma y el almíbar sin desprenderse de esas guitarras luminosas tan pegadizas ni de esos ecos a Camera Obscura con percusiones cincuenteras, "Kiss your lips", que trata con encanto el eterno dilema del amor en su más tierna conmoción, estirando un poco su eclecticidad para acabar sonando fantasiosos, "Hearbeat chilli" que encajaría a las mil maravillas en el repertorio de She & Him, con esa candidez amable y melancólica que brilla en una maraña de lap-steel y folk tristón, "Woody Allen", curioso homenaje al gran cineasta neoyorquino desde una óptica cinéfila, apartándose de su melomanía por un momento, ya que a lo largo del disco se cita a artistas como Weezer y Johnny Cash (aunque también a la actriz Doris Day y el actor Max Von Sydow), y que recuerda una barbaridad en su armonía al 'Strange powers' de The Magnetic Fields, "Let's go swimming", mi favorita del lote por su delicada capa alt-country y su sensible sonoridad, donde destaca sobremanera y más que nunca la voz de la líder de la banda, la festiva "My heart is a drummer", una preciosidad que incita al baile como una cosa mala, y ese sorprendente emulo del "What will be will be" de Jay Livingston & Ray Evans que tantos y tantos han popularizado después, respetando su estribillo al son ralentizado de los instrumentos.

En definitiva un disco sencillo, grato y ameno. Allo Darlin' son Elizabeth Morris, Bill Botting, Michael Collins y Paul Rains, que además contaron con la ayuda de Mosnter Bobby, Dan Mayfield, Simon Through, Matthew Reynolds, Keiron Phelan y el The Friday Night Choir, para la concepción de este trabajo.

THE BLACK HOLLIES

2011-09-06T13:23:00.001+02:00

SOFTLY TOWARDS THE LIGHT (2009)

Una refinada atracción por el pop piscodélico inglés de los 60's, el rock 'n' roll americano de los 70's, el space-rock deudor de los inicios de Black Sabbath que tan en boga estuvo a finales del pasado siglo, el noise noventero y el garage menos sudoroso. Esos son los ingredientes que juntan en este proyectil auditivo los cuatro muchachos de Jersey City (New Jersey) que suelen responder al nombre de The Black Hollies. Su tercer y último asalto hasta la fecha supone su primera gran bofetada a los que crían la fama mientras ellos con discreción y eficacia cardan la lana, una textura que sirve de cálido manto para unas canciones brillantes que salen de las entrañas, evocando atmósferas etéreas sin salirse de la realidad.

Este es un disco que completa un cambio radical en la trayectoria del setenta y cinco por ciento del grupo, pues desde sus tiempos como músicos de los extintos Rye Coalition, nuestros protagonistas han ido evolucionando (o involucionado dependiendo del gusto de cada cual) de aquel contundente post hardcore que practicaban en los principios de aquella banda, al hard rock de su álbum de despedida, para establecer de forma definitiva su sonido dentro de las coordenadas citadas en las lineas iniciales de esta escrito en los trabajos de su nueva aventura, cerrando de ese modo su lavado compositivo.

'Softly towards the light', pule de alguna manera también ese hecho, ya que varía bastante lo mostrado en sus dos anteriores lanzamientos, mucho más carnosos y guitarreros en detrimento de cualquier capa pop aquí notaria. Más cerca de The Who, The Pretty Thongs, Small Faces y The Yardbirds que de The Brian Jonestown Massacre, Sun Dial y The Warlocks, pero sin perder por ello cierta actitud atemporal, las piezas que podemos escuchar en este larga duración son impecables, comenzando por la apertura "Whispers beneath the willows", con una base rítmica que parece prestada (al menos en el riff) del 'Hit the city' que cantó PJ Harvey a medias con Mark Lanegan o mejor dicho a la inversa, puesto que el tema en cuestión pertenecía a un álbum del ex-Screaming Trees, un corte excelente que inicia con fuerza este viaje retrospectivo, "Paisley pattern ground", seductora en su exposición, estribillo pegadizo al son de una instrumentación machacona puramente rockera, mezcla ideal para que entre directa al corazón, "Under a winter's spell", descarado pop bealteliano, de hecho su devoción por la mítica banda de Liverpool (Inglaterra) se manifesto de lleno con su aparición en un tributo a Paul McCartney, "The autumn chateau", otra dosis añeja fosilizada en notas coloridas cargadas de psicodelia ácida, "That little girl", cercana a los Jon Spencer Blues Explosion más relajados dentro de su propia impetuosa energía, una pista que une melodía y tradición garagera, "If you won't let go", la sombra de The Kinks con un toque de guitarras que cuadrarían con el estribillo de "Hello, i love you" de The Doors, pero que poco a poco acoge su personal identidad, "Running through my mind", mi favorita del conjunto por su sobriedad y ese compás tan road movie que incluye el hipnótico sonido de una harmónica, además de su parecido razonable con el ilustre y requeteversioneado "Baby please don't go" de Big Joe Williams, "Patient sparrow", no podía faltar un corte con sitar en un disco de estas características, y "Tell me what you want"ese divertido y bailable 'bonus track' que cierra esta magnifica obra.

The Black Hollies son Justin Angelo Morey, Herbert Joseph Wiley V, Jon Gonnelli y Nick Ferrante.